Estas palabras son susurradas, durante una noche de luna llena sobre los tejados de Kyoto, por la enigmática Benten, uno de los personajes de ficción más fascinantes de todos los tiempos (me recuerda a la igualmente enigmática Alejandra de “Sobre héroes y tumbas”). Y es que Uchouten Kazoku quizá sea el mejor anime del 2013.

La serie gira en torno a la familia excéntrica del título, los Shimogamo, compuesta por cinco miembros: el primogénito Yaichirô, aplastado por la responsabilidad de seguir los pasos de su padre; el segundo hijo Yajirô, quien se ha refugiado del mundo (y de sí mismo) en el fondo de un pozo de los deseos; el tercero Yasaburô, el protagonista y verdadera eminencia gris de la familia, un chico talentoso pero entregado a la busca de una vida interesante (ni ambiciosa ni exitosa; sólo interesante); el cuarto hijo Yashirô, el más joven, que se agarra a su infancia y a su inocencia y se niega a madurar; y, por último, el elemento aglutinador: la madre, que se pasea por la ciudad disfrazada de príncipe azul retando a los jóvenes a jugar al billar.

La ciudad en cuestión es Kyoto, algo nada casual si tenemos en cuenta que su paisaje ocupa una posición central en la serie: los fondos son una explosión de verdes y grises y ocres y azules que inundan la pantalla de estilosas florituras visuales. Las callejuelas empapadas por la lluvia, los cerezos en flor o los arces de Arashiyama en otoño son conmovedores ejemplos de una animación de gran calidad. También es evidente la vinculación de Kyoto con las criaturas del folklore japonés (los tenuki y los tengu) que pueblan esta historia.

La primera mitad de la serie se centra en mostrar a los personajes en su mundo y las relaciones existentes entre ellos, y es aquí donde brilla realmente. Los primeros capítulos son una acumulación de pequeñas viñetas que nos hablan de la crisis de identidad del Maestro Akadama, que no ha sabido encajar su vejez; o de la triste, conmovedora relación de amor-odio entre Yasaburô y Benten (el vuelo nocturno por los tejados o la secuencia de la ballena son memorables). Todas estas estampas muestran que la vida está compuesta de momentos perfectos y extraños que pueden ser perseguidos y acariciados, pero nunca alcanzados.

Desde mi punto de vista, la cosa decae ligeramente en la segunda mitad con la resolución del gran trauma que planea sobre los Shimogamo desde el primer capítulo: la muerte del padre. A pesar de que se alcanza un final satisfactorio donde son subrayados los valores de la familia, el perdón y la aceptación de uno mismo y de la realidad, yo echo de menos la magia del principio. También considero que algunas tramas podían haberse explotado más (el pasado de Benten y Yasaburô, en concreto) en detrimento de las secuencias más puramente cómicas.

En definitiva y a pesar de todo, una serie sobresaliente. Y el ritmo no decae en ningún momento. Muy recomendable.

“Y fue precisamente por eso, porque podía ir a donde quisiera cuando quisiera, que decidí confinarme en esta galaxia de cuatro coma cinco tatamis…”

Enorme y grata sorpresa la que me he llevado con el descubrimiento de Tatami Galaxy. Encontrarse de vez en cuando con joyas como esta, que van más allá del mero entretenimiento y que logran un escalofriante nivel de empatía con el espectador (en mi caso), es lo que hace que el cine sea algo tan especial. Voy a escribir esto rápido, antes de que se me pase el mono de después del visionado y la cabeza me tiente a ponerle menos nota.

La serie rezuma originalidad por todos sus poros. La historia es siempre la misma, episodio tras episodio, pero siempre es diferente. Aquí entran en juego dos factores que libran a Tatami Galaxy de ser tediosa. El primero es la genialidad del guionista, que consigue que la trama avance incluso cuando se está repitiendo. Hay pequeños guiños (ej. el precio in crescendo de las predicciones de la vidente) que parecen decirnos “sí, esto ya lo habéis visto, pero tened fe: sabemos lo que nos hacemos”. El segundo factor es, por supuesto, la duración. Después de once episodios el espectador no ha tenido tiempo de aburrirse, incluso con una estructura casi calcada en la mayoría de ellos. A la postre uno se da cuenta de que cada segundo de metraje nos está conduciendo al final, un final necesario para redondear el poderoso y optimista mensaje [ver spoiler] de un anime que, en el fondo, no deja de ser una historia de amistad y amores correspondidos.

