Destaca el tratamiento que en la versión cinematográfica se da a la novela de Capote. Así lo que se presenta en la novela como un drama con tintes realistas, la película lo convierte en una comedia de alta sociedad con alguna pincelada de dramática. El propio escritor reconoció que el personaje de Holly Golihtly, estaba basado en aquellas jóvenes que se trasladaban del campo a Nueva York, en busca de una oportunidad, y que al cabo de un año desaparceían fugazmente como una mariposa. Sin duda partiendo de su propia experiencia personal, su madre fue uno de esos casos. El personaje, en su traslación al cine, estaba pensado por el escritor, ya desde un primer momento, para Marilyn Monroe, pero la acriz rechazó el papel, por creer conveniente dar un giro en su carrera, buscando papeles más “serios” y menos frívolos.
Esa aparente frivolidad de la vida de la protagonista, se contrapone con la tragedia interior de una chica que se traslada de la América profunda a Nueva York, a la busca de una vida mejor, escapando a una existencia gris y familiar de la que reniega, dibujada con la metáfora del pájaro que no puede permanecer en la jaula.
Llegada a la ciudad se ve obligada a prostituirse, aunque el planteamiento se nos presenta en base a sugerencias, no de manera directa, como también acontece con el personaje de George Peppard, frustrado escritor que se mantiene ejerciendo de gigoló.
El propio guionista se llegó a quejar amargamente de la cursilería de la actriz, negándose a pronunciar algunas de las expresiones que figuraban en el guión.
Muchas de sus sus imágenes, entre otras, la del arranque de la película: Holly desayunando un croissant ante los escaparates de Tiffany’s, la escena final bajo la lluvia, la protagonista cantando en la ventana... así como su banda sonora, con el clássico Moon River de bandera, forman ya parte de la historia del cine.
¿Se puede hacer mejor publicidad de un establecimiento?

Mucho se tiene discutido sobre esta película, si presenta a los indios desde una perspectiva muy parcial. Si el propio protagonista, Ethan, era tan racista como para perseguir sin descanso durante toda la narración a la sobrina raptada con la finalidad de matarla, ante la insoportable idea de que acabe convirtiéndose en una piel roja más, o para despreciar a su sobrino por correr sange india por sus venas. La verdad indiscutible es que estamos ante un western con un profundo halo lírico, que desborda talento. Frank Nugent adaptó la novela de Alan LeMay y Wiston C. Hoch. Destacan los exteriores rodados como tantas veces por John Ford, en el Monument Valley, que aportan aún más brillo al film. La banda sonora de Steiner, exquisita. A destacar: la primera hora de película insuperable: especialmente las escenas entre Ethan y su cuñada. La agilidad con que el director es capaz de articular la historia de la búsqueda con las escenas familiares, sin que se resienta el ritmo de la película, la mítica toma, la evolución que sufre el personaje de Ethan. Y todo el elenco de actores de Ford: desde Ward Bond, a Olive Carey, John Qualen, Hank Worden...

Una de las películas más personales de Hitchcock, junto a Marnie y Los pájaros, donde el autor vuelca gran parte de sus obsesiones. Kim Novak en un papel por la que va a quedar para la posteridad, inicialmente pensado para Vera Miles, hermana de Janet Leigh en Psicosis. Adaptación de una novela de los autores de Las Diabólicas. Hasta llegar a la versión definitiva el guión pasó por muchas manos siendo objeto de distintos tratamientos que no llegaban a convencer al director. Pese a imperfecciones en el guión como la resolución del primer crimen, o algún personaje desdibujado como el de la recientemente fallecida Barbara Bel Geddes, la pelicula alcanza momentos de puro cine, sublimes, ese travelling circular que comienza en el apartamento de Lucy y termina en los establos de la misión... Esa cara anonadada cuando Lucy-Madeleine reaparece totalmente reconstruída y con el pelo recogido. El tratamiento del color colores cálidos en la primera parte y fríos en la segunda, en base a los reflejos de las luces exteriores del piso de Lucy. Los filtros que utiliza el director, especialmente para dar un ambiente de ensoñación en la escena cumbre de la película. Esa banda sonora absolutamente perfecta, evocadora de Bernard Herman...

