Nuevo Orden es una desmitificación de la bondad de los humildes que nos transporta automáticamente a Buñuel (Viridiana). El arranque de la cinta, una boda de millonarios, nos retrotrae a la sublime EL ÁNGEL EXTERMINADOR. Sobre todo cuando la dulce novia decide preocuparse por los más desfavorecidos (imágenes de la virgen/novia). Una escena en la que también resuena la juguetona Parásitos. Sobre todo en su sangriento festín final. Pero la comparación con Bong Joon-ho tampoco le va bien a Michel Franco, un cineasta mucho menos versátil y original.

https://youtu.be/cxMHhxMw140

La frialdad del mundo post-Covid mucho tiene que ver con el futuro aséptico que dibujó Crash en 1996. Acercarse hoy a la película se antoja de todo punto obligado. Por su audaz mirada al crimen postmoderno. Por su acertada visión de la corrupción de la carne mediante las nuevas tecnologías con el objetivo claro de matar a Dios. Por su seriedad a la hora de filmar la perversión, que desvela el manantial de pornografía que hoy nos inunda como una gratuita muestra de la absoluta NADA.

Link: https://youtu.be/3wUjicQabgc

Porque, para el protagonista, el discurso oficial, ya sea capitalista o socialista, está alejado de las personas. Su amor, pues, no entiende de ideologías; sólo se debe a la VERDAD, a sus amigos, a Ruth (Jessica Cressy) y a una literatura donde hallará lo que su amada no puede ni siquiera intuir: una herramienta imprescindible para alcanzar la LIBERTAD.

Sí, Martin Eden es un hombre libre desde sus orígenes, tan significativamente humildes. Su corazón sencillo es, quizás, lo que enamora a una mujer atrapada en una jaula de oro. Pero ella tiene miedo al cambio y, asustada, conmina a su novio a aceptar el relato oficial tras comprobar la capacidad que un hombre libre tiene para desestabilizar todo su universo.

Esta fuerza subversiva prende de forma notable hacia la mitad del metraje, cuando el protagonista, empujado por un literato mayor, viejo, acaso cansado de las viejas promesas de izquierdas, opina en una reunión socialista sobre lo inútil que resulta tratar de cambiar un peón por otro dentro de una construcción de poder. El instante es crucial, pues coloca al personaje, por primera vez, en el foco de una sociedad que, más tarde, tratará de moldearlo.

Link a la crítica: https://hombreblandengue.wordpress.com/2020/12/13/dopo-la-rivoluzione/

Porque a Ozon le ocurre aquí exactamente lo mismo que le pasaba en la muy injusta Joven y Bonita, y no es otra cosa que la citada obsesión por trascender el subgénero. Si allí parecía mirar por encima al cine adolescente y sus resortes al mandar el metraje al despropósito sexual usando para la maniobra a una muchacha-utensilio, aquí, el encuentro fugaz entre dos chavales, debe entablar una conversación con lo más elevado de la poesía francesa.

Sí, lo que vemos pretende dialogar con la relación de amor fou entre Verlaine y Rimbaud. De modo similar, es muy difícil no acordarse de El cementerio marino, de Paul Valéry, en según y qué momentos. En Verano del 85, toda una idea de malditismo, abrazada al diálogo entre Eros y Tánatos, recorre el film con muy poca discreción. Y aún así, la exclusión verdadera, el olor del dolor, de la sangre, de la muerte y la putrefacción no son aquí nada más que objetos de lujo con los que se adorna una angustia adolescente en la que hasta para bailar sobre la tumba del otro hay que ser cursi, intensito y relamido.

https://www.youtube.com/watch?v=euy-9Y3QawU

Así, la cámara sigue durante más de 100 minutos a un individuo que, al contrario de lo que suele suceder en la mayoría de las cintas modernas (donde éste se pierde y su identidad se diluye), se encontrará a sí mismo en su taciturno deambular. O mejor dicho, a sí misma, pues este personaje lo interpreta inmejorablemente una Scarlett Johansson dispuesta a arrojarse a un tour de force único que la obliga a hablar poco y a decir mucho con su rostro y con su cuerpo.

Porque el objeto no identificado del cine contemporáneo, ya desde Antonioni, es el cuerpo (esta película bien podría haberse llamado Identificazione di una donna), y por eso, la Johansson, sin miedo, se lanza al precipicio y coloca su estrella (su lugar de procedencia también en el film) en crisis al retozar con actores desconocidos en lo que se antoja otra de las claves de las creaciones recientes: el acortamiento de la distancia existente entre la obra mainstream y la periférica.

Bajo las inquietantes atmósferas escocesas, donde el sol apenas se concibe, pulula un ser que parece tener su espejo en las citadas estrellas perdidas bajo las nubes norteñas. Colocada en el mundo terrenal, abocada a la marginación cual prostituta, este extraterrestre descubre su verdadera naturaleza (que no difiere demasiado de la nuestra: ojo al conmovedor episodio en el que la piedad surge como una emoción perteneciente no sólo a nuestra especie, sino al universo) tras varios encuentros que pondrán en entredicho su razón de ser. La producción se alza de esta manera como un apasionante ejercicio que parece decirnos que el cine narrativo no deja de buscarse a sí mismo, a sabiendas de que el relato ya apenas existe. Igualmente, que la ciencia ficción necesita explicar, como si fuera por primera vez, lo que significan sus componentes (la oscuridad, los contraluces, el sonido metálico, los silencios, el suspense…), ahora que el ruido y la pretensión se han alzado como la bandera de lo real.

No parece, entonces, casual que el film comience en la abstracción total, se dirija hacia las carreteras en busca de algo que contar, advierta su reflejo en la piedad y acabe en el ambiente espectral de un bosque, el espacio en el que se han sucedido tantas obras mayores del audiovisual reciente.

Porque Under the Skin es una realización sobre el rastro que dejan las estrellas. Y así, en su proyección vislumbramos, por ejemplo, a Kubrick, a Ridley Scott, a Claire Denis, a Apichatpong Weerasethakul, a Kelly Reitchard o a Antonioni. También, y contra todo pronóstico, al Malick de El Árbol de la Vida, con la que comparte una compleja reflexión sobre la crueldad inherente a la naturaleza y sobre la piedad como su contrapunto ‘antinatural’ proveniente de lo más profundo e inextricable de la creación.

Puedes ver la video-crítica en https://www.youtube.com/watch?v=XceEHrE9o6g