De todo se ha dicho de este clásico, a pesar de eso, no hay que olvidar lo que Fellini hace aquí con la maestría de su profesión. Practicamente representa la vida de un director de cine volcada a la crisis creativa, más aún luego de un éxito cinematográfico. Sin embargo, su figura principal (Guido Anselmi) también demuestra mucho el interior de un hombre, con sus inseguridades, pasiones, miedos y sueños.
Fascinante por sus diálogos, sus actuaciones, sus fantasías y su autenticidad, que ha dado influencia a muchísimas obras. Definitivamente, de lo más grande y selecto de la cinematografía.

Charlie Kaufman, conocido por sus escritos existencialistas sobre el amor, la soledad y el ser humano del nuevo milenio, envueltos en comedias negras y tramas surreales, trae una nueva historia, ya abordada, pero contada de una forma peculiar: animación cuadro por cuadro. Codirigida con Duke Johnson, y coescrita con Dan Harmon, el neoyorquino se dispone a jugar con Michael Stone (David Thewlis), motivador profesional que contradictoriamente vive una etapa de crisis de la mediana edad.

A través de la narración se puede atisbar el cuadro psicológico de este personaje. Un hombre que ha perdido interés por lo que vive a diario, incluso si esto significa viajes de negocios y lujosa cotidianeidad. Esto se representa específicamente con su postura hacia los demás, hombres y mujeres que ve con el mismo rostro y escucha con la misma voz. La implementación de Lisa (Jennifer Jason Leigh), no solo cambia su forma de ver el mundo, sino que crea un balance en la película al desvelar sus complejos y conflictos en medio de los acontecimientos.

La paradoja que cuenta Kaufman es precisamente narrar una historia humanista con objetos inanimados (modelos, maquetas) como bien lo indica su leyenda: «La película más humana del año… Y no la estelariza una sola persona». También es recurrente apreciar cómo utiliza recursos de la animación para alimentar el argumento, como elementos mecánicos y la figura de los modelos. Todo esto sostenido por la libertad creativa que se emplea.

En la construcción del relato todo sucede con buen ritmo, iniciando con la introducción de personajes y situaciones, y el detonante que hace girar el argumento. Hay tal vez un lapso explicativo mientras el protagonista tiene un sueño, que reitera lo que se ha visto en pantalla; sin embargo, esta parte da pie al desenlace. A este punto, se siente una ligera pérdida de fuerza en un desenlace que daba para mejor desarrollo. No obstante, no desentona dentro de los parámetros que ya se habían estipulado dentro de la ironía del filme.

“Anomalisa” es un trabajo pulido que se debe hacer notar, ya que la unión de su argumento con su forma crea un producto totalmente válido para su análisis e interpretación. Es curioso cómo termina enseñando las anomalías de la vida en conjunto con lo que el ser humano interpreta, errónea o correctamente, como su escape a algo nuevo y sugestivo.

Calificación: 8 (Muy buena - Recomendable)

Tom Hooper, reconocido director a partir de su premiada “El discurso del Rey”, se caracteriza por realizar un cine muy depurado estéticamente en sus escenografías debido a las épocas que abarca. En esta ocasión hace gala de esa virtud, pero, como sucedió con “Les Misérables”, quedan una serie de deficiencias en el medio que no terminan de conectar con el resto de la película.

Con un arranque en forma se presentan los dos protagonistas de la historia: Einar Wegener (Eddie Redmayne) y Gerda Wegener (Alicia Vikander); matrimonio que convive de forma plena, rodeados de personas cercanas y el arte de la pintura, aspecto muy bien retratado por la cámara. Sin embargo, un sentimiento de opresión comienza a tratar de liberarse. Lo que inició como un juego –disfrazar a Einar de mujer- se transformó en su máximo deseo: Convertirse físicamente en una mujer.

Como se mencionó anteriormente, una de las máximas virtudes que posee el filme es mantener una calidad sobria en la composición de la imagen, gracias a la creatividad y dominio del encuadre. Esta herramienta luce el buen desempeño en cuanto a diseño de producción y vestuario se refiere. También, la música a cargo de Alexander Desplat es agradable aunque no suma ni resta al producto final.

Donde yace el principal problema es en el guion. Después de una buena introducción, se pierde la introspección a los personajes en algo superficial, privándolos de un llamativo acercamiento a sus conflictos. Esto da como resultado que Vikander saque agua del bote y muestre una excelente actuación, pero Redmayne se vea limitado a imitar una mujer y ofrecer gestos monótonos y perdidos.

Lo más crítico del fallo en su argumento es que afecta enormemente la estructura. La película, luego de aproximadamente 40 minutos, comienza a divagar entre la esposa, Einar/Lili e incluso el arte, que no llega a ser un recurso en la trama, sino una distracción. Todo esto para terminar dando escenas forzadas e incoherentes.

“La chica danesa” es una película que se queda en simple expectación. No logra crecer su objetivo ni darle una conclusión sugerente o, por lo menos, sólida. No todo es malo, y si se gusta de la temática puede ser válido su visionado, pero no para grandes acotaciones, ya que es un trabajo que se olvida de inmediato.

