La importancia que tiene este largometraje se comprende englobándola en el universo fílmico actual del género. Donde la set-piece más explosiva, la más ruidosa o la más repleta de contenido en pantalla, es la mejor. Incluso las propias tramas que sigue el nuevo cine de género están basadas en argumentos que se toman demasiado en serio para la absoluta memez que cuentan. Sin capacidad de impresionar al espectador más allá que por la calidad de sus efectos especiales, y aún con ello, pocas son las que saben utilizar la cámara para ayudar al pobre espectador a comprender lo que ocurre en pantalla. Por todo ello, brilla entre tanta mediocridad una película tan honesta como “The Raid”. Una de las mejores películas de acción de la década porque comprende varias lecciones importantes: Menos es más y la importancia de saber rodar las set-pieces.

En los primeros cinco minutos del largometraje, tendremos una increíble lección de presentación de personajes. Después de ello, comienza la acción sin desenfrenos con únicamente cinco minutos de presentación, pero suficientes como para justificar toda una hora y cuarenta minutos de golpes y disparos. Esa es la habilidad de “The Raid”, crear una narrativa escueta y sencilla, caracterizando lo básico para crear una trama interesante y unos personajes dinámicos, centrándose en los elementos que hacen al género de acción tan divertido y obviando lo demás (Recordemos que la tensión de la película comienza desde el minuto cinco hasta su final).

Aunque a priori los personajes puedan parecer hechos de forma perezosa, no es así. Están realizados de forma milimétrica, concisamente eliminando los elementos que no pueden aportar nada a la trama general. Por ejemplo: La caracterización del protagonista anteriormente mencionada, justifica su lucha por su supervivencia y por hacer lo correcto en un lugar repleto de criminales. Todas sus decisiones tienen sentido gracias a su lógica temática, pero no tiene nada que lo agrande como personaje, únicamente funciona en su contexto. Pero eso habla del carácter funcional de todos los elementos de la película, la relación entre hermanos funciona por su temática basada en la idea de familia, pero nada más porque no profundiza en ello ni quiere. Recrea todo de manera que justifique las decisiones de los personajes en cada una de las escenas, algo que es incapaz de hacer películas de acción modernas de primera línea como “El hombre de acero”. Aún con ello, los secretos que guardan los protagonistas son utilizados como parte de la trama manteniendo el misterio y desvelándose así la caracterización de los personajes como sorpresas del guión. Una forma muy astuta de manejar esa información y mantener la atención del público buscando respuestas.

Comprende que un guión repleto de tramas, arcos o giros únicamente realizados en pos de llenar el metraje para llegar a las dos horas, resulta completamente vergonzoso, destroza el ritmo de la película además de darle un tono ridículo al contenido. La falsa sensación de profundidad o de oscuridad del nuevo blockbuster es algo a lo que “The Raid” quiere mantener alejado. La simpleza que abraza la película y la funcionalidad que pone por estandarte resulta completamente reconfortante para un espectador sobreexplotado con sucedáneos del más rancio y explosivo Michael Bay. Aunque por supuesto, elegir este camino lleva sus consecuencias. La maravillosa idea de crear la misma claustrofobia que sienten los personajes, encerrando también al espectador en el edificio, lleva a la repetición de escenas en pasillos o en habitaciones, la paleta de colores es realmente repetitiva y aunque Gareth consiga exprimir por completo las oportunidades que da un escenario semejante, puede adolecer. El bajo presupuesto que tiene la película se puede observar, sobre todo, en escenas donde ocurre una explosión o hay algún tiroteo, aunque se intenta disimular en la mayoría de la duración, y lo consigue, hay ocasiones en las que destaca demasiado. Pero esos fallos tan nimios son tapados con su honestidad, y todavía no he nombrado los dos elementos que hacen a “The Raid” una autentica obra maestra de la acción.

