Es una absoluta decepción. Aunque, si he de ser sincero, ya me lo esperaba. Realmente, el tema daba para mucho y por muchos motivos, pero los derroteros del film son del todo erróneos.

Es de las primeras veces (si no la primera vez) que se aborda en una película, de manera directa, el terrorismo del Estado Español, la “Guerra Sucia”, y se desaprovecha esta maravillosa oportunidad que podría haber servido de precedente para denunciar otras atrocidades. Se ha hecho con miedo, siendo la corrección política la que dictaba, y acotaba, las normas, tanto formales-estéticas como de fondo.

A diferencia de otras “democracias”, como la inglesa, norteamericana o irlandesa, por citar alguna, la Española ha sido, hasta la fecha, incapaz de afrontar fílmicamente sus propios fantasmas y barbaridades. Se ha tendido a reprimir-demonizar, más que a ocultar, todo conato de denuncia al respecto, amparándose en que “el otro” es tan malo que lo que “hacemos (el Estado en este caso)” no ha de ser cuestionado, para no purgar a ese “otro”.

Me vienen a la memoria numerosos títulos, sobre todo en la órbita del conflicto norirlandés, como “En el nombre del Padre”, “En el nombre del Hijo”, “Bloody Sunday” y la reciente “Hunger”, donde se señala con el dedo, con mayor o menor calidad cinematográfica, la barbarie cometida por el Reino Unido en nombre de una falsa democracia que, sin embargo, es asesina y terrorista. La realidad es que no hay que irse tan lejos para observar que el monopolio de la fuerza que detenta todo Estado esconde terrorismos sufragados con dinero público diluido en cal viva, como es el caso del Estado Español.

Partiendo de este punto, al menos, me alegra que se aborde un tema tan importante y olvidado a partes iguales como el del secuestro, tortura y asesinato de los dos jóvenes Lasa y Zabala. Sin embargo, la oportunidad, y el significativo paso adelante que se daba, ha sido sistemáticamente desaprovechada por los creadores del film.

El mensaje habría de ser claro, “da igual qué sean o en qué militen Lasa y Zabala, pues se les torturó y asesinó con dinero público, por el Gobierno del Estado Español, saltándose los mínimos exigidos en cualquier país con ínfulas democráticas”. Esto es lo único que parece subyacer en la película y, al menos, queda claro. Es lo única parte positiva, junto con la necesaria visión “del otro” en este conflicto que se vive en mi tierra.

Sin embargo, las formas para lograr el anterior mensaje son del todo desafortunadas. El Departamento de Arte es lamentable, con un vestuario digno de Zara y H&M, sin ningún ápice o pátina de los años 80, los actores desafortunados salvo alguna excepción, la historia sin pulso, la parte judicial es simplemente irreal y escandalosa (al menos a los ojos de un humilde Letrado como yo). No hay rastro de Costa-Gavras (“Z.”, “Estado de sitio”) o Gillo Pontecorvo (“La batalla de Argel”, “Operación Ogro”), dos genios del cine político, cuyo pulso narrativo roza el documental y, a la vez, entretiene y explica.

En “Lasa y Zabala” hay explicaciones absurdas, que no aportan nada, subtramas melodramáticas; el guión, desde el punto de vista técnico-jurídico es sencillamente impresentable, a pesar de que presumen de que se ampara en el Sumario del caso; las partes “ficcionadas (en palabra del director)” son sencillamente disparatadas, no hay tensión, no hay interés en lo que me cuentan, a pesar de que he crecido en calles llenas de pintadas clamando justicia para “Lasa y Zabala”. No me parece una película seria para el respeto que se merecen los acontecimientos.

Espero que, al menos, como último consuelo, esta película abra la mente del espectador (trasunto de la sociedad del Estado español) para asumir, al menos en la gran pantalla, las acciones execrables de su Estado, para poder avanzar hacia un mundo más justo y más informado, donde “el otro” tenga la cabida que ahora se le niega, porque, a diferencia de lo declarado por Felipe González, el Estado de Derecho JAMÁS se puede defender desde las “alcantarillas”.

La vida de Pasolini sigue dando que hablar a día de hoy, por lo actuales que siguen siendo los temas que trataba en sus manifestaciones artísticas (prácticamente todas las imaginables), de ahí que siga siendo necesario el homenaje y el elogio a su carrera, como transgresor y visionario.