La animación, lejos del preciosismo fotorrealista al que nos tienen acostumbrados desde Japón, te abofetea escena tras escena. El trazo simplificado, a veces delirante, y una paleta de colores austera, de tonos planos y fuertes contrastes cromáticos, son reflejo perfecto del patetismo surrealista que inunda la vida de nuestro protagonista. En cualquier caso, la calidad es innegable.

Y el guion… Esto es un guion, señores. La extenuante verborrea narrativa del protagonista alcanza verdadera calidad literaria. Hay mucho, mucho seso detrás de esta serie.

Mención especial merece el cameo de Lucky Luke interpretando a… esto… Bueno, da igual.

Una historia sencilla, sin pretensiones, empapada de melancolía; un guion que avanza con tranquilidad y, sobre todo, honestidad. Ni trampa ni cartón. Vale, en ocasiones roza lo melodramático. Vale, el tema ya está muy trillado; no hay personajes especialmente carismáticos, ni giros bruscos en los acontecimientos (chan-chaaaaan!), ni tetas ni torsos desnudos ni emociones fuertes. Pero ya quisieran los bodrios televisivos sobre adolescentes a los que nos tienen acostumbrados en este país ser la mitad de buenos que esta serie.

Eso es lo que más gratamente me ha sorprendido de “true tears”: la sensibilidad y el candor con que está tratado todo, sin llegar a ser cursi en exceso. Y la animación se adecua jodidamente bien a lo que se está contando (las comparaciones con “Cinco centímetros por segundo” son obvias). Esos fondos de tonos apagados que parecen acuarelas, ese uso tan efectista de la luz… La misma historia rodada con actores reales en escenarios reales perdería parte de su magia.

La animación no es un género cinematográfico. A ver si nos enteramos.

La cosa tenía todos los ingredientes para convertirse en una gran película: presupuesto hollywoodiense, un buen puñado de estrellas, director oscarizado y una banda sonora inolvidable que lleva decenios interpretándose sin descanso en Broadway y el West End.

¿Qué podía salir mal?

Pues la película no funciona, porque se basa en una premisa errónea: que algo que funciona muy bien como musical funcionará muy bien en la gran pantalla. Y no. Porque carece por completo de empatía.

“Los miserables” es un drama. Un dramón. El libro de Victor Hugo te conmueve: hace que sufras cuando los personajes sufren, que rías cuando ellos ríen. El cine tiene, a priori, más recursos que la literatura para lograr este nivel de compenetración con el espectador, sobre todo si cuenta con unos buenos actores como estos. Pero ay, si los actores se tiran toda la película cantando… pues, además de demostrarnos que efectivamente saben cantar, lo único que consiguen transmitir es artificiosidad. Y cuando un drama falla en transmitir las emociones que tiene que transmitir…

La dirección no ayuda porque desperdicia demasiados minutos en mostrarnos primerísimos planos de gente llorando, a ver si así se nos pega algo. Se confía en la música para llevar toda la carga dramática. ¿Para qué quiero ver a la Hathaway llenando de lágrimas toda la pantalla mientras canta el “I dreamed a dream”? ¿Por qué no mostrarme, por ejemplo, imágenes de ese pasado tan feliz del que habla para que pueda entender mejor las miserias del presente? Y la historia de Marius y Cosette, tan bonita en el libro, aquí se convierte en una tonta sucesión de clichés que no hay quien se los trague.

En definitiva: un 6 porque el conjunto no deja de ser grandioso y entretenido, pero a la película le falta el alma.

Ah, y el genio que ha escrito los subtítulos en castellano se merece el Oscar. Menuda traducción, macho.

Quienes se sienten delante de La vida de Pi están de suerte: el director les ofrece dos películas al precio de una.
La primera película se divide, a su vez, en dos partes. Los 45 minutos iniciales (así a ojo) son una especie de Big Fish en versión hindú, con personajes simpáticos y una fotografía alegre, de vivos colores.
Después de esta larga presentación todo cambia y llegamos por fin a lo que estábamos esperando con ansia: el relato de la supervivencia del chico y el tigre, una majestuosa e inverosímil sucesión de imágenes a mayor gloria del 3D. No cometan el error que cometió un servidor y vayan a verla en 3D. De lo contrario corren el riesgo de que se les haga tediosa.

Terminada esta explosión de belleza onírica, a uno se le queda una sensación de vacío y de decepción. ¿Y esta es la historia que nos iba a hacer creer en Dios? Hmmm. Demasiado zooplancton fosforescente y demasiada poca chicha.
Entonces empieza la segunda película, que dura unos escasos 5 minutos. Y entonces te quedas con cara de tonto.

Hermosa, escalofriante alegoría sobre la creencia en Dios. A mí, desde luego, me ha convencido.