Su increíble ritmo, parecido más a la sensación que crea una montaña rusa que a una película al uso, es acompañado por sus dos características principales. Los combates entre los actores son algo increíble, los luchadores ofrecerán el máximo de su potencial en pos de sacar las mejores peleas. El estilo de arte marcial Pencak Silat es una forma de combate completamente cinematográfica, la viveza de sus movimientos, la fuerza de sus golpes… El estilo parece realizado para ser filmado, lo que nos lleva al siguiente punto. La cinematografía es uno de los elementos más bellos de la película, sabe crear planos perfectos creando una estética sublime en un apartado olvidado en el nuevo cine de género. Pero sobre todo, la manera en la que mueve la cámara a lo largo de las escenas es algo inaudito, único. Gareth Evans realiza una labor prodigiosa recreando como pocas veces se ha visto en pantalla, que únicamente con la imagen permita al espectador sentir las escenas. La forma de seguir el combate, ser capaz de sostener la cámara en cierto punto para luego atravesar la escena, todo ello ayuda a mantener el ritmo y además consigue no marear al público con todos los movimientos. La fuerza del combate y de la cámara van unidas para plasmar los mejores combates que se han visto en el celuloide desde hace décadas. Combates que sólo podrían ser superados por su segunda entrega, la cual espero con ansias. Todo ello forma una pequeña obra maestra, donde lo más importante, es divertir al espectador hasta el final. Y lo consigue con creces.

Crítica original completa en: http://nachogrimfandango.blogspot.com.es/2014/06/the-raid-el-arte-de-la-cinematografia.html

El director de “Donde viven los monstruos” da la vuelta a una historia personal para transformarla al celuloide. Sin volver está crítica un artículo rosa, comento que cada personaje representa una persona real en la vida del director. Joaquin Phoenix es él, Rooney Mara es Sofia Coppola que fue su exmujer, Scarlet Johanson era Michelle Williams, su pareja durante un tiempo pero con una relación a distancia y Amy Adams su amiga Miranda July. No cabe la menor duda de esta versión ya que los personajes visten con la persona real, incluso en el caso de Miranda, el mismo peinado. La película puede funcionar como una alegoría de sus relaciones y un vistazo más crítico a sus acciones. Con esta historia desvela sus sentimientos respecto al amor, pero es capaz de sacar aún más.

“Her” crea más debates sobre la idea del amor o de una relación antes que darte respuestas sobre ello. La relación entre Samantha (Scarlett Johansson) y Theodore (Joaquin Phoenix) es totalmente verosímil, en especial por dos puntos bastante bien trabajados. La química entre los dos personajes y la atmósfera futurística. El futuro donde transcurre la historia extiende las tecnologías conocidas ahora para inducirnos la idea de que es un futuro cercano. Funciona de una manera magistral siendo la propia Samantha una extensión de la aplicación Siri. Es fácil adentrarse y creer en el universo recreado, siendo ciertas pinceladas detrás de la acción principal las que te envuelven en su mundo, haciéndote pensar en que cada persona tiene su propia historia con una de estas inteligencias artificiales.

Las actuaciones de Joaquin Phoenix y la voz de Scarlett Johansson resultan impresionantes, siendo destacable como el primero actúa sin ninguna ayuda sonora. Dicho de otra manera, las escenas con Samantha las realiza el actor en solitario, y ella grababa su voz en posproducción teniendo la escena previamente grabada para basarse. Son capaces de crear una química entre ellos superior a la mayoría de los romances actuales. Teniendo en cuenta que es un romance de dos personas que no comparten plató nunca y que es la relación entre un humano y una máquina. La labor de ellos es impresionante y una de las mejores bazas de la película, siendo incluso la labor puramente vocal de ella, una de sus mejores interpretaciones.

Crítica original en: http://nachogrimfandango.blogspot.com.es/2014/02/her-un-singular-amor-electronico.html

¿Es posible que Martin Scorsese haya realizado una de las películas más dinámicas y vivas de la década con la friolera de 71 años? Sí, lo es. La calidad de las últimas películas del director demuestra lo equivocado que estaba Tarantino al definir a la última época de los directores como la peor. “El Lobo de Wall Street” puede rodearse entre las grandes del veterano autor, y teniendo en cuenta su carrera, eso es decir mucho. Scorsese consigue adentrarnos en la mayor droga de todas; el dinero, y la victima del mismo; Jordan Belfort. Pero el guión no es original de Terence Winter, es la historia real del protagonista. Sorprendentemente, con una historia de la villanía de Wall Street y sus valores, tendremos una de las mejores comedias de los últimos años.

