Después de 25 años...hemos vuelto a casa. Aunque miremos alrededor y muchas cosas de las que nos rodean nos resultan extrañas, algo nos dice que estamos en casa. Los sentidos posiblemente...el olor, el sabor y lo que vemos aunque extraño...nos resulta familiar y lo que es más importante...nos fascina y nos atrae. Si, como antes. Como el Twin Peaks con el que hemos crecido, el que veíamos de pequeño. El Twin Peaks perturbador, delirante, sensual, chistoso y cognitivamente fascinante. Estos dos primeros episodios muestran a un Lynch puro, desatado...entra, da las buenas tardes educadamente y nos arroja a nuestros pies un puzzle hasta ahora indescifrable. Esto es Twin Peaks.

¿Expectativas? Realmente no tenía ningún tipo de expectativas acerca del regreso de Twin Peaks. Pase lo que pase ello no va a enturbiar lo que es y siempre ha sido para mi Twin Peaks. Posiblemente , la mayor influencia artística de toda mi vida. Solo tenía una única expectativa... me da igual el guión, los personajes, las localizaciones... lo único que esperaba era que conservara esa esencia aterradora y surrealista envuelta en cortinas rojas. Y así es. Lynch vuelve siendo él mismo...posiblemente como broche final a su carrera en el celuloide y no podía volver si no tenía las garantías totales de que iba a poder hacer lo que le diera la gana. Y así ha sido.

Tengo buenas vibraciones aunque de momento pocas cosas se pueden sacar claras. Nuevos personajes, nuevos misterios, caras conocidas, otras que aún faltan por aparecer, varias tramas paralelas en diferentes localizaciones, narraciones a-temporales, idas y venidas del pasado al futuro, surrealismo puro, FX vintage rozando al ochentero, gigantes, leños y... cortina rojas. El ritmo va a ser este...lento, espeso, poco diálogo y mucho misterio acompañado de una borrachera visual hipnotizante...de esto último creo que vamos a tener buenas dosis. Me encanta no entender nada, a la vez que me encanta la sensación de no hacerlo.

Un día serán unas pocas y otros días unas muchas...pero al final todas las piezas encajaran. Como siempre (guiño amistoso a los anti Lynchianos que critican por no entender :P). Ese día, se podrá mirar esta nueva aventura con una auténtica perspectiva de éxito o fracaso. Aunque, como nuestro bien aventurado "Lost", a veces lo importante no es la mirada final...sino el goce y disfrute del camino ya recorrido. Y en eso, a mí, Lynch nunca me defrauda.

Estoy ilusionado.

En 6 días a volver a preparar el brazo...nueva dosis!

Irregular pero interesante. La crítica social esta constantemente presente atacando reflejada en el egoísmo individual de cada personaje según en como el incidente afecta a sus respectivos intereses, todos ellos mezquinos a la vez que insignificantes en comparación al conflicto que se nos plantea.

¿Vivir o morir? ¿Vivir para seguir igual? ¿Morir para ser recordado? Se abofetea constantemente a la moralidad del ser humano y se espera transmitir al espectador la vergüenza ajena que se respira en el ambiente. Las interpretaciones son correctas, no es fácil acostumbrarse ver a José Mota en un papel dramático.

El problema es que De la Iglesia no consigue definir bien la propuesta del film...drama con gags humorísticos que más que dar un toque interesante a mi personalmente me molestan intenta ser una comedia negra pero ni la escenografía ni la patente intencionalidad crítica que nos propone el conflicto no invitan a hacer bromas con el asunto. Salma Hayek correcta, tampoco podía hacer mucho más para salvar los muebles. El final previsible y te deja con la sensación de que nada a merecido la pena. Posiblemente, no será recordado por mucho tiempo. Prefiero un final como los chilenos, en casita y con el bolsillo lleno.

LO MEJOR: El retrato de las bajezas del ser humano, la crítica presente en todo momento.
LO PEOR: La irregularidad que acompaña a todo el metraje. Cuando se dejan fluir las cosas se nota, pero por desgracia todo parece demasiado forzado.

