Ya desde hace varios años es una tradición familiar ver el especial de José Mota o bien en Nochevieja o bien en Año Nuevo. Y también es una costumbre personal escribir une breve crítica aquí durante la primera semana del año.

Siempre me alegro de ver lo que prepara José Mota. Me parece alguien ingenioso y entretenido y me sorprende siempre para bien su tremenda capacidad de imitación y el excelente trabajo de caracterización, así que me lo paso bien con su sentido del humor. Dicho esto, a veces la calidad es algo desigual. Por ejemplo, a finales de 2021 nos trajo unos sketches por debajo de la media, pero el año siguiente, 2022, me lo pasé fenomenal viendo su versión del Titanic con los líderes europeos y Putin. Otro ejemplo sería su 'Hora de José Mota', que veía asiduamente hace varios años pero en el que resultaba evidente que nadie por muy ingenioso que sea es capaz de aguantar una hora semanal haciendo parodias de actualidad sin consumirse y quemar sus cartuchos humorísticos, por así decirlo. Este año nos ha traído algunos sketches estupendos junto con otros en los que solo me ha sacado una débil sonrisa. Vamos por partes.

Mota siempre nos cuenta una historia central combinada con sketches secundarios y este formato suele funcionar. En este caso, sus personajes se encuentran en un relato de terror en lo que parece una época medieval. No era lo que me esperaba y hubiera preferido que Mota hubiese dedicado más tiempo a la situación internacional en vez de únicamente al contexto español, pero su decisión da pie a buenos momentos cómicos, como las divertidas imitaciones de Yolanda Díaz, Javier Milei, Joaquín y Alberto Núñez Feijóo (¡casi parece él!). Uno de los mayores puntos fuertes del estilo de Mota es que, sobre todo en los últimos años, incluye una reflexión sobre el papel del humor en nuestras vidas y sobre la importancia de la comedia para ayudarnos a superar malos tragos personales, sociales o culturales, y '2023: Un año de miedo' no es una excepción. Una ocurrente parodia del icónico vídeo de Thriller nos anima a brindar al 2024 con esperanza e ilusión si logramos recordar los beneficios de algo tan curioso, sanador y a veces inexplicable que es la risa. De igual modo, me gustan los momentos en los que Mota sale de la parodia de actualidad para reírse de hábitos o comportamientos algo más extendidos o de cuestiones de sociedad en general. En este sentido el sketch de la cena navideña (situado más o menos a la mitad del especial) me parece muy divertido, original, apropiado y bien desarrollado. El sketch de los calvos tiene mucha retranca gracias al predominio de los juegos de palabras y frases con doble sentido, y lo mismo se puede decir de la secta de seguidores de Mbappé, de la escena en la peluquería, y del debate del político con sí mismo (que me recuerda a alguien en particular...). ¡Qué gracioso!...

Por otro lado, el especial también cuenta con momentos algo más flojos. La escena del 'Jovencito Frankenstein', por ejemplo, me ha parecido demasiado larga y endeble porque no tenía mucha 'chicha' para sustentar las bromas. Dada la bochornosa polémica de Rubiales, también me hubiera gustado alguna parodia más directa (solo hay una alusión, aunque está bien traída). 2023 también ha sido un año en el que el cine ha sufrido cambios y sorpresas, pero con la excepción del sketch de 'Barbie' el cine apenas tiene protagonismo en el especial, y no puedo evitar sentir curiosidad por imaginar una representación algo más desarrollada del cine en este especial de Nochevieja, sobre todo en relación a películas como 'Oppenheimer'.

En resumen, '2023. Un año de miedo' no es el trabajo más pulido de Mota, pero es otra forma alegre y distendida de celebrar, recordar y sonreír.

¡Feliz 2024 a todos!

En el último libro del poema épico de Virgilio, 'La Eneida', Turno derrotado le dice al victorioso Eneas "no vayas con tu odio más allá". Tras un breve momento de duda, Eneas lleno de furia mata brutalmente a Turno. Esta escena resonaba continuamente en mi cabeza mientras veía la perturbadora y potente película 'American History X', que hacía tiempo que quería ver.

Derek, que tras el asesinato de su padre (o incluso quizás un poco antes) comenzó un camino hacia el extremismo neo-nazi, sale de prisión siendo un hombre nuevo que ha abandonado sus antiguas ideas. Su principal problema será cómo reconciliar el hombre que es con el hombre que fue, mientras evita que su querido hermano Danny siga el mismo camino de maldad. Flashbacks en blanco y negro se solapan con secuencias en color para contrastar y mostrar el pasado y el presente.

