Emocionante obra de un Almodóvar en estado de gracia. Todo en esta película resulta hermoso, vibrante. La pasión traspasa la pantalla y nos hace cómplices de los avatares de los protagonistas.

Aunque ya había rodado algunas buenas películas, Almodóvar consiguió, con este sexto largometraje, una obra maestra que con los años se ha convertido en un referente en la historia de nuestro cine. Una película de culto, como suele decirse. En su momento tuvo que ser, en cierto modo, rompedora. Relaciones homosexuales explícitas, y lo que es más importante, no aparece como tema central, sino que el amor entre hombres es abordado de forma completamente natural. Y es que el deseo es así. No entiende de nada más, salvo de sí mismo.

Los personajes son auténticos en su dimensión más amplia y completa de la palabra. Entrañables no sólo en sí mismos, sino también por las relaciones que entre ellos establecen. La "familia" formada por Pablo, Tina y Ada no puede ser más tierna. Sus miradas, el amor incondicional entre ellos, sus complicidades, nos llegan como espectadores. Los vemos imperfectos, sí. Por eso aprendemos, también nosotros, a quererlos tal como son.

Aún a pesar de lo bien trazados que están todos los personajes, gran parte del mérito lo tienen, cómo no, las interpretaciones. El trío formado por Poncela, Banderas y Maura funciona a la perfección. Almodóvar lo sabía y por eso nos los colocó juntos nada más arrancar la película, con el título de la película sobreimpreso en la pantalla. Aunque Eusebio Poncela y Antonio Banderas están espectaculares, la que hace un trabajo inconmensurable es Carmen Maura. No concibo a Tina sin ella, la verdad. Es difícil explicar con palabras la forma en la que se apodera del personaje, o el personaje de ella misma, porque una cosa no se puede separar de la otra. Alguna vez la actriz ha comentado que tras este papel toda la gente la paraba por Madrid y se sentía muy querida. No es de extrañar,..

Una de las claves para valorar esta obra como absolutamente redonda la constituye el apartado meramente estético, que no resulta banal, sino que acompaña perfecta,mente el devenir de los hechos. Los colores predominantes, en tonos pastel, resultan tan cálidos como el verano madrileño en el que se ambienta la acción. El resultado es muy pictórico, y a esto ayudan escenas y encuadres perfectamente cuidados, de una belleza turbadora, que por su carácter explícito pasaré a comentarlos en el spolier...

He aquí una de las películas más desconocidas de Pedro Almodóvar. Se da la circunstancia además de que es quizás la más difícil de encontrar en los puntos de venta, puesto que si mal no recuerdo su autor no tiene los derechos sobre ella. No es de extrañar, por tanto, que, tras esta cinta, decidiera fundar, junto a su hermano Agustín la productora "El Deseo"

En su quinto largometraje, Almodóvar decidió dar una vuelta de tuerca y ofrecer al espectador algo nuevo, alejado de los que en ese momento comenzaba a denominarse "almodovariano". Y es que "Matador" no es una obra sencilla de ver. Es compleja en su planteamiento y otorga al espectador pocos momentos para la empatía con unos personajes excesivamente fríos. Y esto no es por otra razón que por la premeditada intención del director de ofrecer una obra conceptual, alejada del tono prosaico de sus primeras creaciones. La historia de un aprendiz de torero, de las relaciones de éste con su madre, con las mujeres en general o con su maestro abren paso a una historia dominada por las pasiones en las que el título hace referencia tanto al oficio de torero como a las propia naturaleza de algunos de los personajes principales.

Una de las razones por las que esta película puede resultar fría reside en el hecho de que la narrativa queda supeditada al propio concepto. No es, digamos, una obra objetual, sino conceptual. Y el concepto es la muerte. La muerte como catarsis. Almodóvar filma así una obra insólita, sin juzgar en ningún momento a sus obsesionados personajes. Sólo son, en el fondo, un vehículo para abordar una idea. Esta idea viene complementada mediante unos medios expresivos basados en un inteligente uso de la luz y el color, sin dejar de lado la música, consiguiendo una obra que plásticamente ofrece una belleza inusitada y algunos planos que por sí solos ya merecen el visionado. El resultado es el de una obra turbadora y absolutamente maravillosa. Oscura, macabra si se quiera. Algo distinto.

Además del apartado técnico, que brilla con luz propia, habría que hacer mención al buen hacer de Antonio Banderas, que lleva el peso de la película a pesar de su juventud. Todos los demás actores y actrices quedan a su merced, y aunque Eusebio Poncela, Carmen Maura, Chus Lampreave y Julieta Serrano están convincentes en sus apariciones, otros como Nacho Martínez y Assumpta Serna quedan eclipsados ante el talento del famosos actor malagueño. La intervención de Eva Cobo es, sin lugar a dudas, el mayor defecto de la película.

Aún con sus errores, recomiendo con pasión esta "rara avis" de nuestro cine.

Dicen los críticos que con esta película Almodóvar comenzó a consagrarse internacionalmente. La verdad es que no es de extrañar, puesto que es una auténtica joya, distinta a todo lo demás. Un desbordante ejercicio de imaginación en el que tiene cabida el drama, la comedia y el cine social, no sin ciertas influencias del Neorrealismo italiano e incluso del Surrealismo en determinadas escenas.

La película no es perfecta, puesto que (y esto es algo que el propio autor ha reconocido en alguna ocasión) la subtrama de los escritores y ese estrambótico viaje a Berlín por parte del personaje interpretado por Gonzalo Suárez no termina de cuajar y supone más un lastre que un complemento a la historia principal. Fuera de todo ello, la película funciona a la perfección en forma y contenido.