Todo en uno. Dosis justas de acción, tensión, intriga, humor, sarcasmo, ironía, enormes diálogos, potentes interpretaciones y un guión con personalidad todo dentro de una habitación de hotel. El “in crescendo” es constante durante los 86 minutos de metraje. Al principio parece que nos encontremos en una reunión entre dos amigos que llevan tiempo sin verse pero esta cotidiana escena acaba convirtiéndose en una batalla moral entre ambos en donde empiezan a aflorar pasados problema enterrados y no resueltos que había entre ellos y con un eje de conexión dirigido en relación a Amy (Uma Thurman, portentosa como siempre.) que era ex-pareja de Vince (Ethan Hawke) y que compartió una especie de romance / aventura con John (Robert Sean Leonard).

La escenografía se nos presenta en un espacio cerrado con pocos elementos destacables a parte de dos camas, una bolsa con drogas, y posteriores accesorios con los que Vince puteara al máximo a su ¿amigo? John. Realmente parece difícil creer en la amistad entre ellos, ya que no es precisamente el comportamiento que esperas que tengo un amigo que te está empujando a la jaula de los leones y quiere que pagues por tus pecados de hace 10 años. Rodado totalmente sin elipsis temporales el director, fantástico Richard Linklater, consigue atrapar e interesar al espectador a medida que va aumentando la intensidad del discurso dramática de los protagonistas. Quizá los primeros minutos de metraje son un tanto insulsos y no se ve claramente hacia donde van los tiros…pero también es un elemento de intriga que dota de cierto realismo a la cinta. Vince consigue dar la vuelta al discurso paternal que John tenía preparado para él y empieza a ametrallarle moralmente con envenenados dardos de culpabilidad que John tenía enterrada desde hace años y años pero que vuelven a surgir al no saber cerrar “correctamente” aquel oscuro capítulo de su vida. El director nos transmite casi de forma angustiosa la tensión vigente en la escenografía consiguiendo que seas capaz de ponerte en la piel de cualquiera de los protagonistas, ya que de algún modo (dependiendo de nuestras convicciones y moralidad) podemos ser capaces de identificarnos con uno u otro. El amigo inmaduro casi treinteañero que consume drogas, la chica guapa con un trauma en la adolescencia que ahora utiliza a los hombres para ascender en su carrera y de esa forma vengarse, y el tímido chaval que perdió el control una noche a causa del alcohol y luego puedo reconducir su vida hacía el buen camino pero que no pago el precio de su acción en su momento.

Las interpretaciones son de escándalo. Ethan Hawke se le nota en su salsa, Robert Sean Leonard clava perfectamente el rol de amigo modelo en apariencia pero que esconde mucha mierda debajo de esa impoluta alfombra y Uma Thurman (una debilidad personal) muestra un papel escueto pero con una sobriedad notable.

(Continua en SPOILER)

El Desvío es un claro ejemplo de Serie B estadounidense de mediados de los 40 con elementos característicos del cine negro pero con unas carencias de guión importantes que manchan inevitablemente el encanto del cine negro de Serie B de la época. Encontramos diferentes elementos clásicos del cine negro como la figura de la “femme fatale”, la utilización continuada de la voz en “off”, o la estética demacrada y despreocupada del protagonista. Una cinta, puro producto Serie B, carne de cañón de las estrategias comerciales de los Majors, los mencionados “Block Booking”. Un film de estética barata pero que podemos considerar bueno, sus aspiraciones son interesantes y nobles pero un poco echadas a perder por un desarrollo del guión un tanto inestable. Su estética y su historia me ha gustado y aunque sea un tanto fácil y a ratos inverosímil resulta atractiva y entretenida de cara al espectador. Un film rodado íntegramente en unos escasos 6 días de trabajo. La intriga que desprende consigue captar rápidamente la atención del mismo y bajo esa estética, siempre atractiva, del “Road Movie” nos clava en el sofá durante los escasos pero intensos 67 minutos de metraje.

