Gerardo Olivares realiza un trabajo complejo y de difícil ejecución al intentar narrar la historia real de Marcos Rodríguez Pantoja. El resultado es digno y honesto, dadas las circunstancias, que son las de conjugar la cantidad de elementos que concurren en la trama.
La España profunda, atrasada y miserable de la posguerra, se esboza con rasgos intensos, pero sin la profundidad que el tema merece. Las condiciones que llevan al niño Marcos Rodríguez Pantoja a vivir con un cabrero troglodita, aislado en Sierra Morena y apegado al mundo natural por su desarraigo de la civilización por los traumas sufridos en la guerra civil y su posterior soledad, se esbozan con caracteres maniqueístas, que merecerían una cierta profundidad, pero Olivares se centra más en la anécdota y se queda en la forma, olvidando el fondo. La historia daría mucho más de si.
En la España profunda y el entorno rural se daban más casos como el de Marcos: Aquellos niños sin escolarizar, enviados a guardar rebaños, pasando meses en las soledades de las cumbres, no eran una rareza. Que se buscaran la vida y convivieran con un entorno hostil y se adaptaran a unas condiciones primitivas era una situación habitual, a pesar de que hoy se nos aparezca como una excepción.
Olivares se recrea con el paisaje y la relación de Marcos con su entorno animal. Ofrece un discurso crudo y real de la lucha animal por la supervivencia, alejado de almibarados discursos y bebe de fuentes documentales que recuerdan los montajes y filmaciones del malogrado Félix Rodríguez de la Fuente. A pesar de la presunta veracidad, se nos ofrece un documento, con visos de increíble ficción, que se queda a medio camino entre “El pequeño salvaje” de François Truffaut y “Tarzán”.

“Forest of the gods”, de Aligmantas Puipa és un film que evidencia la intromisión de los poderes totalitarios para adaptar la realidad histórica a sus fines propagandísticos.
Basada en la obra autobiográfica de Balys Sruoga, un profesor, poeta y dramaturgo, que fue encerrado en el campo de concentración alemán de Stutthof, uno más de la amplia red represiva de los nazis, que narra su experiencia en el horror de este tipo de campos. Narrada en flash back la realidad del campo con el proceso posterior de elaboración de las memorias de Sruoga bajo el régimen soviético, la acción paralela entre el próximo pasado nazi y el posterior proceso de memorización y de recreación literaria, el director Aligmayas Puipa lo resuelve contraponiendo las imágenes de la experiencia en el campo, con el ensayo de una obra teatral sobre la misma, dirigida por el propio Sruoga, hecho que se ve obstaculizado por la autoridad soviética, que pretende que sea subrayada la crueldad alemana y se haga el discurso adaptado a los postulados propagandísticos que le van dictando. Uno de los ejemplos que ilustran este hecho es una escena en la que los actores de teatro ensayan un ahorcamiento. El supervisor soviético les sugiere mayor dramatismo y énfasis en el momento de dictar la orden, a lo que Sruoga replica: “No había dramatismo en este tipo de órdenes. Era un hecho cotidiano y las dictaban en el mismo tono con el que ordenaban archivar unos papeles”.
Esta lucha entre la verdad y el intento de manipulación política es el leit motiv del film, resuelto con frialdad y una reiteración de flash back, que rompen el ritmo y pueden llevar a algún tipo de confusión al espectador.
De todos modos es una película honesta, fría y un poco inhóspita para el espectador, que retrata la cruel cotidianidad de la injustificable maquinaria represiva nazi y la posterior manipulación propagandística de este horror. Para mi es un buen film.

El delirio de un cinéfilo. La magistral lección de un erudito, que homenajea el cine de género en un inteligente mosaico, cargado de ironía, humor, maniqueísmo y violencia –gratuita o no-
¡Que gozada, que magnífica metáfora la de reunir a toda una colección de malos oficiales, histriónicos, casi todos sacados de la realidad histórica, para encerrarlos en un cine de barrio y pegarles fuego, mientras se proyecta una grotesca y burda versión nazi de una exaltación de un héroe, satirizando “Sargento York"!.
El holocausto se invierte. La caricatura se vuelve mordaz y alcanza niveles de paroxismo. La tarantiniana mezcla de humor negro y violencia desborda al espectador. El ritmo es trepidante y te deja pegado a la butaca en diferentes "tempos", que evocan estilos varios del cine de acción. Todo un homenaje a ellos.
Maniqueísmo y violencia: una combinación infalible.
La cinefilia está presente y la erudición se manifiesta en tono ácido, recreando el ambiente de la UFA y el mundo del cine europeo de los años 30/40. Muy bueno y sutil el gag de enviar un comando inglés a boicotear un estreno cinematográfico al que asisten los jerarcas nazis. ¡El susodicho no es otra cosa que un crítico de cine!
La Historia, con mayúscula, no importa. La realidad no tiene límites, como la imaginación.
Se pueden quemar toneladas de celuloide, e incluso la propia Historia, si con ellos se logran icinerar los fantasmas propios y los compartidos, invirtiendo los términos de la realidad. Una excelente metáfora y una delirante fantasía, fruto de una fértil e inteligente mente: la de un Tarantino en magnífica forma.

