Es en filmes como estos donde un director deja de buscar a su público, para que su público sea quien lo busque a él.
El trato académico y analítico del guion retrata una sombría y sublevada etapa de nuestra historia, demostrándonos que somos lo que fuimos y que nunca dejaremos de ser lo que somos: un país dividido y siempre a la gresca.
Amenábar ha sabido imprimir en su película una rotunda lección de historia y, por inviable que parezca, ha sabido dejar la opinión partidista a un lado, para contarnos un relato veraz y tremendamente literario. Es quizás en esa ecuánime visión donde provocará el mayor de sus rechazos entre el público, pues a menudo no sabemos discernir entre literatura o cine, y panfleto político. Sin embargo, Alejandro no se ha alejado del conflicto, su ausencia de partidismo ni resta rigor ni establece censura en su retrato, todo lo contrario, permite colocarse en los dos lados del frente para narrar desde la verdad y la realidad de un pueblo que a menudo no sabe dónde lucha, ni para quién lucha.
A todo ese texto, hay que añadir una contundente y cautivadora dirección artística y ambientación. Una banda sonora nostálgica y unas poderosas interpretaciones de Karra Elejalde y Eduard Fernández. El segundo con su merecido Goya (actor de reparto) bajo el brazo, el primero con el mío, pues de no haber sido casi de obligado cumplimiento para Banderas, hubiese sido él quien se llevase el cabezón de mejor actor protagonista a casa. Sí Miguel de Unamuno se levantase de su tumba, querría reencarnarse en Karra, y eso es mucho decir siendo Unamuno el encarnado.
Como dijo Pérez Reverte en su patente de corso, Alejandro Amenábar merece el honor de formar parte del club de los fusilables, pues no contenta a nadie, ni a uno ni a otro bando. Tan solo satisface a su cine.
El acuse negativo, un pelín de falta de intensidad en algún tramo y un Franco algo menos impostado.

Mezclando la tragedia con la locura, el humor zafio con el inteligente y la crítica social con la parodia nacional; esta película argentina hasta la médula, consigue hacer de una crisis general, una anécdota local, casera y clasista. Y es que esa odisea personal fue realmente una odisea colectiva. Algo tan cruel y devastador como el 'corralito', en manos de Sebastián Borensztein y Ricardo Darín puede llegar a ser entretenido y catártico. Personalmente me sigue fascinando la capacidad que tienen los actores argentinos para parecer que no están actuando, para conseguir que todo sea verdad y auténtico.
Como único pero, quizás hubiese faltado algo más de canallismo, de mala leche, de crudeza.

Ha conseguido ponerme nervioso durante dos horas, cosa que no han hecho ni mis cuñados. Esta histriónica, caótica, suicida, delirante y vertiginosa película de los excéntricos hermanos Safdie me ha descolocado. El curioso estudio voluble y taquicárdico de los personajes, en medio de una trama callejera, criminal y ansiosa, consigue dejarte exhausto. No sé hasta que punto ha metido mano el productor ejecutivo Martín Scorsese en este filme en donde nos damos un 'voltio' por los suburbios de las apuestas, las casas de empeño y los mafiosos de poca monta. El nivel de exabruptos de la película no es apto para mojigatos. Una especie de sensación de me la suda todo recorre cada centímetro de un metraje con estética visual y narrativa áspera, correosa, agitada e inmoral.
La cámara se centra en un abusivo uso de los primeros planos, y es ahí donde por primera vez en su carrera, Adam Sandler nos da síntomas de ser un gran actor. Ha construido un personaje lleno de matices, locura y vicio. No sé si por momentos, Howard Ratner era un pardillo, un listillo, un jeta o un colgado, pero lo que sí creo sinceramente es que Sandler no merece estar en la puja a los Óscar como mejor actor (como así ha sido, pese a que se venía hablando de ello desde el pre estreno) con esta interpretación. Pero de seguir está línea puede que algún año lo consiga. A su lado, un reparto firme que ha sabido jugar sus cartas. Una apuesta urbana y adrenalínica, que pese a su extraña e innecesaria música cósmica, no dejará indiferente a casi nadie.

Pocas, o ninguna vez, he visto una fotografía, realización y montaje tan impecable en el mundo series de España. Esa estética visual de gran nivel se ve acompasada por una música envolvente, sugerente e inspiradora. Este aspecto técnico global de la serie es quizás el factor que me ha mantenido atento e interesado la mayor parte de la primera temporada.
El montaje fragmentado y el preciosismo fotográfico con el que han exprimido la Albufera valenciana sirven de marco incomparable para un guion, historia e interpretaciones que no terminan de romper del todo para llegar a ser interesantes.
Aunque hacen uso del thriller en su su lenguaje cinematográfico, el verdadero laberinto de esta serie recae la realidad moral de las relaciones carnales y afectivas. Pese a que el tema a tratar está bastante maniqueo, exploran con profundidad la complejidad del amor, de la pasión, del sexo y de la libertad; consiguiendo hacer saltar en más de una ocasión las alarmas de nuestros prejuicios íntimos, esquemas emocionales y patrones sentimentales. Lo que creemos que está bien y lo que creemos que esta mal se desdibuja, difuminando la línea de lo prohibido y de la libertad.
El embarcadero es ese lugar donde te marchas o donde te apeas; ese lugar donde comienzan o donde terminan los viajes.
En el desarrollo de su trama, ciertas mermas en cuanto al ajuste del racord temporal, algunos errores conceptuales y un desarrollo demasiado circular hacen que baje la valoración de una producción que no en vano es mejor (para mí) que La casa de papel, de los mismos creadores, aunque haya pasado más inadvertida. Eso sí, creo que es de esas historias que le hubiese bastado una sola temporada. Añadir más es engordar en demasía algo que se cuenta mejor en menos tiempo.

Grandioso reparto, algo manoseado, pero siempre efectivo el que desfila en esta película en la que todo: música, ambientación, lenguaje narrativo y construcción de personajes rezuma a noir de los años 50. Sofisticada, compleja y entretenida. Pese a la falta de ritmo en ocasiones, es una buena adaptación de Edward Norton para una gran novela de Jonathan Lethem.