El filme de Ferrara, toma el testigo que comenzó Marco Tullio Giordana en su “Pasolini, delito italiano”, pero con dos diferencias básicas, pues, por un lado, elimina el tono documental de la anterior y, por otro, se centra en la parte más humana y personal del artista en las horas antes de su fatal asesinato.

La aproximación a la figura de Pasolini se hace con mucho respeto, intercalando ciertos escritos postreros del autor como parte de la trama, lo cual rebaja la tensión del fatal desenlace y nos une con la faceta más creativa del protagonista.

En todo momento se respira la situación que se vivía, en 1975, en el mundo, en general, y en Italia, en particular; época de censura (prueba de ello es Saló), de inusitada violencia, donde se sucedían atentados continuamente y de todos los tintes, con la guerra de Vietnam recién “acabada”, con la muerte en tiroteo de Cagol, mujer de Curcio militante de las Brigadas Rojas, el asesinato de Campanile de Lutta Continua, la detención de neo-fascistas como Maio Tuti, las masacres de la incipiente extrema derecha…

Así, con un gran proceso de documentación previo, se dignifica la memoria del maravilloso autor de títulos como “Accattone” y “Mamma Roma”. El director, con la ayuda de un sensible y contenido Dafoe, nos muestra a Pasolini tal y como era para que seamos nosotros los que saquemos las conclusiones. Gracias a Abel Ferrara estamos presentes en la última entrevista concedida por Pasolini, ante Furio Colombo, periodista de L’Unitá, amamos a su madre, cenamos con Ninneto Davoli, flirteamos con Pelosi y sentimos cada golpe hasta morir en una desierta playa de Ostia.

Por lo tanto, se conjugan varios elementos que hacen que la película sea merecedora del apelativo de pequeña joya, como son la ambientación de los 70, la fotografía suave y delicada, incluso tenue, el trabajado guión, la credibilidad de Willen Dafoe y del resto de los actores y la seriedad con la que se toma un suceso nefasto, huyendo de sensacionalismos, rehusando de ser un biopic al uso (de exaltación absoluta del protagonista), alejándose de la mitificación, o mistificación, a pesar de la naturaleza mítica de éste.

Ahí reside la grandeza de la película y por eso es tan necesaria, debido a que emociona, independientemente del nivel de conocimiento que se tenga sobre Pasolini, porque la muerte de un poeta la sufre la humanidad, pues, como dijo Moravia en su funeral “ante todo hemos perdido a un poeta”.

Todos los años se suele estrenar un tipo de thriller que, a pesar de que no aporte nada nuevo al género, es recibido, al menos por mí, con agrado, como por ejemplo "Killing Them Softly (2012)" y "Prisoners (2013)", independientemente de lo que, finalmente, me guste la película.

Así, este año, es el turno de The Drop, que cumple con las mencionadas características, pues es un thriller con toques neo-noir, fotografiado con maestría glacial, interpretado por buenos actores, con una manida, pero solvente, trama que entretiene unos 100 minutos y que, a pesar de no aportar grandes novedades al género, yo, personalmente, estaba deseando ver.

El director Roskam mejora con respecto a su interesante, aunque irregular, anterior película, Bullhead (2011), pues deja en manos ajenas lo más endeble de su anterior trabajo, el guión (en este caso de una institución de la novela negra actual, el Sr. Lehane), pero mantiene el pulso firme a la hora de narrar, así como la ya mencionada fotografía fría, pero impolutamente técnica.


A su vez, se ve a apoyado en un magnífico elenco de actores donde destaca, como viene siendo habitual, Tom Hardy, regalándonos una gran interpretación y un magnífico personaje que lleva su sello de calidad, pues lo dignifica y humaniza como quizá pocos hubieran podido. Encima, como colofón, le da la réplica un gran James Gandolfini en lo que desgraciadamente es su última interpretación.

¿Qué se puede decir de este gran poeta que no se haya dicho ya? Poco, la verdad; sin embargo, con esta película podemos ver al mito y sacar nuestras propias conclusiones de una manera directa y subjetiva.

La capacidad de Pasolini para explicar su concepción del mundo puede encontrarse en numerosos medios artísticos, casi tantos como medios artísticos existen, pues la obra de este genial autor aborda desde la poesía, al cine, pasando por el ensayo y la novela. Pero, en “Pasolini Prossimo Nostro” tenemos una gran aproximación visual al Genio, y podemos ver cómo se mueve, cómo declama sus pensamientos, escuchar su voz…

Esta entrevista-documentada, más que documental, focaliza el diálogo en torno a “Saló, o los 120 días de Sodoma”; su gestación, guión, dirección y producción. A través de dicho rodaje, vamos entendiendo no sólo las metáforas que subyacen en el film, sino que vamos conociendo al gran hombre que se encuentra detrás. Se alterna la entrevista con imágenes y fotografías de la película, que dotan de gran intensidad y dan forma a lo que, con la palabra, evoca el propio Pasolini.