El western es un género cinematográfico por antonomasia. Es tan antiguo como el mismo cine y tan fotogénico, que resulta difícil imaginar el séptimo arte sin sus cabalgadas y sus tiroteos.
El género alcanzó cimas notables los años cincuenta, con autores e intérpretes notables, para entrar después en un período de decadencia, quemado por las burdas imitaciones italianas y españolas y por la reiteración de ciertos tópicos.
Hoy aparece y desaparece, cual Guadiana, en notables films que aportan novedades y rigor, con títulos memorables, como algunos de Clint Eastwood.
El western redivivo suele cuidar los detalles históricos y antropológicos, como las armas y el vestuario, así como los escenarios; también utiliza cierta radicalidad en la violencia, más presente desde mediados de los sesenta. Parece luchar contra si mismo para superar los tópicos y buscar la novedad.
“Appaloosa” reúne un conjunto de cualidades de los westerns de toda la vida, dibujando unos personajes que logran hacer un retrato bastante creíble de la transformación del salvaje oeste violento hacia la modernidad, con sus intrigas políticas y la decadencia de los viejos valores de épocas de caos y desorden. Ed Harris se dirige a si mismo en un personaje duro y vulnerable a la vez, patético y casi caricaturesco, acompañado de un Viggo Mortensen en un papel muy logrado; Renée Zellweger sabe imprimir al suyo toda la ambigüedad que exige, con elevada solvencia, así como un sobrio Jeremy Irons, haciendo de malo, para completar un reparto de lujo.
El film parte de un relato llano y sencillo –cuasi tópico, diría yo- y su gran mérito se debe a la excelente interpretación de unos personajes magníficos, alternando matices de fino humor con la violencia de algunas escenas, tratadas con un excelente realismo. Una dirección cuidada, da lustre a un trabajo, que a veces adolece de una cierta discontinuidad en su ritmo narrativo.
De todas formas, no deja de ser un trabajo excelente, de buen ver para aquellos que gustan del viejo western.

“The Boy in de Stryped Pyjamas”, de John Boyne, es una excelente novela sobre la amistad en estado puro y la inocencia de la infancia ante el deplorable hecho histórico del holocausto y la diabólica máquina de engullir hombres que fueron los campos de exterminio nazis. Y es excelente por estar muy bien escrita, desde el punto de vista subjetivo de un niño que nada sabe ni nada sospecha de las complejidades y maldades del ser humano adulto; el mundo infantil se compone de aquellas pequeñas cosas que le rodean a uno y la lectura de las mismas es ingenua y sencilla, se halle uno de un lado u otro de la alambrada.
Mi curiosidad era ver como un relato tan basado en un recurso estrictamente literario podía ser llevado al cine, donde las imágenes subjetivas deben materializarse y hacerse explícitas. Aquello tan complejo que a menudo nos hace exclamar: “Me ha gustado más el libro”…”Pues claro; como los planos y las imágenes me las hago yo en mi imaginación…”
La solución ha sido hacer un relato plano y convencional, subrayando la ingenuidad de los niños y su lógica miopía ante el horror circundante, que es inexorable y fatal por la propia magnitud de la maquinaria organizada, obviando el recurso de Boyne de dar el punto de vista exclusivo del niño, lo que reduce el relato a algo mucho más convencional. Ayudan a subrayar los personajes los contrapuntos de las actitudes de los adultos, en una amalgama de maniqueísmos, que permiten acentuar la candidez y los valores de la amistad infantil por encima del horror. El resultado: Una cierta fidelidad a las intenciones del autor.
El film se desarrolla con un ritmo pausado, eficaz para obtener las sensaciones que se pretenden, con un “in crescendo” en los minutos del metraje final de muy buena factura y mejor realización (para mi lo mejor de la película y los de mayor calidad cinematográfica).
Interpretaciones justas, destacando la labor de los dos niños protagonistas, que entiendo fruto de la paciencia y pericia del realizador, que saca partido de la expresividad y fotogenia de los mismos.
En resumen: Un film correcto, basado en una buena historia -mejor explicada literariamente que filmada- y que tiene un algo de aquella magia que tienen algunas realizaciones que hace que uno diga que no ha perdido el tiempo al salir de la sala.