Con solo 38 años y dos largometrajes, Michael Noer se enfrenta a un tema complejo con una madurez impresionante. Ante la cámara del director danés, la vejez y la enfermedad cambian de imagen. Redescubrimos las travesuras y los placeres de la adolescencia con un dúo de actores que convencen con su complicidad. No obstante, la película va más allá y enfrenta dos visiones: la tradicional (representada por la hija de Lily) y la de Lily que se burla de las tradiciones y da prioridad a la felicidad ante los códigos morales. Noer también da una visión optimista de la enfermedad y elimina el eterno estereotipo de la residencia en la que los ancianos no conocen la felicidad. Al final, «Key House Mirror», a pesar de su estructura clásica, propone un desenlace, una historia y unos personajes a contracorriente de la imagen que podemos tener de ese ambiente y de esa edad. Con esta película, Michael Noer se aleja completamente de los temas de sus dos primeras películas y firma una hermosa montaña rusa emocional: divertida, triste y, sobre todo, conmovedora.
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Adaptación del libro de Manuel Cerdán, «El hombre de las mil caras» está inspirada, sobre todo, en hechos reales. Si bien no pretender mostrar toda la verdad del mayor escándalo financiero de España, la obra de Alberto Rodríguez reconstituye de manera magistral la manera en la que pudieron sucederse los hechos y, al mismo tiempo, recrea el ambiente político y espacio-temporal de la época. Aunque el ritmo es desigual y presenta pasajes que no aportan mucho a la historia,«El hombre de las mil caras» tiene el mérito de proponer un reparto variado en el que los diálogos destacan por su mordacidad. La voz en off del narrador, presente a lo largo de toda la película, sirve de hilo conductor y facilita la comprensión de la historia. Tras el deseo de estafar, se disimula la imagen de un hombre que se da cuenta, tal vez demasiado tarde, de que habría preferido privilegiar su vida en familia a su fortuna. Más allá de la lección moral y de la complejidad política, este largometraje ofrece una imagen profundamente humana que nos recuerda la situación actual de numerosos países.
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En su primer largometraje, Nic Balthazar mezcla con habilidad varios temas de la sociedad: la adicción a los videojuegos, el autismo y el acoso escolar. Con un aspecto que a veces parece brusco o exagerado para acentuar la denuncia, «Ben X» tiene un impacto visual y psicológico. El universo del videojuego ofrece un refugio perfecto para Ben, que, en él, encuentra las fuerzas para seguir existiendo en la vida real. Las múltiples conexiones establecidas entre la realidad y el universo del juego son legítimas y será su adicción al juego la que le obligará a descubrir su alrededor y conocer gente nueva. Al final, la película plantea la reflexión de saber dónde están los límites entre realidad y ficción y muestra que un juego online puede tener tanto consecuencias positivas como negativas en la vida real. Nic Balthazar conjuga bien esos dos universos para obtener un resultado ultra realista y conmovedor que retrata un mundo inclemente que no deja de rechazar lo que es diferente.
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Para su primera película fuera del Líbano, Danielle Arbid decidió situar su cámara en Francia. Bajo una apariencia de película falsamente autobiográfica (la directora vive en Francia desde los diecisiete años, «Peur de rien» (Miedo de nada) habla de esa libertad única que una persona puede sentir cuando llega a un país extranjero. No obstante, la película también evoca las dificultades de adaptación inherentes a una nueva cultura. Lina debe olvidar las normas que conoce para aprender y sumirse a las de una ciudad como París. Los sentimientos que emergen de la película son de una autenticidad considerable: a través de diferentes encuentros, Lina pasa del miedo a la curiosidad, de la decepción al amor, de la soledad al placer. Aprende a ir más allá de sus miedos, descubre que podemos atrevernos, afirmarnos, negarnos, pero también ceder y dejarnos llevar por la rueda de la fortuna. Aprende a amar Francia al mismo tiempo que el espectador se deleita al descubrir el París de hace veinticinco años. La actuación de Manal Issa y el conjunto de personajes secundarios que giran en torno a ella ofrecen un resultado sensible, conmovedor e increíblemente realista.
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Estrenada en 1991, «La doble vida de Verónica» lanzó la carrera de Irène Jacob que ganó el premio de interpretación del Festival de Cannes por su doble papel de Weronika y Véronique. La fuerza de la película reside precisamente en ese vínculo omnipresente entre estas dos mujeres que se parecen, sienten las emociones de la otra y, sin embargo, nunca se han conocido. Krzysztof Kieślowski, que nos abandonó trágicamente cinco años después del estreno del filme, firma con esta película una de las obras maestras de su carrera: una sabia mezcla de poesía, cuya acción oscila entre el sueño y la realidad. Los silencios, las emociones palpables e impronunciables, los recuerdos casi enterrados y el desconcierto permanente alimentan la conexión entre ambas mujeres. El conjunto de la película alcanza su culmen con la historia de las marionetas, una verdadera metáfora del vínculo que une a estas dos mujeres y que aporta trascendencia al filme. Las imágenes de tonos amarillentos, casi rozando un sepia de buen gusto, contribuye a la belleza de los sentimientos y el intercambio de miradas de los actores. «La doble vida de Verónica» es una película con un aspecto visual cuidado, sensible y cuya originalidad no ha perdido en belleza hasta nuestros días.
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