La producción italiana: Cover Boy, dirigida por Carmine Amoroso, se adentra en la amistad de Ioan, un emigrante rumano hijo de la revolución poscomunista y Michele un obrero romano desencantado.
Con una fotografía impecable y evocadora que se recorre la fotogenia y anatomía del protagonista: Eduard Gabia, que se despelota en cuatro momentos de la película; Cover-boy: La última revolución no deja de ser un retrato esperanzador sobre la solidaridad y los límites morales de la sociedad occidental.

Con una historia aparentemente sencilla y en tono de comedia, Por culpa de Fidel es una mirada fresca y muy personal sobre las relaciones familiares y los cambios sociales y políticos de los años 70.

Julie Gavras, la hija del director de cine político Costa Gavras, ha heredado sin duda esa mirada crítica y humanista; apuntando directamente en la llaga, hablándonos de la ideología de lo cotidiano, de la educación emocional entre padres e hijos; en definitiva de la familia como eje de solidaridad y transmisión de valores.

En su primer largometraje de ficción, Julie Gavras nos sumerge en la vida de Anna De La Mesa, una niña de diez años para la que la decisión de sus padres de cambiar de vida y dedicarse al activismo político es casi una declaración de guerra. Su resistencia a abandonar el colegio de monjas, dejar su casa para mudarse a un apartamento pequeño o renunciar a su nani cubana son grandes dramas a los que tendrá que adaptarse poco a poco.

El camino iniciático de Anna hacia el mundo adulto, un mundo politizado y de creencias contradictorias, le llevará del rechazo absoluto a la curiosidad, y de las preguntas a las conclusiones.
En el camino se cruzarán nombres: Allende, Franco, Fidel, De Gaulle; canciones, conceptos que no conoce, países que no sabe donde están y con los que irá completando su puzzle del mundo. Un puzzle emocional construido con ideas y personas que le servirán de brújula en la vida.

El barrio de "las Velas" di Scampia, en la periferia norte de Nápoles, es el protagonista de una pelicula rodada con la mirada fría y documental que rezuma el libro de Roberto Saviani.
Un barrio construido en los años 60 y 70, en tiempos del delirio del cemento, que sirvió para acoger a la emigración interna de la provincia y que en los últimos años se ha convertido en un campo abierto a las leyes de la Camorra. Llamado por sus propios habitantes "Tercer Mundo", la Scampia es el mayor centro de venta de droga de la Europa del bienestar, y un lugar donde la vida ha dejado de tener valor.

A partir de la obra de Saviani, que consigue en Gomorra un auténtico tratado sociológico de la Camorra napolitana (su historia, sus costumbres, modos operandi y líneas de negocio); el director Matteo Garrone vivió seis meses –tres de preparación y tres de rodaje- en las “Velas” di Scampia bajo la mirada atenta y la "protección" de la Camorra.

Con un tratamiento casi documental, la película narra con crudeza cinco de las historias de la infinidad tratadas en el libro de Saviani y que vinculan directamente con la Camorra napolitana, negocios tan aparentemente legales como el de la moda de alta costura o la destrucción de residuos.
Cinco personajes excelentemente interpretados, entre los que figuran no profesionales, que se mueven directa o indirectamente dentro del engranaje de la Camorra: Un sastre de alta costura mal pagado, dos adolescentes que juegan a ser gánsters de cine, un niño que se inicia en la organización, un sufrido pagador de la Camorra y un joven colaborador en el negocio de futuro de los vertederos; ayudan a construir una imagen general de la realidad de la zona, donde los altos índices de paro y la falta de políticas sociales arrastan hacia la organización a miles de personas de todas las edades que son utilizadas como piezas intercambiables de un puzzle dentro del sistema.

Si la historia del cine nos ha acostumbrado a la mitificación de la mafia hasta límites insospechados, con Gomorra caemos directamente en las alcantarillas de un universo cercano y desolador en pleno centro del mundo civilizado, en el que un sastre cualificado de alta costura no llega al umbral del salario base; en el que es posible contaminar una comarca entera con vertidos tóxicos, en el que la droga es el negocio del futuro; pero sobretodo un lugar donde la vida y la muerte han dejado de tener valor.

El sirio Moustapha Akkad estudió cine en Hollywood donde dirigió cine de serie B de vampiros hasta que consiguió poner en marcha el proyecto de The Mesagge, traducida en España como Mahoma, el mensajero de Dios.
La película cuenta con curiosidades que complicaron tanto el guión como la dirección.
Por ejemplo, como la tradición islámica no permite la reproducción de imágenes del profeta..Akkad tuvo que planificar muy bien una historia donde no vemos ni escuchamos directamente al protagonista, que siempre habla a través de sus seguidores.
Además, el director encontró muchos problemas para la financiación y rodaje de la película, por el rechazo ideológico de algunos países islámicos a hacer una película sobre Mahoma, por lo que aunque se rodó en la primera parte en Marruecos con el apoyo de Hassan II la película se finalizó en Líbano.
Akkad cuenta en El Mensaje con dos estrellas como Anthony Queen e Irene Papas que hacen muy creíble la historia para el mundo occidental, ya que la idea del director era crear una obra divulgativa de la historia de Mahoma comprensible y que emocionara a los occidentales, y sobretodo, un homenaje a su cultura.
La película sigue las pautas del Hollywood de las superproducciones históricas de los 60 y 70, creando una historia épica e intensa sobre el nacimiento y expansión de la religión islámica a partir de su profeta.
Lo dicho, una peli interesante que nos acerca un poco a una cultura cercana y muy desconocida, cuya imagen de radical está politizada desde occidente.
Yo por lo menos, ahora ya sé porque hay tantos musulmanes que se llaman Hamsa. Para saberlo tendreis que ver la peli.

El finlandés Aki Kaurismäki se ha convertido para muchos aficionados al cine en un director de culto, no tanto por estar considerado un director de moda en Europa, sino por la originalidad y la fuerza de su cine. Un cine aparentemente sencillo, conciso y minimalista pero que esconde una verdadera arquitectura interna capaz de conmovernos.

Un hombre sin pasado, es la segunda película de la Triología sobre los desheredados y los perdedores de la sociedad moderna, y compone con Nubes pasajeras de 1996 y Luces al atardecer de 2006, un interesante y poco usual cuadro sobre la presuntamente culta y rica Europa del Estado del Bienestar.

Con historias de gente que no siempre gana, de losers de la Finlandia de hoy, como es el caso del protagonista de Un hombre sin pasado, Kaurismäki consigue emocionarnos, removernos por dentro, llevarnos al territorio de la compasión y de la empatía.

Con la inestimable ayuda de actores como Markku Peltola (M) y Kati Outinen (Irma), esta última actriz fetiche del director y que ya protagonizó La chica de la fábrica de cerillas; Kaurismäki consiguió en 2002 el Gran Premio del Jurado en Cannes y el Premio FIPRESCI a la Mejor película en San Sebastián.
Podríamos citar algunas de las constantes del irrepetible cóctel Kaurismäki: la brevedad de los diálogos, los silencios, la música como transmisora de las emociones de los personajes que oscila del rockabilly al tango pasando por la música clásica o tradicional de Finlandia; una fotografía de colores contrastados, la contención de la puesta en escena de los actores, los planos largos, el humor negro...todo ello sobre una estructura clásica tan pura como el vodka más seco.

Sin embargo, la verdadera clave para entender sus historias y su mirada es dejarse llevar por ellas, convertirnos también como en este caso en hombres sin pasado, redimirnos a través del olvido y empezar de nuevo.