El Woody Allen de ‘Delitos y Faltas’ y ‘Match Point’ nunca volverá. Pero de vez en cuando, sus películas contienen destellos de genialidad (antaño constantes, actualmente esporádicos) que justifican su visionado. ‘Irrational Man’ nos devuelve al Allen en el que el drama pesa mas que la comedia, retomando conceptos como la culpa, la infidelidad, y el deseo.

El hecho de que no estemos ante una obra significativa dentro de su filmografía, no impide reconocer sus numerosas virtudes: un ritmo ágil, el acertado empleo de las voces en off, los inesperados giros de guión, y unas interpretaciones convincentes. Como era de esperar, Joaquin Phoenix da la talla en su debut con el neoyorquino, mientras que Emma Stone se consolida como chica Allen.

Al contrario que en sus trabajos recientes, el guión contiene elementos más arriesgados que denotan una mayor dedicación en la escritura y en la concepción de sus situaciones. Superior a la media de las producciones actuales, pero, una vez mas, indigna de su inmenso talento.

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Película muy especial, que ataca todos los sentidos del espectador y apela al vínculo emocional entre el ser humano y la tierra en la que ha crecido. 'Amama' analiza la esencia de la tradición y plantea una interesante disyuntiva: ¿estamos ante un concepto estático, o adaptable al paso del tiempo y a las nuevas circunstancias?

Sobre este telón de fondo, Asier Altuna desarrolla un argumento en el que las relaciones entre las diferentes generaciones de una familia vasca se erigen en una fuente inagotable de conflictos narrativos. La naturaleza y la ubicación geográfica adquieren un protagonismo intencionado durante todo el metraje, de manera que casi todos los planos gravitan alrededor de un caserío y el bosque que lo rodea. Sin embargo, a pesar de su vocación localista, 'Amama' hace gala de un espíritu universal a causa de las temáticas que aborda.

Desde el punto de vista estructural, el guión muestra una coherencia abrumadora, casi excesiva, hasta el punto de que su solidez llega a transmitir cierto esquematismo, lastrando de esta manera la fluidez del conjunto. Asimismo, su desenlace adolece de ciertos problemas en la planificación, que restan impacto al un climax muy buen ejecutado pero demasiado lejano del plano final. Parece como si la película suplicara por los títulos de crédito mientras que el director jura fidelidad eterna a su guión.

A pesar de sus defectos, 'Amama' es una película emocionante, que toca el corazón de una manera sincera y plantea cuestiones de calado universal.

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Avalada por cuatro premios (entre ellos, la Cámara de Oro y el Premio del Público) en la pasada edición del Festival de Cannes, ‘La Tierra y la Sombra’ prometía ser uno de los platos fuertes de la sección Horizontes Latinos.

Y la verdad es que la primera película de Cesar Augusto Acevedo es una de esas obras costumbristas que se quedan grabadas en la retina por la sinceridad que desprenden sus imágenes y las emociones que suscita su argumento. El colombiano aborda temas cotidianos como la unidad de la familia y los problemas laborales en un contexto muy particular: un pueblo colombiano cuya economía se sustenta en el azúcar.

A su favor, el micro mundo que se crea en torno a la vivienda familiar, donde se desarrollan todos los conflictos entre un abuelo que regresa a casa después de más de una década, el cabeza de familia que vive momentáneamente postrado en una cama, la mujer trabajadora, la abuela que retiene a la familia en un callejón sin salida, y un niño que corre el riesgo de crecer demasiado pronto.

Acevedo oxigena la narración a través de las tensiones que se generan entre patronos y trabajadores durante la recogida de azúcar, y reivindica a la mujer como una figura capaz de sustentar la economía familiar sin la ayuda del hombre.

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Por lo general, el Gran Premio del Jurado de Sundance suele ser garantía de buen cine, o al menos, de cine diferente. No es el caso de la segunda película de Alfonso Gómez-Rejón.

La frescura y originalidad de su primera media hora desaparecen en favor de la autocomplacencia del director, más preocupado en demostrar sus vastos conocimientos cinematográficos que en desarrollar la interesante premisa de ‘Yo, Él, y Raquel': Rachel es una adolescente que padece leucemia, y Gregg es un compañero de clase cuya madre le obliga a pasar tiempo con ella.

Según transcurren los minutos, descubrimos que el virtuosismo formal intenta ocultar la ausencia de un guión sólido, que incluso se permite el lujo de engañar al espectador y redundar en ideas que se agotan al primer manejo.

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Michael Franco no decepciona con su tercer largometraje, una propuesta tan atrevida desde el punto de vista temático como en su apuesta formal. Predominan los planos largos y la ausencia de movimientos de cámara, aspectos que exigen la monumental interpretación de un Tim Roth de premio.

No hay momentos para los excesos ni para los virtuosismos en esta historia cruda y desasosegaste sobre la vida de un enfermero especializado en pacientes terminales. El director mejicano reflexiona sobre la necesidad de redención de un personaje atormentado con su pasado, y el derecho a la muerte digna de aquellos que han perdido las ganas de luchar.

No sorprende que el guión de Franco se alzara con el premio en el Festival de Cine de Cannes 2015, habida cuenta de las numerosas e interesantes lecturas que contienen sus situaciones, la aplastante coherencia de su estructura (atención a un desenlace necesario), y su capacidad de conmover sin recurrir a la lágrima fácil.

Tampoco conviene perder de vista su homenaje implícito a una profesión tan maltratada por la opinión pública como la de los enfermeros.

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