Una serie más de supers, qué bien, suena cansino a estas alturas de película, pero honestamente, creo que hay que darle una oportunidad (o dos) a Invencible, la ocasión bien lo merece.

Contextualicemos: detrás de la serie está el gran Robert Kirkman, uno de los tipos más inteligentes del stardom comiquero en las últimas décadas. Su amor por el género ha hecho que lo deconstruya y le dé forma con altas dosis de violencia y mala leche. Desde los inicios y conceptos básicos del viaje del héroe, del autoconocimiento del protagonista adolescente, se adentra en el cambio de paradigma donde los valores se ponen en entredicho a cada paso que se da… creando situaciones dolorosísimas y muy potentes.

La idea es básica, joven que descubre sus poderes (como si fuera una especie de Superboy del siglo XXI) pero que tiene problemas cotidianos que le afectan tanto o más como su relación con sus padres, su novia, los estudios universitarios, llegar a fin de mes… (todo esto reflejado con maestría desde sus inicios en la cabecera de Spiderman).

La vuelta de tuerca es sublime, coger mil referencias de las grandes compañías (Marvel y DC principalmente), meterlas en una coctelera y dejar que el (meta)lenguaje posmoderno lo impregne todo, el resultado es una mezcla perfecta entre la diversión clásica que enamora a públicos de todas las edades desde tiempos inmemoriales y el punto ácido y cruento, con altas dosis de violencia y gore, que dejará atónitos a todos ellos.

La animación es correcta, no revoluciona el género, no molesta, es limpia y tiene los efectos especiales mínimos para potenciar algunas escenas.

Deseando cómo va a terminar toda esta historia.

Escribo estas líneas en pleno 2024 y es difícil saber cuántos conflictos armados asolan las diferentes geografías de nuestro planeta, a lo largo y ancho, desde Israel a Ucrania, pasando por Siria.

No hay nada nuevo que mencionar que no se haya dicho con anterioridad, y posiblemente mejor que yo, así que simplemente recomiendo el visionado de “Para Sama”, no sólo por su espíritu honesto o su visión descarnada desde el interior de un conflicto armado, sino que, además, es un testimonio a corazón abierto desde las mismas entrañas del infierno.

Ver a un bebé que no conoce otra vida que los refugios, los bombardeos y la falta de luz, agua, alimentación y bienes básicos debería ser algo que nos cambiara por dentro.

La historia no debería repetirse, pero somos humanos y esa es nuestra seña de identidad.

No nos olvidemos de Sama, no nos olvidemos de los perjudicados en este tipo de conflictos.

He de reconocer que todas las películas que vienen abrazadas a la etiqueta “basada en hechos reales” hace que arquee mi ceja, normalmente o son muy edulcoradas o se distancian medianamente del hecho que pretende narrarnos.

Esta cinta nos trae una historia muy interesante de cómo un grupo de pequeños inversores plantaron cara al coloso inversor de Wall Street con su apoyo continuo a una pequeña empresa dedicada a videojuegos (principalmente intercambio, venta de accesorios y segunda mano).

La moraleja está clara: la democratización de entornos tan hostiles y viciados como el mercado de inversión debería asegurar que el ciudadano medio tuviera la posibilidad de acceder a él y no encontrarse con mil trabas subversivas orquestadas por gigantescas corporaciones multinacionales que lo único que buscan es cerrar el coto para que sea un parque privado donde sólo un grupo exclusivo de miembros puede participar de sus réditos.

Craig Gillespie que es un director que conjuga a la perfección su narrativa con humor y drama (muestra de ello son “Yo, Tonya” o “Lars y una chica de verdad”), construye la trama con información precisa, pero sin sobrecargar el espectador, por momentos es gracioso, por momentos didáctico…

El elenco está plagado de rostros conocidos: Paul Dano se hace con el protagónico aportando esa extraña actitud que desprende que le viene de perlas al personaje, Pete Davidson hace de su hermano (y de sí mismo), America Ferrara pone el rostro una vez más a esa América trabajadora de orígenes latinos y a Shailene Woodley se le echan en falta más escenas de peso, pero aporta naturalidad y encanto.

