Lejos queda la unanimidad con la que critica y publico alababan a la opera prima de un desconocido Blomkamp. En ‘Chappie’ lo que recibe el sudafricano es de todo menos unanimidad: a día de hoy, pocos días después de su estreno, tiene tan solo un 29% en Rotten Tomatoes y de forma casi irónica recoge una nota media de 7.4 en IMDB. Y juro que no entiendo que lo que hace algunos años fascino a propios y extraños en ‘District 9’, llegando inclusive a convertirse en candidata al Oscar, horrorice aquí ahora a unos cuantos que de forma errática despotrican sobre la (in)volución del director.

Porque, queridos usuarios de esta gran familia, ‘Chappie’ bien podría haber sido rodada paralelamente con ‘District 9’, con la que comparte y de la que hereda prácticamente todo. En esta Sharlto Copley cambia la piel de alienígena antipático por el acero de robot simpático, llevando siempre en ambas el tótem de todo argumento dado en películas de Blomkamp: la marginación (AKA es un paria). De nuevo además tenemos grupos de delincuentes organizados armados hasta los dientes que viven al margen de la sociedad. Y por si el mensaje de su opera prima no había quedado claro, el sudafricano nos da una vuelta más sobre el mismo argumento. Que no señores, que no hay esperanza en el ser humano: tratamos al diferente como escoria y si tiene algo de especial, le utilizamos para nuestro propio beneficio.

En ‘Chappie’ sin embargo se arriesga más, y no me refiero al estilo narrativo, que era mucho menos clásico en ‘District 9’. La del robot es una película donde se fusionan infinidad de géneros, y donde explota mucho más la comedia hasta en algunos casos rozar la parodia (y si alguien no está de acuerdo, que alguien me explique qué hacen Die Antwoord haciendo de sí mismos de forma bastante sobreactuada, con nombres incluidos). Blomkamp sigue rodando aquellas situaciones inverosímiles de antaño, pero ahora las dota de algo más de credibilidad: por lo menos quien se salta todo control de seguridad tiene acceso a las instalaciones, y no como aquel Copley en evolución que accedía a donde quisiera a base de cuatro disparos mal dados. Y no solo eso, sino que sigue abusando de la ternurita que transmiten sus personajes marginados, al punto de intentar tocar el lacrimal del espectador. No se preocupe quien haya visto ‘District 9’ y espere personajes y entes malignos desarrollados con nada de profundidad: si te gusta el caldo, toma dos tazas.

Queda claro entonces que no hay tanta diferencia entre ambas. Ahora analicemos a ‘Chappie’ sin comparaciones, como obra única, que es en realidad como toda película debiera ser analizada.

Debajo de la escarcha que recubre la película y la hace, a primera vista, un producto Blockbuster de entretenimiento un tanto inocuo, existe toda la evolución de un personaje de infante a (casi)adulto, que pasa por todas sus etapas y que difícilmente no robara el corazón del espectador. Blomkamp nos habla del ‘nurture’ como método de aprendizaje. Y nuestro guía en tal proceso será Chappie, que es un robot que ‘nace’ con una ‘tabula rasa’. En su infinita inocencia y causando la carcajada del espectador, Chappie no entiende que crece en un entorno de delincuencia, ni que significa llevarse el dedo a la nariz (gesto que aprende siendo un infante y repite siempre a lo largo del film), ni tan siquiera entiende la diferencia entre estar dormido y estar muerto. Y es en esa ignorancia que nos enternece en la que de repente se despierta su conciencia y da el paso final a su existencia como ser vivo: el miedo a su propia muerte.

Pero mientras se encuentra en este proceso, ‘Chappie’ también nos deja ver como ese entorno que le rodea le amolda y le influencia para convertirse en quien es una vez pasada su infancia. Y es que, como dije anteriormente, Blomkamp vuelve a hablarnos del miedo al diferente, del acoso, la marginación, la falta de humanidad y la explotación de alguien semejante a nosotros. Ante tal panorama, donde lo que le rodea es destrucción y muerte, es de hecho cuando Chappie toma conciencia de que ha de luchar por su existencia, una existencia que ni siquiera entiende porque otros le quieren arrebatar.

Y ahora sí, cubriendo toda esta parte de la película que más de uno deseara que hubiera sido mejor y más desarrollada, se encuentran las ‘estrellas’ de la película, unos Hugh Jackman y Sigourney Weaver que soportan el peso de unos personajes planísimos y desaprovechados, que sirven como enlace para la parte de acción final. Una parte que resulta muy entretenida, tanto como de poco original. Y sin embargo, una parte que juega sus últimas cartas tratando un tema casi ineludible en una película como esta… (1)

Supongo que sin tan siquiera haber sido estrenada en España, poco puedo hacer para que la opinión general de esta comedia sci-fi cambie. Pero en los recuerdos de esta humilde cinéfila que gusta de dejarse las gafas de pasta en casa cuando ve un producto como el que nos ocupa, esta película quedara guardada por mucho tiempo. En aquella parcela de la memoria donde ‘Transformers’, ‘Fast & Furious’ y demás Blockbusters de verano son borrados a los pocos minutos de haberse visto.