Jordan Belfort realizó una biografía donde explicaba con todo lujo de detalles todos sus actos malvados y codiciosos. Sin censura, todo real. La película se afirma en la veracidad de lo que cuenta, sin necesidad de poner un letrero recordando que es una historia real. “El Lobo de Wall Street” demuestra un manejo ejemplar de la narración permitiendo al mismísimo criminal, contar sus aventuras. La narrativa la maneja Jordan, que te muestra SU versión de la historia. Con ello tenemos uno de los narradores más mentirosos desde Alex en “La Naranja Mecánica”.

La historia llevada por Jordan nos recuerda constantemente con sus correcciones que él cuenta su versión. Esto es esencial para comprender la obra. La visión misógina y machista es del personaje, las drogas como espinacas para Popeye igual, que su mujer y sus hijos sean objetos equiparables a su coche no es culpa de Scorsese. El propio Jordan cuenta la historia con nostalgia, sin arrepentimientos, si él no se arrepiente de sus crímenes ¿Por qué debería Scorsese castigarlo si el mundo no lo castiga?

Sin resaltar ningún spoiler, el final resulta un espejo donde el espectador se refleja y donde ve como Jordan le está vendiendo el bolígrafo. Su visión de los hechos trata de convencerte, de demostrarte lo impresionante que era su vida y justificar todo lo que hizo. Es un mentiroso dentro de su historia y lo es contándolo. Pero aún así, el espectador inconsciente, determina que no se castiga a Belfort por lo tanto ensalza su modo de vida. Scorsese juega con las expectativas y deseos de ver la justicia cumplida en el celuloide para demostrarte una triste realidad. Ellos no reciben la justicia, los buenos pierden y los malos ganan.

La atracción al mundo es uno de los puntos más destacables y abiertos a debate. La vida de ellos debe demostrar el por qué eligen esa vida, es tan simple como que es realmente divertida. Por ello, nos encontraremos una comedia negra y ácida de tres horas que no baja el ritmo en ningún momento. Es la película más crítica y a la vez, la más divertida del 2013. Aunque no es nada nuevo, la escena de los quaaludes es una de las escenas más divertidas que he podido ver en mi vida. Pero si realmente terminas la obra pensando que esta ensalzando esa vida… pensad que así lo cuenta realmente Jordan y es precisamente por esto por lo que funciona para todos los públicos: los que lo aman y los que lo odian.

Scorsese en una entrevista, definía que la forma de caracterizar a los personajes era la de tratarlos como personajes y no como caricaturas villanescas, ya que cualquiera podría caer en esa vida. Esa visión podemos encontrarla observando, no a Jordan, sino a Donnie. Una persona mediocre al que se le da poder y descubre su verdadera cara. La cadena nunca acaba, Mark Hanna (Matthew McConaughey) es adoctrinado por alguien desconocido, Jordan Belfort (Leonardo DiCaprio) por él y esté a Donnie Azoff (Jonah Hill).

Las actuaciones son realmente esplendidas, destacando a Leonardo DiCaprio que pierde su estatus de estrella para rendirse a un personaje que esnifa cocaína en el ano de una prostituta. Demuestra ser capaz de reírse de sí mismo y enseñarnos un nuevo registro suyo, la comedia física. Jonah Hill demuestra tener talento y unos buenos contactos. Pero la breve aparición de Matthew McConaughey es explosiva. Todo ello con un guión tan increíble centrado en lo ridículo de los personajes que retrata que incluso es capaz de engañar al verdadero Jordan Belfort para hacer un cameo en el final de la película. Martin, no dejes el cine nunca.

Crítica original en: http://nachogrimfandango.blogspot.com.es/2014/02/el-lobo-de-wall-street-el-arte-de.html

No nos encontramos ante una obra de no ficción corriente. No es realmente una pieza histórica que nos explicará el antes y el después de la masacre, es un vistazo a las personas detrás de todo ello, ya sean las víctimas, indirectamente, y a los propios asesinos. Los primeros se retratan como unos cobardes que no se atreven a luchar por sus derechos por miedo a las represalias de un gobierno que razona lo necesario que son, para el estado, los gangsters. Los criminales se demuestran orgullosos y presuntuosos ante la villanía que realizaron. Su violencia ha callado a las víctimas y las opiniones que difieren a sus ideales. Lo increíble de este documental, es la capacidad de contar parte de la historia de un país de forma que se vuelva algo universal. La clave de ellos, como antes mencioné, es que el núcleo de la obra son esas personas, no la masacre.