En la balanza de los antagonistas contamos con auténticos colosos del humor: Seth Rogen y Nick Offerman bordan sus papeles, y actores con la solvencia de Vincent D'Onofrio o Sebastian Stan dotan al conjunto de un puntito de calidad que se agradece.

No es la película del año, obviamente, pero entretiene y en ella subyace un mensaje de optimismo y unidad que siempre conviene reivindicar.

“El crack” es una de las películas quintaesénciales en la historia del cine español, es por todos sabido que la revisión cañí del mito del detective privado de novela negra, llevó a Garci a unas cotas de calidad que pocas veces pudo igualar.

Con esta secuela seguimos la estela de la primera, bien de cerca, todos sus aciertos se ven reflejados aquí (e incluso potenciados): una imagen certera y desprovista de artificios del Madrid de la época, se podría considerar una obra de arte social el ver sus calles, sus comercios, el bullicio, el transporte público y la Gran Vía en Navidad (las Navidades del año 82); esta disección traspasa a lo social, las costumbres (alguno dirá hoy día que algo rancias), esos bares de coñac y puro, las partidas de mus, esa hombría mal digerida intrínseca a nuestra sociedad…

Aquí Garci cuenta de nuevo (como no) con su compinche y amigo del alma Alfredo Landa, que por supuesto, defiende de nuevo su propuesta de Germán Areta (el piojo) con una solvencia tremenda, sus miradas, sus silencios, sus movimientos… todo en él traspira una imagen de detective privado de los años 50, es una composición maravillosa y no al alcance de muchos actores.

La historia pone de manifiesto la corrupción, los temas sociales de la época (entre otros la homosexualidad, el papel de la mujer y el poder corrupto de políticos y farmacéuticas), en una coctelera en la que nadie saldrá ganando.

Junto a Landa nos encontramos con María Casanova, estupenda, dotando a su personaje de una personalidad fuerte y con sutiles matices que lo enriquecen; Miguel Rellán como el quinqui reconvertido en “sidekick” de Areta “El Moro”, quien demuestra que es un actorazo desde hace más años de los que uno puede recordar; José Bódalo y Agustín González también cuentan con papeles secundarios y, por supuesto, Arturo Fernández se nos muestra con un papel para nada acomodaticio que hace suyo y que subió bastantes enteros el nivel del film.

Secuela sorprendente, algo por debajo de la primera, pero para nada desdeñable, un acierto mayúsculo a tantos niveles que costaría señalarlos.

Este cine español es una maravilla.

Resulta extraño que en pleno siglo XXI, y más de 13 años después de su estreno “Mary and Max” sea una joyita casi desconocida y degustada sólo por unos pocos afortunados, no en vano, estamos hablando de una película que fue nominada al Óscar (lo perdió, injustamente dirán algunos, frente a la también maravillosa pero mucho más accesible “Up”).

Adam Elliot confecciona una obra redonda, perfecta en su imperfección, con una mirada por momentos deslumbrante, en otros descorazonadora, absolutamente lúcida, valiente, extraña, pero tremendamente real.

No quiero entrar en harina respecto a la trama, fácilmente accesible desde la ficha de la película, simplemente decir que un film que hable sin tapujos, adornos innecesarios y puntos de vista farisaicos sobre temas tan delicados como la enfermedad mental o el asperger, y con un sentido del gusto y sensibilidad tan desbordantes, se merece, más allá de premios y reconocimientos, todos los respetos del mundo.

Verla es vivir, conmoverse, sonreír y llorar a partes iguales, una completa ceremonia cinéfila absolutamente recomendable para todos los públicos (y ahora, después de años sin presencia en España, se puede disfrutar desde alguna plataforma de Streaming).