En la película se cuenta el primer giro importante hacia la madurez de un sencillo pero peculiar adolescente neoyorquino. Está ambientada en 1980 y también habla de la familia del chico (judía) y de su gran amistad con un compañero de colegio (negro).

Lo primero que se agredece en la peli es la independencia estilística e intelectual de su director, a contracorriente en estos tiempos de streaming en que los gustos del espectador están cada vez más uniformados en torno a “burbujas”, “tendencias” y nuevos o viejos clichés.

Esa independencia se agradece aún más en una peli que trata de racismo y clasismo.

Se agradece en particular que las mentalidades de 1980 estén reflejadas con tanto acierto, sin anacronismos culturales ni reproches revisionistas. También, que no se recurra a los efectismos y manipulaciones sentimentales tan frecuentes en este tipo de historias.

Los personajes son “gente corriente” entre la que abunda la mediocridad, que está reflejada admirablemente y sin estridencias, igual que la inocencia infantil o el sentido común y la profunda ética de esos héroes (o heroínas) cercanos y anónimos para el resto del mundo con los que, por fortuna, tantas familias cuentan como apoyo y referente.

Es fácil entrar en el ritmo (no acelerado) de la película, aunque en su segunda mitad la narración avanza poco y puede resultar larga. En el tramo final se aviva el pulso narrativo, no porque cambie el ritmo, sino simplemente porque ocurren más cosas. Al final sales con buenas sensaciones.

El casting es bueno, con nombres tan potentes como Anne Hathaway y Anthony Hopkins. El doblaje español es mejorable.

A mí me ha gustado mucho la peli, pero no la iría recomendando por ahí a cualquiera.

En principio, es fácil que el tema (y el tipo de peli que conlleva) no apetezca. Pero con el buen hacer y la sensibilidad de Carla Simón bastan unos pocos minutos para meterte de lleno en la historia y para que te interesen –como si te afectasen de cerca– los problemas de supervivencia y adaptación de esa familia de agricultores de lo que se solía llamar (sobre todo si eran extremeños, castellanos o andaluces) la “España profunda”.

Está rodada con tanta convicción que se perdonan con gusto las actuaciones de algunos (pocos) actores amateurs a los que les resulta difícil incluso interpretarse a sí mismos. Porque hay otros y otras (también amateurs) que resultan perfectos.

Carla Simón confirma con ‘Alcarràs’ su enorme talento. Es sólo se segundo largo, pero es ya una película madura y aún más inspirada que la excelente ‘Verano 1993’. Todavía mejorará como realizadora, porque como cineasta lo tiene todo. Un lujo para el cine español.

2008 km. separan por carretera Alcarràs de Berlín. Si Quimet y Dolors (dos de los protagonistas) se vieran obligados a llegar hasta la ciudad alemana en su viejo y cascado cochecito blanco, probablemente lo consegurían contra todo pronóstico. En el maletero llevarían algunos botes caseros de melocotones en almíbar para regalar a quien hiciera falta, y en el radiocasette (sin wifi ni USB ni lector de CD’s, en ese coche tiene que haber un radiocasette) sonaría ‘La cançó del pandero’ para infundirles valor y dar sentido a sus vidas.

Una gran película.

Drama de época con el sello de calidad del cine británico en este tipo de ambientaciones.

La película alterna tres etapas temporales bastante separadas entre sí. La de más peso y extensión (además de la más interesante con gran diferencia) es la etapa en que la protagonista es muy joven. Es la época de ‘Downton Abbey’ o, más a propósito, la de ‘El amante de Lady Chatterley’. En la novela de Lawrence la protagonista es una aristócrata y el amante un guardabosques. Aquí la protagonista también es la mujer, pero en este caso se trata de la criada plebeya, la amante de Mr. Sheringham (el aristócrata).

La película está bien dirigida y el personaje principal está muy logrado. La directora Eva Huson y la actriz Odessa Young consiguen que tenga un carácter propio, diferente, que transmite un feminismo pionero y auténtico.

