Realmente lamento no haber podido disfrutar en su día de "Los asesinos de la luna" (Killers of the Flower Moon) de Martin Scorsese en cine, qué rabia. El nuevo encuentro con el maestro siempre es emotivo y gratificante, Scorsese dignifica su oficio y el cine americano en tiempos complicados.

"Los asesinos e la luna" es un portento de película, una narración perfecta y de extremada belleza, una tragedia contada de forma meticulosa con un hondo pesar y solemne respeto por parte su autor, lo cual se transmite en cada plano, en cada línea de diálogo, una masacre que como cuenta David Grann (autor de la novela original), sigue ocurriendo en cada rincón de mundo en el que existen intereses económicos porque la avaricia, la ambición y la deshumanización de los pueblos casi nunca se para en nada.

Unos hechos según cuenta Grann, sepultados en la historia y ocultos durante décadas, el asesinato en serie de una tribu de indios Osage de una reserva de la Oklahoma de los años 20 cuyos responsables resultaron ser los vecinos blancos, políticos, hombres de negocios, amigos e incluso seres queridos, que se hicieron pasar por protectores de los Osage, se infiltraron en sus familias (interesante como los hombres blancos se van desposando con las herederas) y que deseaban su fortuna y sus tierras ricas en explotaciones petrolíferas.

Tres horas y media de western y thriller que transcurren con una narración armoniosa, sencilla y efectiva, con una constante sucesión de acontecimientos que justifican un metraje óptimo y con un trío de personajes principales muy poderoso en torno a los que avanza la historia, interpretados por Leonardo DiCaprio, Lily Gladstone y Robert De Niro, espléndidos los tres. Y con un uso de la violencia mucho más contenido (al igual que en "El Irlandés") que el del Scorsese de otras etapas, una violencia mucho más implícita y sutil (impresionante en este sentido el personaje de Robert DeNiro).

Espacios abiertos y escenas íntimas con una luz tenue y escalofriantes claroscuros de su habitual colaborador Rodrigo Prieto y una muy banda sonora que incluye blues, folk y música indígena, géneros en los que era un verdadero especialista Robert Robertson que firmó su último trabajo. Y para los amantes de la música, resulta curioso ver en la pantalla a Jason Isbell (con un papel notable), Charlie Musselwhite o Sturgill Simpson entre el reparto.

Considero que lo menos afortunado de Night Country, la cuarta temporada de True Detective concebida por Issa López, no es el posicionamiento un tanto maniqueo y tendencioso que pudiera transmitir y la simplicidad con la que se afrontan diversas controversias (aunque esto parece ser lo que más ha molestado a algunos seguidores de la serie), ni siquiera la amoralidad que subyace en el comportamiento de prácticamente la totalidad de los protagonistas. Lo más opinable es la escasa exigencia con la que se tratan algunos asuntos y se resuelven algunas tramas (o directamente como se pasa de puntillas por las mismas), lo inexplicablemente ridículo de algún personaje (la señora espiritual que vive sola en la casa es de no creer) y un último episodio que por desgracia se hace largo, cansino y decepcionante.

Por lo demás, los elementos fantásticos están bien generados y la composición de los personajes principales me parece correcta. Y sobre todo, algo que la emparenta con las anteriores temporadas, especialmente con la primera, y es como se consigue otorgar a la ambientación y al paisaje un protagonismo brutal en la historia; manifestándose como la opresión y la negrura de la noche sin fin puede devenir en pánico y locura. Esto me parece brillante, los paisajes desérticos nocturnos provocan suficiente desasosiego, intentando buscar conexiones con La Cosa de Carpenter, Fargo o El Resplandor de Kubrick, aunque cualquier referencia está muy traída por los pelos.

No me ha decepcionado pues tanto como a la mayoría de seguidores de True Detective, que parecen un colectivo bastante peculiar y tendente a la ofensa, pero sí que deja la sensación de oportunidad perdida y desde luego deja a las claras que se trata de un producto menor.

La quinta temporada de Fargo resulta plenamente satisfactoria, posee las suficientes dosis de tensión, acción, fatalismo, crueldad o humor negro para asimilarla al origen de la saga, a las dos primeras temporadas y a esa conexión tan demencial entre crimen y estupidez humana que no deja de ser la esencia de Fargo.

