Si juntas al Almodóvar más depravado con el Tim Burton más desnortado no te sale esta escoria putrefacta. Que no te engañe Cinemania, que no te engañe Fotogramas, que no te engañe Cahiers du Cinema y que no te engañe la puntuación de FA. Esta mezcla de Pasolini con Disney es el subproducto de una mente diarreica. Que le den todos los Bafta, todos los Oscars, todos los Independent Spirit Award. Que toda esta inane y estomagante orgía de bazofia tenga su culmen. Que este delirio barroco y pseudoerótico se atragante con las mieles del éxito. Que este prostibulario y semipederasta Lonely planet para postmodernos eruditos tenga su recompensa. Que esta majestuosa fábula laxante entre en los anales de la historia. Que gluglutee con dilección el señor Lanthimos desde su frenopático trono.

Es seguramente la gran pregunta que me ronda la cabeza al ver esta serie. Úrsula Corberó pasa por el filtro y se la cree uno bastante rápidamente como psicópata malévola, como femme fatal, como viuda negra, como desalmada y como la reencarnación de Belcebú. Pero ¿y Quim? Le hemos visto en La gran familia española, le hemos visto en Tres bodas de más, le hemos visto en la maldita Anacleto y en la infumable Te quiero imbécil. Está más atado a la comedia que Leo Harlem. Quizá a su pesar, quizá porque de alguna manera se tiene que llenar el frigorífico, quizá porque los guiones de la comedia española de medio pelo es lo que le llega al buzón de su casa. Pero así es. Es oírle hablar y aparecérsele a uno, de manera automática, una media sonrisa en el rostro. Era la decisión más arriesgada del casting. ¿Por qué no un Maxi Iglesias?, ¿un Jaime Lorente?, un verraco salvaje, un destripaterrones. Coño, que a Quim le hemos visto en Primos danzando al son de los Backstreet Boys. Y sin embargo, para mí, no hay disquisición hegeliana donde ahondar. Este hombre me gusta, le tengo aprecio, me parece un buen actor. Y siempre he pensado, precisamente, que se le ha sepultado bajo kilos de palomitas en demerito de sus casi desconocidas capacidades dramáticas. Este era su momento. Una maldita serie mainstream de Netflix que la va a ver todo Cristo. No esperamos que pegue el giro copernicano en su carrera como Tom Hanks a partir de Philadelphia pero al menos que algún menda con carné de director se acuerde de él en el futuro para hacer algo más perdurable que la comedia del verano. No va a ser Javier Bardem, lo saben los osos, pero que tampoco se nos quede en un limitadísimo Ernesto Sevilla.

Y ya para otro día hablamos de por qué a Rosa Peral se le ha escamoteado una hija en la serie. ¿No alcanzaba la pecunia?, ¿sincretismo cinematográfico?...

Pd: Y perdona Quim, que ya sé que tienes un Goya por tu papel dramático en AzulOscuroCasiNegro, pero no quería recordarlo mucho ya que me hundía el leit motiv del texto.

Magnífica y merecida precuela del personaje gordo de Seven. Esta vez con un merecido desarrollo argumental, más allá del breve cameo que realizó en aquella ocasión. Que Aronofsky haya organizado la película cronológicamente en días de la semana de la misma manera que hizo Fincher en su obra mítica no deja lugar a dudas sobre que este hecho es verídico. Más allá de eso, la obra es un tierno alegato a favor de la novelística de Herman Melville, la ornitología (aquí las referencias claras a "El hombre de Alcatraz" creo que tampoco dejan lugar a dudas) y la anorexia. Y en contra de las sectas organizadas, tan poderosas en territorio yanqui. Esto es en lo que me ha hecho pensar la película.

Sobre estas películas que apenas verá nadie debido a su muy escasa distribución y a su completamente nula promoción (mundos insondables ambos para los que no pertenecemos al business del celuloide), sobre estas películas que tanto la crítica letrada como la ágrafa han parecido ponerse de acuerdo para ensañarse en todos sus defectos, los reales y los ficticios; sobre estas películas sobre las que campea una raquítica nota media en FA, sobre estas películas, decía, es sobre las que merece la pena hacer una defensa fundamentada y una loa sincera, aunque solo sea por justicia poética.

En EEUU el problema de la adicción a los opiáceos y opioides se estima que causa, en la actualidad, la escalofriante cifra de 200 muertos al día y un total de más de 70000 muertos al año. Teniendo en cuenta sus poblaciones relativas esto supone diez veces más que las cifras actuales de un país como España. Salvaje. Más de 4 millones de personas son adictas a estas sustancias en Norteamérica, ya sea en su variante legal (fármacos tan nocivos como Oxycontin, Vicodin, etc., son recetados de manera inconsciente por los sanitarios como señala la película, en el mejor de los casos a la ligera y en el peor con claras intenciones de hacer negocio a expensas de la salud física y mental de los pacientes), ya sea en su variante ilegal como la heroína o el fentanilo (una droga cien veces más potente que la propia heroína, etc.). Datos que muestran de manera traslúcida la magnitud del problema. Es muy recomendable leer, para tratar de entender las razones y los orígenes últimos de esta sangría, para profundizar en este drama humano, obras recientes que abordan el problema como “Muertes por desesperación” editado en Debate y “Tierra de sueños” editado en Capitán Swing. Estas lecturas sirven para conocer más sobre esta auténtica tragedia contemporánea y ahondar en las causas y razones sociológicas de esta verdadera epidemia que afecta en particular a la población blanca joven y de mediana edad no cualificada que ha visto como el sentido de sus vidas se diluía entre otras razones por la imposibilidad de encontrar un trabajo estable, bien remunerado y que diera cierto sentimiento de pertenencia y realización a sus existencias. El sueño americano mutado en auténtica pesadilla.