La impactante y cruda 'American History X' es una tragedia que realiza un retrato inquietantemente realista sobre el extremismo, el racismo, el radicalismo, el supremacismo y el adoctrinamiento en la sociedad californiana, pero su tema más interesante es la posibilidad de la redención. Se siente grandiosa y al mismo tiempo íntima; coral y al mismo tiempo personal; brutal y al mismo tiempo tierna, sobre todo en las escenas familiares. Se trata de una película dura y hasta cierto punto incómoda de ver, pero precisamente por ello, también importante. El racismo es uno de los principales temas de la película, pero en el fondo solo es un efecto secundario de un factor quizás todavía más universal: la senda del odio y la venganza. Estos temas, junto con un excelente guion, que permite que las escenas avancen con fluidez, y sobre todo un soberbio Edward Norton, que aporta elocuencia y sutileza al protagonista, nos dan una película que se queda en la mente de los espectadores mucho después de que hayan terminado los créditos finales. Para citar un ejemplo especialmente duro, el brutal episodio de violencia que lo cambió todo (si han visto la película, saben en qué escena estoy pensando) es retratado en el centro dramático de la película con una amplia variedad de emociones y matices, mezclando la pena, el horror, y la desesperación. Su desenlace, trágico y sorprendente, regresa a uno de los principales temas con ambigüedad espeluznante: ¿realmente es posible dejar atrás ese camino?

Si tuviera que ser crítico, diría que algunos personajes parecen algo simples e incluso infra-desarrollados. Me hubiera gustado saber más acerca de Stacey, Davina y Murray, sobre todo teniendo en cuenta los la posición y fuertes contrastes y puntos de vista que ocupan dentro del macrocosmos del drama. También me hubiera gustado un mayor grado de profundidad psicológica en relación con la profunda transformación personal de Derek tras sus episodios en prisión. Realmente, ¿cómo fue el proceso de su transición y cuáles fueron sus reacciones y pensamientos? Aunque la película muestra parte de este proceso y pasa mucho tiempo sobre todo en su desenlace abordando cuestiones relacionadas, me hubiera gustado saber más sobre las complejidades, las dudas y los conflictos de Derek durante los flashbacks en la cárcel. Pero esto son tan solo comentarios menores dentro de una película importante, especialmente en el contexto de finales de los años 90.

Creo que me costará un tiempo tener ganas de verla de nuevo dada la dureza que representa, pero 'American History X' es una película de visionado necesario para cinéfilos que nos hará sentir espanto e incomodidad y nos invitará a reflexionar sobre cuestiones relevantes e inevitables.

Nota: 8.2 / 10

Observación a los lectores: ¡Gracias por haberos detenido a leer esta crítica! Ya en varias ocasiones he comentado un aspecto que me preocupa. Al final de cada crítica, FilmAffinity pregunta a los usuarios si han encontrado la crítica útil o no. Recuerdo este detalle porque en muchos casos no puedo evitar pensar que a veces se pueden proyectar las polaridades de acuerdo o desacuerdo con el contenido de la crítica y confundirse con su utilidad. Lo que verdaderamente importa no son nuestras discrepancias o puntos de sintonía. ¿Les ha ayudado esta crítica a decidir qué película quieren ver? Absténganse, por favor, de evaluarla en función de cualquier consideración que no tenga que ver con su utilidad, incluido si les resulta divertida o repugnante... Si hay usuarios que pueden estar de acuerdo con mi valoración pero que consideran que mis comentarios no son útiles o vice versa, por favor, puntúen la crítica exclusivamente acorde con su grado de utilidad. Me importa más que la gente ofrezca su perspectiva sobre la utilidad de la crítica honestamente que cuántos votos positivos puede recibir. Prefiero que muchas personas califiquen este artículo como "no útil" (si es que es, efectivamente inútil) aunque estén de acuerdo con mi interpretación a que todo el mundo lo califique como "útil" única y exclusivamente por estar de acuerdo conmigo... Tras esta observación, pasamos a nuestra crítica.