Varios capítulos son espectaculares, como el primero, en el que Noah Hawley recurre al espíritu de los Coen y son constantes las referencias a la primera temporada. Es una historia fundamentalmente sombría y triste (no puede ser de otra forma con la temática que trata) y que se burla con crueldad y con énfasis del trumpismo y del sector paleoconservador de la sociedad americana.

Cada nueva temporada de Fargo es un fantástico acontecimiento, esperemos que la próxima no tarde mucho.

Qué tal, amigos. Volvió seis años después de "El otro lado de la esperanza", su anterior película, el maestro finlandés Aki Kaurismäki. Y lo hace con una extraordinaria película, "Fallen Leaves", una obra maestra cautivadora, llena de vida y de profundo carácter social.

Con su mecánica habitual (con las hechuras del cine mudo) y un dominio apabullante del lenguaje cinematográfico; cine solemne, con un preciso uso del primer plano para acercarse a sus personajes con discreción. Al igual que Ford, Hawks, Chaplin y otros maestros del cine clásico, la dignidad y el respeto a sus personajes son una máxima innegociable, y esto a mí me fascina y lo echo de menos en otros cineastas de incuestionable talento como Giórgos Lánthimos. Mientras Capra mostraba la desigualdad mostrando el enfrentamiento con ricos y poderosos, Kaurismäki directamente los desprecia, no hay espacio en su cine para ellos.

Y al igual que Chaplin, Billy Wilder o a veces Woody Allen, Kaurismäki cuenta historia tristes de personas vulnerables en contextos sombríos (el conflicto bélico de Ucrania presente a lo largo de toda la película y la atroz crisis económica actual), afronta la realidad y presenta la soledad de los personajes sin esconderse, pero de forma tan amable, lírica y cautivadora (y no exenta de fantásticos momentos cómicos), creyendo firmemente en segundas oportunidades y capacidad de redención, que uno sale del cine realmente reconfortado.

Se puede entender el cine desde muchos puntos de vista, pero el de Aki Kaurismäki es realmente ejemplar. La mejor comedia romántica que hemos visto en mucho tiempo, cargada por cierto de constantes guiños cinéfilos (Jarmusch, Bresson, Rossellini)

"La última noche", una historia realmente conmovedora, cuenta las últimas horas antes de entrar en prisión de Monty Brogan, condenado a siete años por tráfico de drogas, un joven aparentemente normal que alcanza el éxito por la vía rápida y fácil, que se adentró de forma estúpida en un mundo siniestro y peligroso y ahora ha de pagar por ello.

En esas últimas horas, acompañado en diversos momentos por su padre (Brian Cox), su pareja (Rosario Dawson) y sus dos amigos de juventud (Phillip Seylour Hoffman y Barry Pepper), le pasa toda la vida por delante, asume la realidad del pozo sin fondo en el que ha caído y de como estaba tan cerca y a la vez tan lejos de sus seres queridos. La irresponsabilidad y la soberbia de la juventud que le hizo pensar que era indestructible lo lleva a una realidad desoladora, incluso más que por el hecho del castigo que le espera, por la conciencia de que ya es demasiado tarde y de que todo se podría haber evitado mucho antes de forma relativamente sencilla.

Monty asume que es el único y total responsable de su destino sin posibilidad alguna de redención, una realidad realmente insoportable, una desesperación irracional que explota a través del brutal monólogo (muy Spike Lee) fuck you frente al espejo del baño donde estaba cenando con su padre.

La película muestra también definitivamente como ninguna otra toda la depresión de un fantasmagórico New York post 11 de septiembre, impregnado de pesimismo y sueños truncados.
Fantástico Edward Norton, como casi siempre, así como la música del trompetista de Nueva Orleans Terence Blanchard (habitual colaborador de Spike Lee). Y grande Lee con su habitual pericia en el hábil retrato de los personajes, con escasos pero muy bien insertados flashbacks y una narración concisa y siempre más más atento a las preguntas que a las respuestas.