Loving Vincent es el primer largometraje pintado. Su realización fue fruto del trabajo de un gran número de profesionales que recrearon miles cuadros del artista holandés para luego fotografiarlos y dotarlos de vida mediante la técnica de stop motion.
No solo eso es lo atractivo en "Loving Vincent" sino la historia que cuenta. La mayoría escuchamos que Van Gogh se cortó la oreja, pero pocos sabemos con certeza como murió. En 1890, mientras permanecía en Auvers-sur-Oise, Francia, el atormentado artista murió de complicaciones por una herida de bala (probablemente autoinfligida) en el estómago. Según los informes, Van Gogh se atribuyó el mérito de haberse disparado: "No acusen a nadie, soy yo el que quería suicidarse", pero siempre ha habido dudas: ¿estaba cubriendo a alguien más? ¿Podría la curiosa lesión haber sido un accidente? Y si realmente había sido un intento de suicidio, ¿qué lo empujó a un acto tan desesperado?
De esta forma, los enigmas que circulan alrededor de la muerte de Van Gogh son ideales para tejer un thriller que logra mantener la tensión y la intriga a lo largo de la hora y veinte de metraje.
Pero más allá de la historia, "Loving Vincent" es ante todo una película bella y de buen gusto que da vida a la obra del artista holandés para contar poéticamente una tragedia.

Año 1940, en las playas de Dunkerque. Miles de soldados británicos y franceses esperan ser rescatados de la redada de los alemanes, el enemigo se acerca y cada vez son menores las chances de sobrevivir: ataques por tierra, mar y aire. Así transcurre la hora y cuarenta de Dunkerque que toma como principal eje el hito histórico que luego sería esencial en el desenvolvimiento y resultado final de la II Guerra Mundial sin misterio en el desenlace que todos conocemos pero cuyo esplendor visual y sonoro es más que suficiente para quedarse pegado al asiento.
Como en las recientes "Sully" de Eastwood o "Hasta el último hombre" de Gibson, Nolan se vale de una historia verídica para construir su relato y logra mantener la tensión, el nerviosismo cual thriller del que no conociéramos el destino. Sin embargo, contar una hazaña -sin perjuicio de que en efecto lo sea y de gran magnitud- y mantener en vilo al espectador no es su mayor acierto. En cambio, aquí lo esencial es lo que genera, sentir en ojos de los protagonistas (en todos los frentes) la supervivencia minuto a minuto, segundo a segundo.
En esta línea, Dunkerque tiene una gran conexión con la celebrada "En Tierra Minada", canadiense nominada al Oscar el año pasado. En ambas (de un lado y del otro de la historia), hay una lucha constante por sobrevivir y luego enfrentarse al día después y la mirada de los otros. En la canadiense, de manera intimista, en Dunkerque con la grandilocuencia americana.
Es cierto, como han criticado muchos, que no se profundiza en el error militar alemán ni en los sucesos históricos, que puede ser simplista en materia política y que tampoco construye un personaje heroico, pero eso no achaca la espectacularidad de "Dunkerque". En efecto, tal vez sea uno de los mejores trabajos del director de Batman y Memento porque conjuga majestuosidad, elegancia, una alta dosis de puro cine en materia artística y argumentativa con soberbios manejos temporales y la historia de 400.000 vidas y un milagro histórico.
El espectador estuvo en el centro del miedo, de la desesperación y de la esperanza y Nolan eleva sus probabilidades de ser candidato a grandes premios. Un indiscutible win-win.

Victoria y Abdul parte de la historia verídica, aunque sea parcialmente, entre la Reina Victoria y Abdul Karim, un plebeyo indio, siervo, luego sirviente y finalmente convertido en 'El Munshi' (maestro) que terminó siendo el secretario personal y confidente durante los últimos años de vida de la monarca.
Como resulta evidente la amistad desafiante entre la reina (y emperatriz de la India) con el indio no fue bien vista en la Casa Real y no fueron pocos los intentos por provocar su ruptura.
Cierto es que no hay profundidad en la historia y que lo que podría haberse focalizado en el choque de culturas, se convierte en una apacible historia sobre una amistad. Sin embargo, como acostumbra Frears (la Reina, Florence) el eje está en las personas y en los vínculos. Y si bien resulta poco contundente en todos los aspectos (la historia, los personajes, las clases sociales, etc.), es notable la eficacia en la dirección que con tiempos ágiles permite un momento disfrutable.

