Secuela de la espectacular cinta de 2018 y que sobre el papel, parecía ser un producto mas de explotación del reconocido superhéroe de MARVEL, pero termina convirtiéndose en "algo" igual o incluso aún mas grandioso que la primera, pero especialmente por su irreverente y atrevida estética que apuesta por lo más grande todavía, si es que eso era posible.

Y cuando me refiero a ese "algo" no lo hago de forma despectiva, porque cuando se estreno "Spider-Man: Into the Spider-Verse" muchos incrédulos (entre los que me incluyo) acudimos al cine con bastantes dudas sobre el proyecto, pero al salir quedamos extasiados de contemplar una experiencia arrolladora nunca antes vista.

Por si no fuese suficiente con dejar el listón tan alto con esta película animada (sentando un precedente dentro del genero de la animación) los productores (Christopher Miller y Phill Lord a la cabeza) decidieron ir un paso mas allá con esta brutal nueva experiencia y llevando al mítico héroe arácnido a un nivel mas arriba.

Además de continuar el arco argumental de "Miles Morales" y darle mayor peso a "Gwen Stacy" se toma tiempo para hacer una reflexión sobre los riesgos de ser un super-héroe, se explora a conciencia los multiversos con tantas posibilidades como consecuencias, en donde una sola decisión y sobre todo un acto podría significar perderlo todo.

Y es que tratar de describir la colosal batalla que tiene que librar el protagonista por encontrar su lugar en el mundo (o varios mundos) es casi imposible, porque la historia se mueve en medio de una exposición de arte conceptual en donde los estímulos audiovisuales que pasan frente a nuestros ojos se liberan en todo su esplendor.

Otro trabajo mas que sobresaliente dentro del cine de animación y cuyo mayor "defecto" es dejar al espectador literalmente con "la miel en los labios" preparándonos para lo que será "Spider-Man: Beyond the Spider-Verse", una culminación prometedora para cerrar la saga en un techo que parece casi infinito, de seguir manteniendo tan buena salud.

Una película argentina que vendría a ser (al menos en mi caso) casi un "descubrimiento" reciente ya que acudí a su visionado por pura curiosidad, pues me llamo mucho la atención la sinopsis, que leí con mucho detenimiento y al tratarse de un tema relacionado a la ciencia ficción, le di una oportunidad.

Y vaya "sorpresa" que me he llevado, y para bien ya que en poco menos de 90 minutos el director Gustavo Mosquera plantea una intrigante historia que cuando atrapa al espectador, no le soltara hasta el final, pues además de ser interesante, ofrece una posibilidad que, según estudios científicos recientes podría llegar a ser real.

En una época indeterminada en la ciudad de Buenos Aires sucede un hecho que empieza a encender las alarmas de la incertidumbre y miedo entre los administradores del metro subterráneo, uno de sus trenes desaparece sin dejar rastro y en cuyo interior estaba ocupado por aproximadamente 30 pasajeros.

Ante tal circunstancia se pide ayuda a uno de los constructores de la obra original y se cita a las autoridades también para intentar descifrar el enigma de la desaparición, sin embargo el primero le encarga tal misión a un joven topólogo, quien intentara junto con los segundos dar una "explicación" a lo que esta sucediendo.

Mas allá del argumento, que dicho sea de paso posee fundamentos científicos verdaderos, es admirable ver que la idea surgió como un experimento cinematográfico entre el director y varios de sus alumnos, que se pusieron en sus hombros el proyecto, sacándolo adelante de un modo bastante particular, pero realista y verosímil al mismo tiempo.

Una cinta bastante entretenida y que demuestra, que cuando se quiere cumplir un objetivo se lo puede conseguir, no es un camino de rosas por supuesto, pero todo es posible sin duda.

Una hilarante comedia dirigida por John Landis que toma como principal referencia la popular revista de humor "National Lampoon" y de la que también salieron otro títulos de similar calado, pero este film en especial "Animal House" sigue siendo considerada (junto a "Vacation" de 1983) sus "obras cumbres" por decirlo de un modo.

Mas que analizar el film por sus atributos técnicos o estéticos, desde su estreno fue alcanzando un estatus de culto entre el publico, jóvenes en su mayoría que al terminar de verla, salían mas que satisfechos de unos 109 minutos divertidos y llenos de desternillantes gags que sacaron carcajadas (y lo siguen haciendo) sin parar.

La historia básicamente trata sobre un campus universitario en donde conviven dos fraternidades rivales por antonomasia; tenemos a los "Omega", el grupo de adinerados arrogantes, como diríamos por acá los "pelucones aniñados" y después están los "Delta", que se ubican en las antípodas de los primeros.

Si bien podríamos decir que hay muchas películas, series y hasta parodias de similar argumento, es precisamente ese el motivo de su capital importancia dentro del genero de la comedia americana, porque no es sino a partir de este film de 1978 que se "crea escuela" con ese irreverente sentido del humor.

Y algo bastante curioso que hay que reconocerle al trabajo escrito a 6 manos por Harold Ramis, Douglas Kenney y Chris Miller es que cada uno de los "gags" siguen funcionando todavía hoy bastante bien, y confirmando que es una cinta atemporal a la que el tiempo no ha envejecido nada mal.