Si de una regla de tres se tratase y tomando como punto de partida la opinión de la mayoría de fanáticos del libro, diríamos que es definida por éstos como una “grandiosa adaptación” por lo que la puntuación sería 10 para el libro y 10 para la película. Si yo estuviese detrás de ese igual, como espectadora que ya ha visto “Battle Royale” y que piensa que “Crepúsculo” es una gilipollez preadolescente con el fin de moralizar sobre la castidad y los valores tradicionales, pero con un envoltorio supuestamente terrorífico que despista, y sin haber leído el libro de Collins… Le cascaría un 4 a la que me ocupa. Ya sé por tanto cuál sería mi puntuación para el libro.

Lamento tener que ser reiterativa, y decir algo que ya es vox populi, pero lo cierto es que “The Hunger Games” no se inicia desde la originalidad precisamente, sino desde la descarada y burda copia de una idea (la mencionada “BR”), pero lo suficientemente edulcorada y desarrollada de manera totalmente diferente para que sea perdonada. Lo perdono, francamente, aunque los derroteros que toma son de cine de familia, e increíbles para la situación que muestra.

El film (excesivamente largo para lo que muestra, que viene siendo nada) tiene dos partes diferenciadas: la primera basada en la aceptación de su nueva situación como participantes de los juegos del hambre por parte de los dos representantes del Distrito 12. Una gilipollez como un templo: no profundizan en ambos personajes, ni siquiera existe un verdadero desarrollo en su personalidad. La segunda parte es un ataque de epilepsia en toda regla, donde y aún teniendo 24 participantes para ver morir, no presenciaremos ninguna secuencia cruenta, ni sangrienta, ni tan siquiera veremos a los participantes morir matando (lo cual sólo demuestra a quiénes va dirigido este film, chavalería para la que se ha recortado en violencia evitando la censura… Las pretensiones de “The Hunger Games” son claras por tanto: ser una nueva “Crepúsculo” con disfraz adulto). No llegamos a conocer a los personajes ni en una ni en otra parte, ni siquiera como para definirlos como “estereotipados”.

Sigo en SPOILER...

Voy a contar una película. Una porno en este caso. Habrase entendido que no he visto todas por supuesto, pero es innecesario, puedo imaginarlo y es más que probable que acierte… Veamos: pongamos por ejemplo a Abella Anderson que está muy de moda últimamente, junto a una cuya fama decayó cuándo decidió dejar de tener peras y pasar a tener tres cabezas: Rebeca Linares. Ellos no son importantes, la cámara no se centrará en sus caras, al menos no en sus cabezas superiores. Tampoco importa el contexto de la historia: pongamos simplemente que es una reunión de amigos. Hablan tonterías y de repente Abella y Rebeca empiezan a poner cara de malas y a morderse los deditos. Poco después se ocuparan de las cabezas de abajo, para terminar protagonizando una de acrobacias. Imagino a Abella con su batidora cubana y después a Rebeca dando lo mejor de sí misma y luchando por chupar… más cámara. El final lo conocemos todos: en la boca, mejor que mejor. Vista una, vistas todas.

“Train” es el ejemplo perfecto de este otro género y se resume exactamente en lo de arriba. No importa que esté trazada sobre el éxito de “Hostel” porque de plagios no puede hablarse: el guión de “Train” ocupa a lo sumo diez páginas, y el de “Hostel” a su lado parece tan complejo y mordaz como el de “Pulp Fiction”, por ejemplo. “Train” solo basa su triste existencia en narrar una serie de torturas, a cada cuál más tonta, y mostrar a unas personas de aspecto joven y cerebro embrionario hacer gilipollez tras gilipollez para poner en riesgo su vida.

Tiene un par de puntos que la hacen peor que propuestas igual de simples, y no es precisamente que Thora Birch tenga tres cabezas como la Linares. Para empezar, el coeficiente intelectual de los malos de la historia, que llevan el tejemaneje de una trama que aquí en la vida real sería sumamente compleja, es más bajo que cualquiera de los dulces e inocentes americanos víctimas de sus maldades. Pongámonos en situación: tengo un tren dónde en uno de los vagones hago cosas horrorosas, ¿qué es lo más lógico que podría hacer?:

a) Cerrarlo a cal y canto, para evitar que cualquier pasajero, y en especial mis futuras víctimas, descubran el pastel.
b) Dejar a la gente vagar con libertad, que eso de cerrar vagones es cosa de mala educación.

A menos que seas el director de esta película o te hayas perdido en esta crítica y pienses que hay pase privado con Abella y Linares en el vagón prohibido, habrás elegido como persona normal, la a)…

Sigo en SPOILER...

La vendieron como una cosa y resultó ser un thriller-dramón apocalíptico sobre una serie de personajes en una situación límite, y por ello le caen críticas negativas por doquier. Ah, bueno, pues menuda gilipollez… ¿Es por ello una mala película?