No podía evitar empezar esta crítica diciendo que 'Oppenheimer' me ha parecido... la bomba (Espero, queridos lectores, que podáis disculpar este deplorable juego de palabras...). A lo largo de su destacable filmografía que ya se extiende durante más de 20 años, Christopher Nolan ha abordado temas densos y complejos. Entre ellos, quizás el más existencial sea la constante posibilidad de autodestrucción inherente al ser humano, cuestión explorada en profundidad desde 'Doodlebug' hasta 'Memento', desde 'Inception' hasta 'Interstellar'. Combinando los intereses filosóficos de Nolan, como la subsistencia de nuestra especie, el horizonte moral y el desarrollo de la ciencia, el drama histórico y biopic épico 'Oppenheimer' es una de las películas que mejor sintetizan la visión personal de Nolan como cineasta.

Los dos puntos de vista que componen el hilo narrativo de 'Oppenheimer' se entremezclan y contraponen con destreza como reacciones de fisión y fusión, que al mismo tiempo cada vez se ven más fragmentadas e incompletas, hasta el punto que conducen al mismo resultado: un universo de destrucción y de auto-destrucción. A lo largo del extenso metraje, la película de Nolan nos presenta un estudio de un personaje complejo y paradójico, cuyas diferentes facetas y contradicciones (un amante frívolo pero enamorado, un comunista que no se une al partido...) se exploran en detalle y profundidad. Es una película matizada, sofisticada y hermosamente filmada cuyas tres horas se hacen dinámicas gracias a contar con un adecuado sentido del ritmo narrativo. Todo lo que veo me gusta y me invita a reflexionar sobre la relación entre la ciencia y la política, sobre el paso del tiempo y sobre los momentos en la historia de la humanidad que dejaron un mundo atrás y nos trajeron otro diferente y hasta irreconocible en algunos aspectos. En mi opinión, 'Oppenheimer' alcanza su cenit artístico durante su última hora. La sección central en la que se narra la increíble historia real del desarrollo de la base de Los Álamos y el éxito del test Trinity es, sin duda, una parte brillante de la película, pero creo que lo mejor ocurre justo después. Estoy pensando en una escena en concreto en la que, sin mostrarnos nunca los bombardeos de Hiroshima y Nagasaki, Nolan evoca con una belleza y un pathos desgarradores la visión apocalíptica de la destrucción mediada por la percepción del propio Oppenheimer. Toda este tercer acto contiene escenas igualmente simbólicas y espeluznantes que se quedan con el espectador, ya que reflejan y exponen las extraordinarias dudas morales que acechan a nuestro protagonista y que continúan dando forma a nuestro mundo, para bien o para mal. El mito de Prometeo se utiliza como una decisiva alegoría que resuena a través de toda la película, sobre todo cuando los temas de la culpa, el remordimiento y la venganza gradualmente cobran protagonismo y nos invitan a reconsiderar las creencias y perspectivas que antes teníamos. 'Oppenheimer', al igual que Oppenheimer, redefine y cuestiona hasta los propios conceptos que la sostienen.

¡Y qué decir de las actuaciones! Cillian Murphy está perfecto en el papel principal. Él lleva todo el peso de la película y lo hace de forma magistral en una actuación que merece como mínimo una nominación al Oscar. Robert Downey Jr. nos trae una actuación consistente y pulida en un papel secundario, y lo mismo se puede decir de Matt Damon. Los personajes femeninos podrían haber tenido algo más de desarrollo en el guion, pero tanto Emily Blunt como Florence Pugh les dan complejidad y determinación con dos actuaciones rotundas y bien aprovechadas que funcionan siempre para ayudar a la historia que se nos quiere contar.

Apoyada por efectos visuales alucinantes, personajes redondos, excelentes interpretaciones, una fantástica dirección, una buena banda sonora y repleta de preguntas filosóficas tal vez imposibles de resolver, la creativa y fascinante 'Oppenheimer' es claramente una de las mejores películas de 2023. Me alegro mucho de que haya sido un éxito en taquilla porque eso demuestra que el público está deseoso de ver películas que cuenten historias originales, únicas, y que nos ayuden a entender un poco más el mundo en el que vivimos y el mundo en el que podríamos vivir.

Nota: 8.7 / 10

En su primer minuto, el atmosférico thriller 'A Haunting in Venice' nos mete por calles vacías. La lluvia cae sobre Venecia. Hace frío. Mientras suena una música inquietante, las palomas blancas revolotean de un lado a otro hasta que un cuervo negro sale de la nada y rápidamente se abalanza sobre ellas. En ese momento, Hercule Poirot se despierta sobresaltado y sudoroso. Retirado y cansado de la monotonía de resolver casos, Poirot pasa su tiempo en un jardín de Venecia, hasta que en una misteriosa casa se invocan a los fantasmas del pasado y, tras un brutal, inexplicable y macabro asesinato, Poirot se ve obligado a resolver un nuevo caso. Con las puertas cerradas y sin posibilidad de escapar de la mansión, todo el mundo es un potencial sospechoso.