La película, realizada por el colombiano Rodrigo García (del cual debemos recordar aquí la magnífica y tampoco excesivamente conocida “Madres e hijas”), más allá de ese omnipresente marco narcótico, no es “tan solo” una película sobre la adicción a las drogas; es, por encima de eso, el relato de una escabrosa relación materno-filial y el conmovedor retrato psicológico de una madre que lucha para sobreponerse a las adversidades, para encontrar una rendija de luz en el futuro de su hija, para ser capaz de ahuyentar los demonios que cercan y aprisionan su mente.

Me resulta de sumo interés el reseñar que para lo que muchos críticos es una debilidad de la película: personajes tendentes a lo intransitivo, escenarios poco llamativos, cierto aroma a telefilm barato, el recurso a ciertos clichés que (sic) “no logran conmover nuestra alma”, etc., es algo que, dado el contexto que se muestra, aporta un gran realismo al guion, quiero decir, la gente que padece estos sufrimientos es ASÍ, gente cualquiera, con infancias cualquiera, con trabajos cualquiera, con novios cualquiera, con familias cualquiera y, en definitiva, con vidas cualquiera; todo lo superfluas que pueda uno imaginarse pero no por ello menos dignas de ser vividas (y contadas); el averno por el que transita la protagonista, excepcional Mila Kunis que compone el mejor papel de su carrera hasta la fecha tomando el testigo del que realizó en aquella película tan sofocante como “Black swan”, no es un ámbito exclusivo de estrellas de Hollywood estilo Philip Seymour Hoffman o de estrellas del rock como Keith Richards. Y eso lo hace aún más cruento.

Es obligado nombrar como referencias cinematográficas obligadas en cuanto al mundo de las drogas se refiere a obras como "Réquiem por un sueño", "El regreso de Ben", "Diario de un rebelde" o incluso por supuesto la tan escocesa “Trainspotting”. Todo un auténtico walk on the wild side.

Quizá la reciente muerte de Ben Cross en el pasado mes de agosto sea la espoleta adecuada para escribir esta crítica a la que fue su mejor y más memorable película. Y más aún cuando esta comienza con una misa funeral, coincidencia luctuosa, por el personaje que el actor interpreta en pantalla, el atleta británico Harold Abrahams. Se debe decir que la carrera cinematográfica posterior a Carros de fuego de Ben Cross es bastante mediocre y olvidable, en la cual uno apenas puede recordarle en pantalla haciendo del malo de El primer caballero, aquella fallida recreación artúrica para mayor gloria de Richard Gere.

Creo que es justo además, cuando con proximidad se cumplirá el cuarenta aniversario de su estreno, realizar una alabanza abierta y sincera de esta película, me temo que abandonada por muchos de manera cruel en el baúl del olvido. Ahora que, debido al parón por el coronavirus, se están reestrenando grandes películas míticas de la historia del cine Carros de fuego no ha sido siquiera tenido en cuenta. Seguramente apenas cuatro amantes del buen cine hubieran ido a verla. La ley del dinero. Ni siquiera la revista Cinemanía, en su reciente y más que irrisoria lista de las mejores 300 películas de la historia, la encuentra un hueco para tener la oportunidad de codearse entre grandes hitos inmortales como ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, Aterriza como puedas o Moulin Rouge...

Con la celebérrima escena inicial (no es en absoluto una boutade afirmar que es una de las mejores escenas de la historia del cine) en la cual aparecen corriendo sobre la arena los atletas bajo la música imperecedera de Vangelis ya se sabe que se va a ver algo glorioso. Casi dan ganas de levantarse en ese momento y dejar de ver la película sabiendo que es imposible que esta ofrezca algún momento más culmen. Solo después de ver Forrest Gump uno siente las mismas ganas de salir corriendo libre y jubiloso con el viento golpeándole a uno el rostro. Para quien no la conozca, recomiendo ver en youtube la referencia cómica que sobre esta escena realizó Mr. Bean con ocasión de la ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos de Londres en 2012.

La película es una recreación precisa de una época lejana, los años 20, es una loa de la juventud, de la superación, de la mejora, de la fraternidad, de la persecución y conquista de unos ideales. Y es, junto con Hoosiers, la mejor película sobre deporte de todos los tiempos. No una película en la cual el deporte aparezca de manera tangencial o arbitraria sino una película en la cual el deporte es motor y centro de la misma. Una película que ennoblece el deporte mostrando que más allá de la pura actividad deportiva y competitiva, puede llegar a ser algo que sea sentido mismo de la vida, trascendente y espiritual.

Hasta siempre Ben Cross.