Me gusta la forma en la que Gens empieza: presenta personajes estereotipados hasta en el corte de pelo. Creemos saber entonces la película, y la sabemos. Sabemos que personaje va a ser moralmente intachable, cuáles lucharan por el liderazgo, quiénes perderán la cordura antes y hasta tenemos historia de amor prohibido de por medio. Pero a mitad de la película, cambiamos de género, y Gens desarrolla hasta el extremo unos personajes a los que viola, martiriza y tortura sin descanso, sorprendiéndonos con el grado de violencia psíquica que alcanza y dándole la vuelta a la tortilla… Porque tiene más razón que un santo, y en nuestra vida diaria nosotros también no somos más que estereotipos cortados con el mismo patrón, y sólo el tiempo y las experiencias vividas desnudan nuestras sutiles (o no tan sutiles) diferencias.

Que “The Divide” tiene fallos (y gordos) es una verdad a gritos, pero que al final perdono y hasta me gustan. Es reiterativa y larga, pero exceptuando alguna escena, no podría recortar mucho más el metraje sin dejar algo imprescindible en el camino para su lento desarrollo. La música y el final, Sony Vegas total, es una ida de olla, de acuerdo… ¿Pero no posee una fuerza increíble?

A partir de aquí, me veo en la obligación de entrar en SPOILERS porque es imposible defender el film de tanto ataque sin entrar en materia. Si has leído hasta aquí, entonces simplemente te recomiendo que la veas, porque te parezca acertada o fallida, es un ejercicio cómo mínimo interesante.

1. Mucho se ha hablado de la película que puedo ser y no es. Podría haber sido una película de experimentos médicos, de acción desenfrenada y con banderitas americanas. De hecho, se trata el tema en la película… ¿Fueron los musulmanes? ¿Los norcoreanos? Y pregunto retóricamente… ¿Necesitábamos otra película con Estados Unidos mirándose el ombligo? Yo agradezco el riesgo que toma Gens: somos parte del búnker y no necesitamos saber más que los personajes. Los hombres de blanco (que son científicos principalmente, no militares) son sólo una excusa para sellar esa puerta y que esperemos lo mismo que los protagonistas: una respuesta que al final entendemos que no importa nada.

2. Entrando en materia principal, y obviando los comentarios sobre el nivel actoral (que peores mierdas tragamos en el género), creo que todos los personajes (exceptuando a Adrien, cuyo personaje sólo sirve para terminar de semi-explotar a otro) están bien desarrollados:

A Nader y Simin no les separa un pensamiento o una forma de vida. A ellos lo que les separa finalmente es lo opuesto de sus caracteres y su forma de afrontar la misma lucha: Simin exige un divorcio más por poner a prueba a su marido que por verdadero deseo de separase, y Nader esto no lo entiende. A su vez, enfrentan la vida igual que enfrentarán su futuro problema judicial: Simin acepta las normas, entiende que atajar el conflicto es pagar y defiende esta postura. Igual que ha tomado la determinación de emigrar para escapar de la situación de su país, e igual que le cuenta a un suegro incapaz de enterla el por qué de pedir el divorcio pero no le explica esa realidad a su todavía marido. Simin entiende que la huída de los conflictos es la mejor opción. Nader es su opuesto, no es casual tampoco que se haga cargo de su padre, que no quiera abandonar Irán, que defienda su verdad a riesgo de perderlo todo e incluso que obligue a su hija a no escribir nada en árabe en pro del farsi (Nader representa también esa realidad que pocos conocen, y es que son muchos en el país persa que odian a los árabes y les culpan directamente de la involución de sus derechos). Nader se rebela ante todo, lo enfrenta, sus principios son inamovibles.

Pero que nadie acuda al autoengaño, porque aquí no es realmente importante la separación de los protagonistas, sino la representación en cada uno de ellos de una realidad diferente, y la confrontación de los dos diferentes mundos que coexisten en Irán, el de los que abogan por el cambio y el de los que han sido cegados por la religión. Nader toma el rol de cuidar de su padre y de su hija, vive una relación en libertad dónde ambos tienen derecho de opinar, hacer y deshacer, poseer dinero y discutir. Hodjat es irracional, no piensa sino que actúa, y actúa siempre con violencia hacia la gente en general y hacia sí mismo. En su relación impone (y Razieh acepta, por propios ideales) el machismo y la extrema religiosidad como forma de vida, tomando Razieh el conservador rol de madre y ama de casa, y obligada a ocultar decisiones que rompan con las leyes que rigen su matrimonio y su modo de vida, y no sólo por su marido, sino por el excesivo pavor que le tiene a contradecir las normas religiosas. Razieh viste entera de negro, en contraposición a una Simin que viste tonos pasteles, pantalones, muestra su cabello teñido y no por casualidad hasta conduce. Nader y Simin, la clase media, la lucha por los propios ideales y la propia moral. Hodjat y Razjeh, la clase baja, la ignorancia, la moral prestada.

Lo difícil que hace (y consigue, aunque no con los mejores recursos) el film es el no esteriotipar a los personajes y someterlos a jucio público. En “A Separation” lo que se pretende no es que empaticemos más con unos o con otros, sino con todos ellos. Los recursos que utiliza el director para ello son dos: por un lado, la mentira de la que hacen uso todos como medida de protección...

SIGUE EN SPOILER