Se va desgranado su humanismo, el marxismo bien entendido, el marxismo en el que yo, personalmente, creo. Nos explica su visión sobre el arte, sobre el concepto de lo “sagrado”, la moral, el fascismo-nazismo, el sexo, el sadomasoquismo y un sinfín de cuestiones, de asombrosa actualidad, con el hilo conductor siempre de la libertad del individuo arrasado por la masa consumista.

En fin, cada frase es un verso de un poema vital declamado por un hombre que entendió el mundo con los ojos y la perspectiva del poeta, cuyo humanismo no fue soportado por nadie y que comprendió el marxismo, doctrina imprescindible, como jamás se había comprendido. Necesario acercamiento a la vida de este mártir que parece declamar, cual rapsoda de la verdad absoluta, todos y cada uno de mis pensamientos que he sido incapaz de ordenar o expresar con claridad.

Quizá mi problema con las series estriba en que comencé con las dos mejores que jamás se hayan grabado hasta la fecha, The Sopranos y The Wire, y haya puesto el listón muy alto, tanto en lo que a series se refiere, como respecto a HBO. Estas dos producciones me parecen, sencillamente, y en una única palabra, perfectas, porque se tomaron en serio todos y cada uno de los elementos del cine, desde lo técnico a lo artístico, en una conjunción insuperable de medios al servicio de, quizá lo más importante en estos casos, la narración de una historia.

True Detective, la serie que ahora nos interesa, lógicamente, no llega a las dosis de intensidad global de Los Soprano y The Wire, a pesar de que posee elementos muy encomiables y que se han de valorar, siempre salvando las distancias con las anteriores. Quizá lo peor de True Detective es que defrauda, porque las expectativas eran demasiado altas, sin que por ello no esté llena de cualidades magníficas que la convierten en una buena y atractiva serie, además de entretenida.

La trama es la manida historia de los dos detectives investigando un asesinato. El punto de partida, aunque muy habitual, en los primeros capítulos se abordó de una forma innovadora, primando la visualidad, el entorno, lo tácito y los elementos periféricos de los dos protagonistas (los cuales están muy bien dibujados psicológicamente). Sin embargo, es al transcurrir el ecuador de la trama cuando ésta empieza a hacer aguas, debido, en gran parte, a la búsqueda de la diferenciación respecto de otras series, en un ejercicio de grandilocuencia que no era necesaria, y debido a la quiebra de 17 años de la trama que resta verosimilitud al conjunto, aunque se salva con un buen final. Si hubiera sido una serie temporalmente lineal, el resultado habría sido mucho mejor.

A su vez, alabo la serie por la conjunción técnica al servicio de dos buenos actores en roles muy diferentes a los interpretados en el resto de sus carreras, con un Harrelson muy comedido, despojado de su característica sonrisa de pícaro y un McConaughey en estado de gracia, maduro y en plenas facultades físicas.

La dirección de Fukunaga ha sabido captar el mensaje del escritor y creador de la serie; nos hemos pringado con el fango de los lagos de Luisiana, hemos sentido la desolación que dejan los numerosos desastres meteorológicos, nos han embriagado los alientos de los beodos pobladores, hemos sentido miedo del diablo, odiado a los arios, sufrido la miseria, nos ha mojado la humedad sureña, hemos rezado, leído a Nietzsche, hemos entrado en un gueto en un maravilloso e imposible plano secuencia…

La grandeza de True Detective es la radiografía social de un lugar concreto de Estados Unidos, gracias a una magnífica fotografía y a un ambiente de sordidez tácito, con ciertas dosis de explicitud que pueden llegar a la náusea, donde hemos ido madurando con sus protagonistas en cada charla filosófica en el interior del vehículo.

Desgraciadamente, True Detective es un caramelo cuyo sabor inicial es muy dulce, pero a medida que lo vamos digiriendo se va poniendo amargo y deja un mal sabor de boca, porque realmente podría haber sido mejor si no hubiera tenido tantas ínfulas ni hubiera buscado una grandilocuencia innecesaria (puesto que lo que falla no es el final, que me parece magnífico, sino la ruptura temporal de 17 años).