El protagonista encarnado por Tom Neal es un pianista que trabaja en un local de Nueva York junto a su pareja que es la cantante. Un buen día ella decide marchar para ascender profesionalmente en su carrera rumbo a Hollywood. El protagonista no soporta su ausencia y al no disponer de recursos suficientes decide ir hacia L.A. en busca de su amada haciendo auto-stop. Una correlación de sucesos inverosímiles y de una causalidad demasiado forzosa hacen que ese viaje se convierta en una auténtica pesadilla. El guión es forzado ya que la causalidad que nos presenta el director Edgar G. Ulmer resulta difícil de creer.

Las interpretaciones son correctas pero salvando a Ann Savage el resto no seducen ni maravillan a nadie. La mencionada actriz simboliza notablemente el papel de “femme fatale” muy característica del cine negro. La primera acción que empieza a descolocarme es ese repentino cambio de opinión del personaje a la hora de irse a L.A. ¿La chica de la que estás enamorado te pide ir con ella y rehúsas la invitación para días después ir solo atravesando el país haciendo auto-stop? Primer síntoma inequívoco de que estábamos ante un guión que cojearía irremediablemente…
¿Un pianista con trabajo que vende todas sus pertenencias y posesiones no tiene mejor opción que ir a L.A. haciendo auto-stop y no tiene dinero ni para cenar? ¿En que se ha gastado el dinero este hombre? Seguimos con el festín de incongruencias…
¿Por qué los focos del coche no llegan a iluminar la carretera? ¿Van en conduciendo en un descapotable y el aire no les mueve el pelo ni las corbatas? Es imposible conducir así…sin duda, con elementos tan claros es imposible no identificar esta cinta como Serie B.

(Continua en SPOILER)

El film tiene un mensaje claro y directo a la vez que gamberro, hablamos del mítico ”Sexo, drogas y Rock’n Roll” bajo los tonos de la estupenda canción de Steppenwolf - Born To Be Wild los cuales son las bases de presentación de esta gamberra y divertida road movie sobre dos tipos (Peter Fonda y Dennis Hooper) que se mueven bajo el simple ideal de la libertad. Su trayecto desde Los Ángeles hacia Nueva Orleans les deparara diferentes aventuras y la posibilidad de interactuar y conocer a personajes de lo más variopintos.

Los protagonistas, con un carisma en pantalla bastante light a mi gusto, tienen un papel correcto aunque algo discreto en sus interpretaciones, aunque Dennis Hopper tiene momentos cómicos realmente buenos. La aparición de Jack Nicholson es fresca, necesaria y al nivel esperado. Merecida nominación al Oscar como mejor secundario a Jack Nicholson por encarnar a un curioso abogado alcohólico que no para de meterse en líos y que complementa perfectamente a este curioso dueto. Además, nos ofrece buenos diálogos y una serie de tics y expresiones que incitan inevitablemente a la carcajada.

El mensaje es atractivo e indiscutible, pero el film está posiblemente bastante sobrevalorado. Lo podríamos considerar una versión light o más pura de “Miedo y Asco en las Vegas” con una psicodelia de imágenes que atrapa al espectador en pantalla y consigue atraer su atención pero buscando mas chicha que la que realmente acaba ofreciendo finalmente el producto. No deja mal sabor de boca si te la tomas como un fácil entretenimiento visual de escape, englobarla en película de culto me parece osado, aunque no es lo mismo saborearla en 2011 que no en 1969. A la buena escenografía le complementa una fotografía más que notable siempre potenciando ese brindis a la libertad del ser humano. El guión a medida que avanza el metraje va haciéndose realmente insostenible y a medida que se nos presenta el desenlace de la trama vamos notando claramente estas carencias. Un film que posiblemente no haya sabido envejecer de la mejor manera posible pero que aún así su esencia, rebeldía y frescura son de agradecer.