He seguido con interés durante los últimos 6 años las nuevas versiones de Hercule Poirot protagonizadas y dirigidas por Kenneth Branagh. Me gustó 'Orient Express' por las decisiones creativas y los matices psicológicos que aportaba a la caracterización de Poirot. 'Nilo' me dejó algo frío con una paleta de colores que, aunque interesante, me sacaba del paisaje egipcio. 'A Haunting in Venice' es hasta ahora la película más corta pero también la más compacta de la saga. Con 'Venice', la saga hace una transición tanto temática como en lo que respecta a la popularidad de las novelas en las que se basa. 'Nilo' y 'Orient Express' son dos de las historias más conocidas de Agatha Christie, pero creo que 'Halloween Party' no había sido adaptada nunca antes a la gran pantalla. El resultado es un giro hacia el género de terror que junta la deducción detectivesca con el mundo sobrenatural. En este sentido, la película nos da lo que promete, sin mucha innovación pero sin cometer ningún error garrafal de planteamiento. La saga acierta no solo con este cambio de rumbo si no también al mantener la ambigüedad en las preguntas que plantea. He mencionado antes que lo que me interesaba de 'Orient Express' (y lo que faltaba en 'Nilo') es el desarrollo del personaje central. Este es un aspecto que 'Venice' consigue pulir al hacer que una mente racional se enfrente a cosas que no puede comprender. Los mejores momentos ocurren a medida que Poirot explora y cuestiona los límites de su propio intelecto. En este sentido, la primera mitad de la película resulta más sólida que la segunda, ya que las preguntas que se nos plantean son más sustanciosas que las respuestas que nos dan.

Si bien la idea principal no es muy original, los curiosos usos de la cámara por parte de Branagh junto con una escenografía atractiva y un vestuario variado mantienen la atención del espectador. Desde el punto de vista formal, Branagh sintetiza los giros de cámara que funcionaron bien en 'Orient Express' y los sitúa en un contexto apropiado y con una cinematografía adecuada. A esto se le suma la pertinente introducción de toques humorísticos que suelen recurrir a lo largo de la saga. Al igual que en las películas anteriores, estos momentos divertidos son escasos y están dosificados, así que no van en detrimento del misterio, lo cual se agradece (todos sabemos lo fallido que puede ser el humor cuando no conviene). Curiosamente, la música no fue compuesta por Patrick Doyle, un colaborador habitual de Branagh, si no por la estupenda y hábil Hildur Guðnadóttir. Mezclando sonidos que recuerdan a la banda sonora de 'Tár' y 'Joker', Guðnadóttir nos trae melodías y compases que encajan muy bien en las escenas y contribuyen notablemente a generar suspense y expectación.

Como era de esperar, las actuaciones son buenas por parte de todos los miembros del reparto (en general mejor que las de 'Nilo'). Me parece muy evidente que Branagh disfruta cada segundo de su papel como Poirot y se nota que se lo pasa como un niño. Michelle Yeoh está muy bien en su reducido tiempo en la pantalla y lo mismo se puede decir de Tina Fey, e incluso Jamie Dornan (un actor que, sinceramente, no me gusta demasiado) está, en términos generales, aceptable. La que más chirría, sin embargo, es Kelly Reilly en su papel como Rowena Drake.

Evidentemente, no es una película perfecta. En cuanto a los aspectos menos impactantes de la película, podemos decir que el misterio en sí parece más complejo de lo que termina siendo al final. Hay algunas escenas de exposición que pasan demasiado rápido, casi hasta de forma apresurada. También es cierto que la tensión decae a medida que el argumento alcanza su clímax. Además, a ratos el argumento reposa en clichés innecesarios. A pesar de estos problemas, en general se trata de una película entretenida y apropiada según se acercan las fechas de Halloween. La decisión de adaptar y dar a conocer uno de los relatos menos famosos de Agatha Christie me parece en sí misma loable porque ayuda a exponer al público general a historias que, aunque clásicas, siguen siendo nuevas para muchas personas. Bajo la confiada dirección de Branagh y el trabajo de un buen equipo de montaje y un buen elenco (como viene siendo habitual en esta saga de Poirot), 'Venice' contiene, en mi opinión, escenas interesantes y a veces hasta sorprendentes. Es una película funcional, sí, pero bastante decente e incluso tal vez la mejor entrega de la saga al menos hasta ahora, así que espero que guste a los espectadores. Yo, por lo menos, me alegro de haber ido a verla al cine.