Vertigo es la historia de una obsesión

Uno de los films más salvajes y perfectos que ha legado el cine: Oda al distinto, al diferente..el término freakie hoy en día está absolutamente desgastado.
Freaks es un concepto yankee, para designar a los fenómenos de feria o de circo.
Realmente, Esta película sufrió toda una serie de vicisitudes desde su extreno, llegando a estar prohibida su exhibición muchos años en algunos países o prácticamente desaparecida. Tuvo una vida comercial muy corta, todos los cines la retiraron. El film fue a parar a los archivos de la Metro y pocas veces se repuso.
La película es impactante. Siempre me llamó la atención alguna cuestión: cómo serían capaz de llevar una vida normal las dos siamesas, sabiendo que las dos estuvieron casadas y fallecieron a la vez de gripe... la bondad de los microcefálicos, la agilidad de Johnny Eck, el hombre sin piernas, la forma de encender el cigarrillo del hombre gusano...
Desde luego, el título que le pusieron en España era incorrectísimo.
Destacar del rodaje la relación de amistad entre el director y los "distintos", frente a la repulsión que producían en los actores profesionales. Inicialmente Victor McLaglen, el actor fordiano, sería Hercules, Myrna Loy sería Cleopatra (según deseos de Irving Thalberg) y Jean Harlow interpretaría a Venus. Pero ninguno de ellos aceptó sus roles. Henry Victor cubrió el rol del forzudo y Olga Baclanova fue contratada como Cleopatra.
Lo que verdaderamente disgustó a los productores y al público en general es la característica más interesente del film, su nota por la que pasa a la posteridad: en el film los auténticos monstruos son las personas normales, salvo excepciones unos seres avariciosos y malvados, y por contra los Freaks se muestran con unos principios morales envidiables.
En definitiva, consigue trascender la fascinación de lo horrible y apelar directamente a la sensibilidad del espectador. Freaks atenta contra el objetivismo estético que propugna el clasicismo, y apunta hacia la fealdad como recurso visual para conseguir el resultado escénico opuesto. Así, filmando a actores-freaks con la máxima ternura posible, descubre la hermosura en lo excéntrico, anteponiéndose a las rarezas fílmicas de David Lynch o Tim Burton.
Considerada obscena, grotesca, extravagante, queda como uno de las películas más poéticas del pasado siglo.

Ultima propuesta de una rara avis de la cinematografía mundial, Mel Gibson, capaz de superar con creces su trabajo como director-creador que como actor. Así, frente a un actor mediocre, escasamente dotado para la interpretación y de registros limitados, su obra como cineasta lo coloca como uno de los últimos clásicos, capaz de ofrecernos películas tan impactantes y personales como esta.
La temática es novedosa, a uno solo le viene a la cabeza un olvidado y prescindible título del eficaz J. Lee Thompson, "Los reyes del sol", con Yul Brynner y George Chakiris, que narraba los conflictos entre pueblos mayas desde la perspectiva kistch de la época.
Está dotada de un ritmo frenético: la película mantiene con extraordinaria precisión el pulso narrativo con una última hora de metraje que no concede un respiro al espectador.
Criticada desde amplios sectores por entender que ofrece una visión apocalíptica violenta y autodestructiva de la civilización maya, personalmente no creo que el director quisiera hacer un estudio antropológico de las civilizaciones precolombinas sino ofrecer una producto de acción y aventuras rodando al estilo clásico.
Destaca por la fuerza de la propuesta visual, la reconstrucción no se ahorra primeros planos sangrientos, utilizando innovadoras técnicas fotográficas, compositivas y de montaje que ayudan a dotar de vigor a un rodaje realizado a tumba abierta.
Una lectura violenta y naturalista que en cualquier caso supone una apuesta valiente y arriegada.