Sobre el reparto destacar a toda la fraternidad "Delta", entre quienes aparecen Tim Matheson, John Vernon, Tom Hulce, Stephen Furst, Bruce McGill una jovencisima Karen Allen junto a un delirante y casi "desquiciado" John Belushi, además de soporte se dejan ver Donald Sutherland y un casi irreconocible Kevin Bacon.

En la banda sonora además de escuchar canciones de Sam Cooke, Otis and the Knights, Chris Montez, Stephen Bishop, Bobby Lewis, por supuesto la colaboración del inmortal Elmer Bernstein en el tema principal homónimo y Belushi canta un par de canciones mas.

Una pelicula hilarante que me sigue sacando una sonrisa "picarona" cuando la vuelvo a ver.

Martin Scorsese apoyado de nuevo con un potente guion de Paul Schrader, convierten la novela de Joe Connelly en una autentica oda a la supervivencia, desarrollada en uno de los ambientes mas tensos, tristes y brutales de cualquier ciudad, como empleado de servicio nocturno de ambulancia.

Si hay algo que se puede empezar diciendo sobre este crudo film es la forma en que aborda la vida del torturado protagonista, "Frank Pierce" (Nicolas Cage) y esa no es otra que la de ver como se vive su trabajo diario, el enorme grado de presión y estrés al que se ve expuesto cada noche y que tarde o temprano pasaran factura a todo nivel.

A medida que avanzamos nos damos cuenta que la narración va rodeando a este personaje, no existe un objetivo claro para este (mas allá de su urgente necesidad de poder descansar físicamente y encontrar paz espiritual) pero si una exposición de todo lo que significa cumplir "solamente" con dicho trabajo.

Subrayo en lo de "solamente", que se escribe fácil, pero ya enfrentarlo "cara a cara" junto a el, vivirlo de tal manera que sentimos esa misma impotencia de querer y no poder llegar a salvar una vida, de sentir y palpar una ciudad indolente que por las noches se convierte en un campo de guerra y literalmente devora y "no discrimina a nadie, porque va por todos".

La historia es una recurrente representación, vivida e iracunda de lo que sucede frente a nuestros propios ojos, retratado con una sordidez y realismo que reflejan los problemas que ya se veían a finales del siglo pasado y que ahora se han multiplicado 10 o 20 veces a nivel global.

En ese sentido a modo personal debo decir que la forma en que se va presentando cada una de las situaciones es un fiel retrato de lo que viven los paramédicos y choferes de ambulancias en sus respectivos oficios, que exigen un nivel de tolerancia, control, paciencia y destreza en su campo casi sobrehumanos.

Sobre el reparto destacar a un siempre comprometido Nicolas Cage, impecable y entregado a la causa comos siempre. A su lado se dejan ver Ving Rhames, Patricia Arquette. John Goodman y el desaparecido Tom Sizemore en otro de sus inquietantes roles que le quedaban "como anillo al dedo".

De soporte se dejan ver Mary Beth Hurt, Cliff Curtis, Néstor Serrano, Aida Turturro, Arthur J. Nascarella y un joven Marc Anthony, que como curiosidad también se escucha una de sus mejores canciones en la banda sonora. Tambien en un pequeño papel destacar la voz en "off" de Queen Latifah.

Ya para cerrar mi humilde critica la fotografia corre a cargo del legendario Robert Richardosn y en la banda sonora se conto con la colaboración del mismísimo Elmer Bernstein y artistas como Van Morrison, Frank Sinatra, The Who, R.E.M., Jane`s Adicction, etc.

Tan seca como contundente, esta película controversial (incluso a día de hoy) dirigida por el maestro Abel Ferrara nos lleva a descubrir el interior de un ser dañado, cuya única forma de de sobrellevar el dolor causado por un par de mal nacidos (el mismo día) es "aniquilar" (a partir de ahora) a todo hombre que se le acerque, literalmente.

Si hay algo que llama la atención es que el director es primero, lo conciso de todo el relato (vamos, que no se "anda por las ramas" como diríamos por acá) porque junto con el seco guion firmado por Nicholas St. John, en apenas 80 minutos trazan una linea narrativa en donde el personaje tiene una sola misión que cumplir.

Segundo porque dicha misión no es otra que la de cobrar una venganza si, pero que tiene varias capas en su interior, que van mas allá de lo mental y físico de su protagonista, también hay espacio para una denuncia que encierre a todo el genero femenino, un brutal y hasta iracundo mensaje de feminismo.

Es cierto que lo anterior es aplicado de un modo "tosco", duro y sin medias tintas, pero es que lo que intentan transmitir es el profundo olvido e indefensión al que se veían expuestas mujeres por aquellos años y que aun en la actualidad siguen enfrentándose a los peligros de una sociedad machista.


Sobre el reparto destacar la labor de una Zoë Lund brillante, cuya expresión facial juega un papel importantísimo dentro de la historia, puesto que al no poder pronunciar una sola palabra, cada una de sus expresiones simbolizan un descenso a los infiernos de la locura, ira, impotencia y desamparo al que se ve expuesta.

En la banda sonora la participación de Joe Delia, cercano colaborador de Ferrara, cuyo uso peculiar de cierto instrumento para acentuar el miedo y el dolor pone los pelos de punta.

Feminismo a punta de pistola .45.