Nota: 6.7 / 10

Tras 'Cuento de Vanidad', que fue, en mi opinión, un caótico y decepcionante programa el año pasado, Mota vuelve en plena forma para traernos uno de sus mejores especiales de Nochevieja de los últimos años. Por esto y dado que la nota media que tiene ahora mismo '¡Sálvese quien Putin!' me parece inmerecidamente baja, he decidido ser generoso con mi valoración.

Ante todo, hay que entender el estilo de Mota como lo que es, no una cumbre de la perfección artística de la historia de la humanidad, sino como una ocasión para recordar lo bueno y reírnos de lo malo que trae cada año que pasa para afrontar el que viene con una sonrisa en los labios. A mí personalmente me gusta Mota: me parece un tipo gracioso, ocurrente y me lo paso bien viéndole de vez en cuando. Y si miramos '¡Sálvese quien Putin!' desde este punto de vista, lo que encontramos es un especial entretenido, divertido y más original que años anteriores que cumple con su cometido y con lo que Mota pretende hacer.

El gran riesgo que corre Mota es que la trama central no tenga gancho. Un sketch aquí y otro allá puede ser más flojo que otro, pero lo que verdaderamente puede deslucir el conjunto del show es que el hilo conductor sea débil. Eso fue lo que sucedió con 'Cuento de Vanidad'. Por suerte, este espectáculo evita colisionar con este iceberg. En otras ocasiones, Mota había sugerido que los políticos españoles actuales no son imitables, a diferencia de políticos anteriores como Mariano Rajoy o Pablo Iglesias que se prestaban más fácilmente a la exageración. En este caso, resuelve este problema al expandir su registro de objetivos a imitar. Otras veces ya había imitado a políticos internacionales, pero no recuerdo ningún otro especial en el que éstos compusiesen el hilo argumental principal. Esta decisión compensa: Imitando la estructura de ‘Titanic’ y reproduciendo una historia familiar en el buque ‘Europa’, Mota construye una aventura en la que la vieja al Visillo debe seducir a Carlos de Inglaterra y en la que intervienen Joe Biden, Tamara Falcó, Miguel Bosé, Giorgia Meloni y Emmanuel Macron entre otros. Al centrarse en un panorama políticos y social más amplio con un mayor registro de personajes, Mota es capaz de seguir sorprendiéndonos con sus acertados manierismos, logradas parodias y un impecable y distintivo trabajo de maquillaje y caracterización.

Estuve viendo el show con una sonrisa de principio a fin. El sketch que abre '¡Sálvese quien Putin!' me arrancó la primera carcajada por la agudeza con la que representa la actualidad, la parodia de acentos locales y el humor gestual. Marca el tono de lo que será un especial gracioso pero que no se aleja de cuestiones sobrias. Por paradójico que suene a primera vista, para bien o para mal, a menudo el ingenio y la comedia se agudizan en las épocas más oscuras o, por lo menos, cuando las cosas no van como esperábamos. Dentro de las letras españolas, Quevedo, por ejemplo, brilla por su ironía y sensibilidad justamente cuando todo se desmorona. Salvando las distancias, algo parecido sucede en 2022 a nivel global, con riesgos internacionales, desafíos sociales, y un encarecimiento de la vida. Mota es consciente de todo ello y '¡Sálvese quien Putin!' está saturado de temas que hacen referencia a la guerra de Ucrania, la inflación, la inestabilidad social, la falta de decoro y respeto institucional… También hay momentos bastante divertidos en el especial de este año, pero todo debe decirse: no todos los sketches son igual de entretenidos. Hay algunos, de hecho, que se hacen un poco largos y que están esparcidos por partes del metraje. En general, sin embargo, este especial es un barco que se mantiene a flote y que aporta más sonrisas y disfrute que años anteriores. Mota concluye con una bienvenida e interesante, aunque ya algo habitual, reflexión sobre el papel del humor en la vida diaria y el valor de la comedia para ayudar a sobreponernos a adversidades.

En resumen, me lo pasé bien con este especial y me permitió recibir el nuevo año con alegría y optimismo.

Gracias por leer estos comentarios. ¡Feliz 2023 a todos!