En "Blue Jasmine", Woody Allen expresa como nunca antes una visión profundamente negativa de la sociedad y del género humano. En un primer nivel, la devastación familiar y social provocada por las malas prácticas financieras de Hal: en la crisis económica actual, que causaron personajes siniestros como Madoff (en quien parece inspirarse el personaje interpretado por Alec Baldwin), este retrato intimista de cómo los poderosos trituran a los débiles es cuanto menos inquietante.

Pero es en el plano psicológico, a través de los personajes, en que se refleja mejor la amargura de esta obra. Ni uno solo de ellos (principales y secundarios) se salva de un retrato despiadado:
- Empezando por Jasmine, que sólo denunció las estafas de su marido cuando se enteró de que llevaba años poniéndole los cuernos (incluso había permitido que estafara a su cuñado), sin importarle siquiera cómo su venganza podría afectar a su hijo.
- Siguiendo por Ginger, más amable que su hermana pero que, como le repite continuamente Jasmine, tiene la autoestima por los suelos (a pesar de que su novio es un maltratador potencial, vuelve con él). También tiene una inteligencia emocional de mosquito (cuando regresa Jasmine a casa destrozada tras romper con su prometido está más pendiente del champán que de ella).
- Hal (Alec Baldwin), el marido de Jasmine, un ser despreciable que vive en una permanente huida hacia adelante estafando a todo el mundo y engañando a su mujer;
- el ex-marido de Ginger, un pobre hombre que se dejó estafar por Hal la única vez que consiguió algo de dinero y que, resentido, destruyó su familia y desde entonces no para de dar tumbos;
- Chilly (Bobby Cannavale), el novio de Ginger: un bocazas y un maltratador potencial;
- el segundo novio de Ginger, aparentemente un hombre sensible y cariñoso... que olvidó comentarle que estaba casado;
- el dentista: un friki, acosador y violador potencial;
- el novio pijo de Jasmine, que sólo quiere un florero para acompañarle en su brillante carrera política;
- el hijo de Jasmine: abandona a su madre sin dejar rastro cuando ésta más lo necesita y, cuando se reencuentran años después, la rechaza de nuevo --no sin antes reprocharle la muerte de su padre.

No se salva ni uno: son todos unos seres perdidos, tristes y, frecuentemente, dañinos. Y están tremendamente solos.

Creo que esta amargura no es impostada sino muy sincera: Woody Allen se ha hecho mayor y, como les pasa a tantas personas, se ha vuelto algo misántropo. En el otoño de su vida, le dejaron de hacer gracia esas pequeñas mezquindades de nuestros congéneres, las que llenaron de frases hilarantes sus primeros monólogos y los guiones de sus grandes comedias. Se pasó los últimos años realizando películas escapistas en ciudades europeas, como si alejándose de Nueva York pudiera dejar de sentir esa amargura.

San Francisco parece ser el puerto en el que, por fin, con la misma inteligencia y sensibilidad con que sabe hacer comedias, ha sido capaz de dar rienda suelta a toda su creatividad y contar lo que está sintiendo ahora: que estamos todos solos y perdidos en una sociedad despiadada. No es un mensaje bonito, pero la película es fantástica.

Desde el primer momento de la primera escena la cámara nos hace flotar en el espacio como si fuéramos un astronauta más de la tripulación. Alfonso Cuarón no se molesta en presentarnos (como en tantas películas de desastres espaciales) el resto de la tripulación, o sus familiares en la Tierra, para ir preparando y amplificar el dramatismo de la escena en que todos ellos perecen víctimas de la lluvia de basura espacial. Como tampoco se molesta en mostrarnos el personal de tierra de la NASA, que apenas es una voz lejana que avisa de la catástrofe inminente en los momentos iniciales de la tragedia.

Combina la omisión de esos detalles accesorios con un uso muy personal de la filmación en 3D, y lo hace con una clara intención: mantener al espectador flotando en el espacio durante hora y media, hacernos asistir a una coreografía tridimensional que termina por envolvernos, por hacernos parte de ella.

Solo nos damos cuenta de hasta qué punto el director ha conseguido que experimentemos la ausencia de gravedad cuando, en la escena final, la Dra. Stone, exhausta, alcanza por fin la orilla de la playa. Es entonces cuando descubrimos que, como ella, no podemos levantarnos, que debemos arrastrarnos por la arena y tambalearnos hasta, por fin, pisar con decisión la tierra firme. Sólo entonces sentimos todo el peso de su increible hazaña... ¡y el de la gravedad!

Si el Cine con mayúsculas es el arte de combinar la tecnología audiovisual existente con la capacidad interpretativa de los actores para transmitir sensaciones al público, "Gravity" es Cine con mayúsculas. No se la pierdan (¡en 3D!).

- La escena en que dos jóvenes se pasan diez minutos recitando en bucle dos estrofas de Shakespeare.

- La escena en que uno de los jóvenes perpetra en una especie de Casiotone una melodía deleznable. La chica a quien iba dirigida, no satisfecha con ello, pide a su amigo que toque otra. Él, complaciente, procede a interpretrar una melodía aún peor que la anterior --momento en el que estuve a punto de abandonar la sala.

- El desenlace, en el que acaban todos revolcándose (en el barro, sofá, etc...) con todas --en una sutil alusión al final de la obra original de Shakespeare.

- Los títulos de crédito, amenizados por una canción interpretada en Desafinado Mayor (de nuevo, a propósito) por dos de los actores.