De la lectura de Wikipedia "El asfalto es un material viscoso, pegajoso y de color plomo (gris oscuro). Se utiliza mezclado con arena o gravilla para pavimentar caminos y como revestimiento impermeabilizante de muros y tejados. En las mezclas asfálticas es usado como aglomerante para la construcción de carreteras, autovías o autopistas". En efecto, el paisaje y el mundo de los personajes en "asphalte" es como el asfalto, oscuro y desolador que ni siquiera es depresivo sino que esta llanamente inmortalizado en la monotonía de la nada.
De pronto, una avería en el ascensor de un edificio fuerza a reunir a los vecinos. Entonces, surgen encuentros azarosos, fortuitos pero embriagadores para la comunidad de los corazones rotos (título que se le dio en Argentina y aunque no literal y menos profundo, poéticamente atinado).
El relato se construye sobre las historias de un astronauta de la NASA que aterriza en el hogar de una argelina que lo deleita con su cuscús y le brinda cobijo y amor; de una actriz caída en olvido (la siempre admirable Huppert) que entabla un vínculo (mejor término que relación) con un adolescente (el hijo del director de la película, muy sólido en su interpretación); y del inquilino del primer piso que no aportó para el arreglo del ascensor -y por ello le quedó prohibido su uso- que sufre un accidente que lo obliga a transportarse en una silla de ruedas y debe usar el ascensor a ocultas del resto y que en uno de sus escapes accidentalmente conoce a una enfermera (muy efectiva Valeria Bruni Tedeschi).
Así las tres historias, como son especialistas los franceses, son de amor (maternal, de pareja, de encuentro fortuito, o sin etiqueta) pero también de vínculos. Como el asfalto parece haber un revestimiento impermeabilizante de muros que impiden que estos seres contacten (no importa con qué o con quién) y hay miedo (como el sollozo que escuchan los personajes permanentemente) del exterior o propiamente del mundo que al descubrirlo no parece ser ni complicado ni amenazador.
La llegada de "la comunidad de los corazones rotos" a los cines argentinos es bastante tardía (la película es de 2015) pero la historia atemporal y a la vez indicada para esta época de zombies cibernéticos, compensa la espera. Hay mucho contacto con las películas del maravilloso Kaurismaki principalmente en el ojo puesto en aquellos comunes a los que repentinamente le suceden cosas corrientes pero que se presentan como extraordinarias, en los escasos diálogos con elevada profundidad y en las mirada desprejuiciada pero sentida. A ello, Benchetrit le aporta su propia estética, sus propios silencios y su magia y una notable escena final que no conviene adelantar aquí pero que da lugar a un debate a la salida café por medio.

El detective privado Poirot (encarnado por el también director Kenneth Branagh) recibe un telegrama que lo obliga a regresar desde Estambul a Inglaterra lo antes posible, por lo que decide viajar en el Orient Express que parte esa noche. Durante el viaje, el tren queda detenido a causa de una tormenta de nieve cerca de Vinkovci y además uno de los pasajeros ha sido asesinado.
Entonces, Poirot deberá poner nuevamente a prueba su sagacidad para resolver el misterio. El muerto (un atractivo pero desaprovechado Johnny Depp) parece tener muchos enemigos, pero por el momento los sospechosos son el resto de los pasajeros: hay un profesor, el ayudante y el mayordomo del muerto, un conde, una institutriz, una misionera (una muy bien producida pero bastante forzada Penelope Cruz), una viuda (la siempre bella Michelle Pfeiffer), un vendedor, una criada, el médico y una princesa (una correcta pero sin lucimiento Judi Dench).
El relato, basado en la novela de la maestra del policial y exponente indiscutida del suspenso, es siempre entretenido y disfrutable. Si a ello se le suma el presupuesto invertido que permitió contar con un elenco de notables estrellas y el rodaje con majestuosos paisajes, poco podía fallar.
Sin embargo, en esta remake de la versión homónima del 1974, parece que la intención de Branagh fue un lucimiento personal al erigirse como protagonista -que ocupa más de la mitad de la película- encarnando a Poirot, lo cual no sería un pecado terrible si no fuera por el exagerado bigote y la poca chispa que le impuso. Tampoco logran destacarse ninguno de los atractivos actores que lo secundan.
Es cierto que una buena historia, bien contada, siempre permite pasar un momento placentero, pero en este caso no es más que una insípida remake que en su fugacidad sólo tiene como destino el olvido.