Es interesante como el mundo del cine influencia a nuestros protagonistas. Estos genocidas adoran el cine Hollywoodiense. Cuentan anécdotas de cómo ciertas películas han influido en su manera de matar, e incluso critica algunos asesinatos que considera sucios en algún largometraje. Estos hombres nos explican sus numerosas formas de matar a los comunistas, alguno con una sonrisa de oreja a oreja, con cierto aire nostálgico. Incluso recriminan a los comunistas, ya que ellos los tachan de verdugos, pero ellos se llaman a si mismos salvadores, y las víctimas eran demonios que debían ser erradicados. Repiten ellos cual mantra `la historia la escriben los vencedores´.

Pero “The Act of Killing” no se queda sólo en retratar el orgullo de los genocidas, esto es más grande. Trata sobre el poder del cine. Los gangsters son influenciados por una visión errónea de películas como “Scarface” de Brian de Palma, ellos ya están ligados a este arte. Y cuando se conoce el poder que tiene el séptimo arte, sabes cómo transciende en la vida de ellos lo que puede crear un verdadero juicio de valor. Joshua Oppenheimer aprovecha el poder de la imagen y de las películas para que los propios asesinos retraten sus actos de maldad. El orgullo de ellos les lleva a aceptar sin miramientos, pudiendo ver como estos representan sus asesinatos de la manera más sobrecogedora.

El director es capaz de unir la indulgencia y la empatía. Les da la indulgencia a los torturadores dándoles una versión idealizada de sus actos, dándoles lo que ellos quieren, reafirmar su poder contra su contrario. Destacando plenamente la secuencia de sueño onírico donde las divinidades recompensan al protagonista principal por sus asesinatos. La empatía la reciben cuando ven sus actos en una pantalla, ven de verdad el reflejo de sus actos. Ellos son incapaces de ver el asunto con una perspectiva alejada de su realidad, no pueden empatizar con las víctimas. Por lo tanto la labor de formar ese sentimiento, lo produce el increíble poder del cine. Ellos sentirán sus actos, sobre todo nuestro principal conductor en este infierno, Anwar Congo.

Nombrando el tema de los reflejos, el principio del documental y el final demuestran la evolución de Anwar, uno de los gangsters principales en masacrar a los comunistas. “The Act of Killing” se vuelve el viaje de Anwar en comprender la gravedad de sus actos y superarlos. En el comienzo, nos lleva a una terraza donde estrangulaba a sus víctimas. Él nos explica gozoso como lo hacía, incluso cogiendo a un compañero y enseñando explícitamente su técnica. Pero entonces, nos demuestra algo de su humanidad que parecía desaparecida. Nos habla de cómo fuma marihuana o bailaba, para olvidar lo que hizo. Sus sueños sobre sus actos. El dolor le persigue pero él no quiere entenderlo.

En su viaje representándose a sí mismo, reafirmará sus decisiones, sus asesinatos. Pero al verlos se siente algo incomodo, y cada vez ese sentimiento crece. Como contraposición a su cambio, existe un compañero suyo que esto solamente le hace crecerse, deseando que esto lo pudiesen ver los niños para comprender su historia. Pero Anwar va sintiéndolo, hasta que finalmente el ejercicio de empatía se completa, debe actuar como una víctima en una de las escenas. La negación es tan grande en él que no puede ordenar sus pensamientos, solamente puede sentirlo. El cambio ha ocurrido en su interior, su corazón y su mente están enfrentándose a la realidad de sus actos. Tanto que al final, el reflejo es volver a explicar cómo mataba a los comunistas en esa terraza, con resultados distintos.