El grueso del film transcurre en un solo día, el “día de la madre” (“Mothering Sunday”, título original). Ese domingo es el último, el final de la primera historia de amor de la protagonista, un amor intenso y vital que debiera ser alegre. Pero la película habla de pérdidas traumáticas, de sus secuelas y de su superación, así que Huson envuelve a los personajes en una atmósfera impregnada por un un halo de tristeza y fatalidad que enlaza con el otro tema subyacente: la maternidad truncada.

La joven protagonista conoce el profundo dolor que supone perder a los hijos, porque cada día lo ve en el devastado matrimonio de sus ‘señores’, que los perdieron en la Gran Guerra y nunca lo han superado. Sin embargo, ella, abandonada por su madre y criada en un orfanato, no parece mostrar ningún interés presente o futuro por la maternidad. Aunque su actitud no parece egoísta, sino defensiva.

El personaje central y el halo que le rodea son la mayor virtud de la película y también la causa de que quizás no llegue a un público más amplio, porque no es tan fácil conectar emocionalmente con una heroína distante.

El elenco de secundarios es top. Hasta tres ganadores de óscars: Colin Firth, Olivia Colman y Glenda Jackson. Por cierto, la última ganó su primer óscar hace más de 50 años con otra peli basada en una novela de Lawrence (‘Mujeres enamoradas’), en la que además interpretaba a un personaje no muy alejado del que Odessa Young interpreta aquí. Aquella mujer reconocía abiertamente su nulo interés por ser madre. Más parece un doble homenaje que una casualidad.

¿A qué o qué esperan los actores veteranos que no han triunfado en la profesión? ¿A qué o qué esperan los presos y delincuentes que tienen por delante un largo tiempo entre rejas? En esta peli –mientras esperan– los protagonistas (actores y presos) van esperando a Godot. Como todo el mundo, al parecer.

La película habla de lo que sugiere el párrafo anterior, pero también del éxito, del fracaso, del “momento” y de “la humanidad entera”. Porque como dicen los personajes de Beckett y los actores de la peli: “en este lugar, en este momento, la humanidad somos nosotros, tanto si nos gusta como si no. Así que representemos dignamente por una vez la porquería en que nos ha sumido la desgracia”.

La peli está bien. Es divertida. Los actores están muy bien, el guión es bueno y la dirección es más que correcta. Se agradece que tenga cierta condescendencia para conectar mejor con el público. Y se agradece que no caiga en disquisiciones intelectuales aunque el tema dé para ello.

La base de partida de la peli ya la habíamos visto otras veces: tono de comedia, reencuentro de cuatro hermanos adultos con motivo de la muerte del padre, una gran casa familiar de vacaciones como herencia a repartir…

Los cuatro caracteres principales (los cuatro hermanos) están muy marcados: el tiburón triunfador, el autor en crisis, el contestatario optimista y el gordito con traumas afectivos. Son caracteres tan definidos y con tan nula complejidad o desarrollo que (exagerando un poco) podrían formar uno de esos grupos de música pop de antaño que, por marketing, convertían a sus miembros en personajes (el policía, el motero, el indio… de Village People. La deportista, la pija, la inocente… de Spice Girls). Son caracteres que aguantan bien el gag, pero se quedan muy cortos cuando el guión se pone un poco serio y trata de viejas rencillas familiares o cosas por el estilo.

El amplio coro de secundarios, además de superficial, es también desconcertante. Entran y salen de la historia con escasa coherencia. Ad libitum.

La película, sobre todo en sus momentos menos cómicos, tiene un deje de telefime rutinario. Sólo de vez en cuando, algunos planos que muestran la belleza de las Islas de la Madeleine (Canadá) rompen de golpe esa sensación.

Correcta en su planteamiento inicial. Floja en su desarrollo cinematográfico. Pasable como producto comercial.