Calificación: 6 (Regular)

Cuando el presupuesto es poco deben nacer las grandes ideas. El equipo que está detrás de Leny Abrahamson, su director, captura la esencia de un relato crudo y desgarrador en una historia infantil, y plantea preguntas sobre la seguridad del mundo en el que vivimos. Esto hace que “Room” sea la revelación ‘indie’ del año.

Cuarto es donde habitan una madre y un niño. El espacio es totalmente reducido y a simple vista no hay posibilidad sana de vivir allí. A partir del primer minuto se plantean dos visiones: desde la vista de un niño de cinco años, esto representa su mundo y apenas lo poco que conoce; mientras que para su madre es una prisión de siete años secuestrada, reducida a cuatro paredes sin tener absoluta conexión con el exterior.

Hay que hablar de “Room” de acuerdo a dos partes muy bien marcadas. La primera es un derroche de creatividad encerrada en una habitación de mínimas proporciones. La cámara juega con el niño y muestra una historia trágica como un parque de juegos, de acuerdo a su mente. Siempre buscando ángulos y momentos oportunos para alimentar la trama, es capaz de rodear sensaciones al borde del sufrimiento y transformarlas en algo atractivo de contar.

La segunda parte viene de un mini clímax con bastante emoción, dando paso a un esfuerzo por desenvolver los conflictos psicológicos que atraviesan los involucrados. La cinta se logra mantener por actuaciones de mucha profesionalidad, diálogos bien empleados y una edición más que acertada. La música además resulta un acento especial en momentos claves y de transición.

El guion es escrito por Emma Donoghue, autora de la misma obra fuente, y logra captar el espíritu de la historia en una excelente labor. Realidad y ficción de un mundo compiten frente a la visión infantil y adulta de una catástrofe. Además se pone en tela de juicio el papel del progenitor; aquel que es padre biológico o padre por encargo y voluntad. Todo esto moldeado por la mente de un director cuyo trabajo sabe hacer y ejecutar.

No más que decir sobre una película que logra sorprender por su manera y significado. Por una parte pudo aprovechar más la situación del agresor entre las dos partes del filme, pero no resta méritos del trabajo en conjunto. Por último, interesantes acotaciones a obras como “El conde de Montecristo“ y la historia bíblica de Sanson, para proporcionar apoyo literario.

Calificación: 9 (Excelente)

Es de buen ver una película que estudia y entiende la fuente de la historia y la interpreta en cada uno de los apartados que se muestran en pantalla. Sería injusto denominar a “Carol” como un romance lésbico, cuando hay mucho más por hablar de ella. El amor involucra personas con sentimientos, conflictos y un entorno que responde a lo que sucede. Por eso, se obtiene de esta película un estudio de dos personajes muy bien desarrollado frente al sentimiento mutuo que nace entre ellos.

La película abre con el flirteo entre dos mujeres: Carol Aird (Cate Blanchett) y Therese Belivet (Rooney Mara), dando pistas de todo un historial entre ellas, sea propio o unidas. Sus primeros minutos muestran la clase alta a la que pertenece Carol y la clase media de Therese. La primera, al borde del divorcio por un aparente suceso fuera de lo moral, conoce a la joven, que se enfrenta al sueño de querer surgir en Nueva York de los años 50’s. Con este panorama es que surge el enamoramiento, sin dejar de lado un pasado angustiante, un presente riesgoso y un futuro inseguro… como la mayoría de las relaciones.

Se deben enumerar varios logros que posee el filme. En primer lugar, el trabajo de cámaras para ubicarnos en medio de la conexión entre las involucradas, con acercamientos a miradas, tacto, juegos de palabras; el lenguaje corporal y lo audible hacen un excelente juego de romance, que no va soltando su último elemento hasta pasada la primera mitad de la cinta. Esta labor se aprecia muy bien por la época en la que sucede, con una difícil aceptación de lo que es la homosexualidad como preferencia sexual, y en donde la poca visibilidad era fundamental.

Las actrices Blanchett y Mara presentan un increíble nivel de histrionismo para evocar la química que plantea el guion, además de mantener sus papeles cuando están separadas. Basta con leer lo que exponen sus ojos para darse cuenta de la tensión dramática que inundan sus personajes. También especial atención al resto del reparto con muy buenas actuaciones.

Ante tal guion que vemos en pantalla, era primordial elevarlo al nivel de belleza adecuado, por eso, la estética del filme es vibrante. Iniciando con una ambientación a exactitud de medio siglo XX; pasando por una fotografía con tonalidades fuertes estilizada según la época; y la música dotando de momentos apasionantes y otros más de tensión.

Un filme de gran sutileza, hecho a la medida de lo que representa. Gran trabajo de Haynes como director, donde es mínimo el detalle que se le pueda reprochar. Queda una de las mejores del 2015.

Calificación: 9 (Excelente)