El impacto que ha creado todo este documental ha sido algo increíble. Una nominación a los Oscars es el menor de sus logros. Ha cambiado la perspectiva de los ciudadanos de Indonesia creando el debate sobre la situación actual, que aún el gobierno impidiendo su distribución en cines, Joshua Oppenheimer y su equipo ha conseguido distribuir gratuitamente la película en Indonesia. La valentía de estos cineastas ha supuesto un antes y un después en la sociedad y el impacto positivo que ha podido generar este documental es mejor que cualquier premio y cualquier puntuación de un crítico. Ha conseguido hacer sentir al mundo la situación de Indonesia y ha conseguido cambiar la visión de muchas personas. Por ello “The Act of Killing” es única y uno de los mejores documentales de la historia. Debes verlo para creerlo.

El virus de las princesas Disney es un tema bastante escabroso para mí. Los clásicos referentes a las jóvenes monárquicas llevadas a cabo por la factoría del ratón suelen contener una visión misógina, machista y retrograda. Se podrían escribir auténticos libros analizando las lecturas de estas películas. Pero la `Nueva Disney´ me interesa. La pixarificación de la compañía va a juego con las nuevas tendencias y le hace ponerse en el mapa de nuevo. Aunque particularmente prefiero la magia de la animación 2D, con “Enredados” demostraron tener una habilidad grácil con el 3D además de crear un personaje femenino más complejo. Por ello mi interés en “Frozen” creció exponencialmente, con la curiosidad de conocer qué camino seguiría Disney con sus famosas princesas, hasta que finalmente la vi.

¿Es “Frozen” la película más feminista de todo Disney? Sí, lo es. La obra resulta por momentos una respuesta a las críticas, como la mía, sobre el tratado de las mujeres en sus largometrajes. Tienen unos personajes femeninos complejos y es capaz de solucionar paso a paso cada uno de los problemas que han afectado a las princesas Disney durante toda la historia. Las dos hermanas protagonistas terminan la película siendo unos personajes fuertes y autosuficientes, con varios arcos de evolución tratados con buena mano. No necesitan a un hombre o a un príncipe que solucione todos sus problemas, es más, ellas están escritas en un contexto alejado del hombre.

Es sin duda un gran paso para la compañía. Es capaz de arroparse de lo que hacía Disney especial y arrancarse las antiguas vestiduras que cuanto más tiempo pasaba, mas apestaban. Esta táctica es reconocible por sus giros de guión, basados en las expectaciones ofrecidas a lo que nos tenían acostumbrados. Resaltando la idea, podemos apreciar varios chistes referentes a la idea de princesa conociendo al hombre de su vida y a los cinco minutos enamorándose perdidamente de él, tanto como para casarse. Este hecho sirve de chiste y es reutilizado varias veces a lo largo de la obra con interesantes resultados.

Con ello el humor de “Frozen” parece repetir la funcionalidad que contenía “Enredados”. La carcajada será contagiosa para los pequeños y simpática para los adultos. Los secundarios funcionan febrilmente a lo largo de la película dando correctamente golpes de humor y aligerando el drama de la misma. Las canciones pueden ser cargantes, la vi doblada al castellano y habl o desde esa perspectiva, pueden ser abusivas en su primer tramo pero por suerte en el final resultan casi inexistentes. Por supuesto la animación es arrebatadora, la capacidad para crear la nieve o el hielo es asombrosa, siendo este el apartado más trabajado y donde se ha puesto más énfasis.

Pero el claro eje de la película es la relación entre las hermanas protagonistas. Podrían haber escogido el camino más fácil y hacer a Elsa una villana, pero Disney se arriesga y gana. La relación entre las protagonistas es cuidada el milímetro, buscando la funcionalidad de las dos por separado, pero cuando se unen crean una dinámica con mucha química. Las lecturas de los mensajes en ella son tan simples como perfectas para los niños , como el estar en contra de los prejuicios, a favor de la mujer independiente, a favor de la familia y la amistad. Disney ha salido victorioso después de arriesgar tanto y sacar una obra tan arriesgada como interesante. Pero aún con toda la modernización de la propia película, el marketing de ella se basaba en los secundarios más que en las propias protagonistas. Es increíble como aún con todo, puede ser que nosotros no estemos preparados para “Frozen”.