Los personajes, por inverosímiles que nos puedan parecer a veces, están perfectamente dibujados, y las relaciones que entre ellos se establece están llenas de ternura y autenticidad. El decorado en el que éstos se dsesenvuelven está cuidado hasta el más mínimo detalle y los diálogos son frescos y audaces, con innumerables frases para la memoria colectiva de la historia del cine español.

Almodóvar, con más medios que en sus anteriores films, supo rodearse de técnicos y artistas cada vez más consagrados. Ello explica la fantástica fotografía, expresiva donde las haya, con planos espeluznantes como los de los bloques donde viven los personajes, las instantáneas del inolvidable lagarto o todas y cada una de las tomas ofrecidas del personaje de Gloria desde el interior de los electrodomésticos, compañeros inseparables de su frustrada existencia. Todo ello queda acompañado por una inspirada banda sonora del entonces muy joven Bernardo Bonezzi. Con estos elementos, la película se convierte en un fascinante lienzo que sirve de apoyo a una historia perfectamente ambientada, y en la que incluso la lluvia, y el frío, sirven de telón de fondo.

Las interpretaciones son magistrales, especialmente su plantel femenino. La Cristal de Verónica Forqué, la Juani de Kiti Manver, la Abuela de Chus Lampreave... suponen lo mejor de lo que entendemos por personajes almodovarianos. Inolvidables interpretaciones que hacen que nos encariñemos con los personajes. Por encima de todas, por supuesto, Carmen Maura. Pareciera que Gloria se apoderara de la actriz, y no la actriz del personaje. Sin duda alguna, estamos ante una de las mejores interpretaciones de la Maura (lo cual es decir mucho).

No dudo ni un segundo en otorgar una matrícula de honor a esta maravillosa obra almodovariana en la que hasta el lagarto (Dinero, que da nombre a mi nick) está en estado de gracia...

De lo mejor de Almodóvar!

La tercera película de Almodóvar supuso un cambio de registro en su hasta entonces aún corta filmografía. Sin dejar de lado el humor, el director se introdujo también en el terreno del melodrama a través de una historia tan original como turbadora, en la que un conjunto de estrambóticas monjas se afanan por acoger a mujeres de mala vida sin percatarse de que ellas mismas son capaces también de caer ante las tentaciones más terrenales tanto o más como el resto de los mortales.

Uno de los grandes aciertos de este film es sin duda alguna su contundente puesta en escena, cuidada hasta el más mínimo detalle y en las que cualquier imagen tiene una explicación y razón de ser, sirviendo de apoyo a la historia que se nos pretende contar. Nada es casual. Determinadas imágenes podrían pasar por irreverentes y provocadoras, pero si se ve sin prejuicios, la película no es más que una historia de amor -o desamor- entre dos personas desorientadas, que no encuentran su destino, ya sea dentro o fuera de los muros del convento.

Se deja ver fácilmente esta obra, que supuso la primera inmersión del director en un universo casi exclusivamente femenino en el que brillan con luz propia tanto los personajes como las actrices que les dan vida. En este sentido, habría que mencionar a la gran Mari Carrillo como la marquesa o al breve pero simpático personaje interpretado por Eva Siva. Pero sobretodo quienes destacan son las "Redentoras Humilladas". Lina Canalejas está algo más floja, pero Carmen Maura, Marisa Paredes, Chus Lampreave y Julieta Serrano (muy especialmente esta última) están absolutamente brillantes. La supuesta protagonista, Cristina Sánchez Pascual, queda un tanto eclipsada cuando comparte escenas con este fantástico plantel, aunque a mí no me parece que esté tan mal como a veces se ha comentado.

Una película para disfrutar sin prejuicios y entender que toda clase de amor es posible.

La segunda película de Almodóvar no es precisamente la más celebrada, pero tiene bastantes atractivos. Es la evolución lógica tras su primer largometraje, a pesar de que las limitaciones técnicas se hayan salvado aquí en cierta medida. El guión está más elaborado, aunque no por ello el resultado final resulte tan genial y atolondrado como en su ópera prima.

En todo caso, esta película ofrece momentos muy interesantes. Es evidente que, de no haber existido posteriormente una evolución, no estaríamos hablando de su autor actualmente en los términos en los que lo hacemos. Pero sí que la hubo, y, en este sentido, esta obra es una pieza más en un puzzle tan enrevesado como apasionante.

Puede que el espectador medio se pierda en el entramado de personajes y situaciones que esta película ofrece. Tendríamos que destacar una historia principal entre la relación que se establece entre Riza Niro y Sexilia, aunque al principio dicha relación resulte materialmente imposible. Todo esto queda adornado por la locura de la noche madrileña de principios de los 80, en donde no faltan los grupos de música y los bares de moda. Colaboran nuevamente artistas del momento, como Guillermo Pérez Villalta, Ouka Lele o Iván Zulueta. Se trata de una película coral en lo que nos sorprende quizás es un desenlace un tanto burgués pese a que previamente hayamos visto todo tipo de situaciones, algunas de ellas rayando en el surrealismo. No obstante, es imprescindible su visionado por constituir un documento único además de una obra menor de su autor, lo cual no dice que sea menor en absoluto...

En el apartado interpretativo, habría que destacar, por encima de los protagonistas, a dos secundarios que desde mi punto de vista están brillantes en sus hilarantes papeles: Ofelia Angélica como Susana (psicoanalista lacaniana) y Marta Fernández-Muro, como Queti, la amiga y fan de Sexilia (Cecilia Roth).