“Qué camino más extraño me ha llevado hasta ti”. Con esta frase que le dice Michel a Jeanne con las rejas entre ellos dos concluye la película Pickpocket. A pesar de las rejas que separan a Michel de su amada, por fin siente que su alma es libre, cuando su cuerpo está encarcelado. Y es que en la religión cristiana (seguida por Bresson, más exactamente el jansenismo), se ve al cuerpo como la cárcel del alma. La película nos cuenta el camino que realiza el alma de Michel para llegar a ser pura y liberarse.

Michel busca un camino en la vida, su camino, y cree encontrarlo haciéndose carterista, lo cual le da emoción a su vida. Su profesión hace que la policía le persiga hasta encarcelarlo y solo en ese momento consigue liberar su alma, al sentir el cariño y el apoyo de Jeanne (una relación que parece imposible teniendo en cuenta los barrotes que los separan). Las dos almas (la de Michel y la de Jeanne), solitarias y perdidas se unen en ese momento, y Bresson nos deja claro desde el principio del film que quizá nunca se hubieran juntado de no ser por el camino elegido por Michel.

Los actores de Pickpocket eran personas de la calle que Bresson eligió para interpretar a sus personajes. Son personajes sin expresividad, están en la película como modelos que realizan las acciones necesarias para dar el mensaje que quiere el director, y dicen con palabras lo que solo con la imagen no se puede mostrar. Bresson los utiliza como meros objetos al servicio de la historia y de la forma.

Cabe resaltar que en toda la película casi no escuchamos música, lo que es una característica muy utilizada por el director. La música solo se utiliza en los momentos en los que es realmente necesaria, si no sobra, porque entorpecería el seguimiento del espectador sobre el mensaje que nos da la película.

Pickpocket es, sin duda, la gran obra maestra de Robert Bresson, dirigida con todo su estilo y sin entrar en detalles muy profundos en la historia. Pickpocket nos cuenta lo justo y necesario para entender el mensaje espiritual que Bresson quería darnos, y es por esa razón por la que brilla con luz propia.

La ley contra la anarquía. Este es el tema principal que dirige “Pasión de los fuertes”. Eso sí, de una manera muy poética y humana. La anarquía es lo que reina en Tombstone hasta que llega Earp e impone la ley. Los hermanos Clanton intentarán sabotear esa ley, pero los hermanos Earp, con la ayuda de Doc Hollyday, no lo permitirán.

Por lo tanto la ley coge ventaja desde el momento en el que Henry Fonda acepta la estrella de sheriff en el pueblo de Tombstone al este de Kansas. La civilización florece en el pueblo construyendo una iglesia, e incluso organizan un baile, pero la auténtica ley civilizada no llegará hasta después de que los hermanos Earp y Hollyday ganen la pelea de OK Corral. Es al final donde Wyatt se encuentra con Clementine que le dice que será la maestra del pueblo. Clementine es la representación de la civilización absoluta que llega con la educación.

La historia de Wyatt Earp y sus hermanos se ha llevado al cine muchas veces, pero la versión de John Ford es, sin ninguna duda, la más humana. Ford centra toda su atención en los pequeños detalles cotidianos como un corte de pelo o la enfermedad, más que en la batalla en OK Corral.

La interpretación de Henry Fonda como Wyatt Earp, es lo que marca la mayor diferencia entre las otras versiones y esta. Ford nos presenta al vaquero como un recién llegado con experiencia que se levanta cuando entra una mujer en la habitación, sabe bailar o se enamora, y no como el típico hombre de acción.

Quizá por eso tiene una relación tan confusa con Doc Hollyday, porque éste sí que representa al hombre de acción, aunque también de manera diferente a la habitual, ya que a pesar de ir de tipo duro, Hollyday nos deja ver su pasión por la poesía en ese precioso plano en el que él mismo termina de recitar a Hamlet, acercándonos un poco más a su miedo al inevitable destino que le depara su enfermedad, la tuberculosis: “pero ese miedo a lo desconocido después de la muerte, el país por descubrir de cuyo objetivo nadie puede volver, desconcierta a la voluntad”.

Earp y Hollyday son la pareja más importante de “Pasión de los fuertes”, enfrentados al principio, llegan a una especie relación relajada y sin problemas hasta que Wyatt cree descubrir que Hollyday fue el que mató a su hermano. Después de este punto de tensión la pareja terminará de unirse en un objetivo común: su odio hacia los hermanos Clanton. Este odio se vengará al final de la película cuando ellos y los hermanos de Wyatt se enfrentan a los Clanton. Hollyday se sacrificará para que Wyatt Earp salga victorioso (igualmente iba a morir por su enfermedad).

“Pasión de los fuertes” nos descubre a un John Ford poético, con detalles muy sensibles y humanos, pero también nos muestra los simbolismos típicos del western como la imposición de la ley en sitios descivilizados. La mezcla de ambas cosas hacen de este western, una de las películas más logradas de este genio del cine.

M, El vampiro de Dusseldorf, dirigida por Fritz Lang en el año 1931 narra la historia de un asesino en serie. La película fue la primera obra sonora del director y está basada en una historia real.

El asesino (Peter Lorre, en una grandísima interpretación), seduce a las niñas comprándoles caramelos y después las asesina, aunque los asesinatos siempre aparecen fuera de plano, mientras nosotros vemos el plato vacío de la niña que no llega a comer, o el globo que llevaba en la mano volando sin rumbo. Cuando el asesino va a cometer un crimen escuchamos siempre la misma melodía que nos da la pista para saber qué es lo que pretende Hans Beckert (Peter Lorre) en ese momento.

Es una película en la que el suspense está presente continuamente, no por saber quién es el asesino (a quien le vemos el rostro muy al comienzo de la película), si no por saber cuándo le cogerán y qué harán con él, ya que no sólo la policía le persigue, si no que el hampa de la ciudad también decide organizar una persecución hasta atraparle, porque el gran control policial que hay está entorpeciendo su trabajo.

Se podría decir que esta emocionante película de Fritz Lang, al margen de la historia que narra (la del asesino de niñas), refleja la situación de la Alemania de principios de los años 30, cuando la república de Weimar estaba en sus últimos años y el partido Nazi a punto de llegar al poder. La oscuridad de la película, todas las sombras que refleja, los antros que enseña, las calles oscuras, grises, la inseguridad ciudadana…Todo esto nos está reflejando la situación política que se vivía en la que no había seguridad, la gente no creía en sus líderes políticos, y el paro y la ruina económica había acechado a mucha gente del país. Por otro lado, la comparación que hace Lang entre el hampa y la policía de la ciudad, refleja como la clase baja de aquellos años era tan eficaz o mejor, que la clase alta, o mirado desde al punto contrario que la clase alta del momento, era tan rastrera como los delincuentes de la ciudad.

Una película imprescindible (considerada como una de las obras maestras de Firtz Lang) en la que el director nos deja ver su talento, y su magnífica utilización de la iluminación y el sonido (como sabe utilizar la melodía que silba el asesino, aún siendo su primera película sonora). M, El vampiro de Dusseldorf, una película para ver y entender la sociedad de una época ya pasada.

¿Es posible que durante toda una película estés esperando expectante a que unos presos que pueden haber matado a sangre fría se escapen de la cárcel y queden inmunes? Sí, lo es. Esto es precisamente lo que consigue Jacques Becker con “La evasión”.

Todo en la película está compuesto para que el espectador se meta de lleno en la huida. No sabemos nada de los personajes, aparte de que son cuatro más uno y que están encerrados (cuatro de ellos son una piña, el quinto es el nuevo y es del que más información tenemos). La escapada empieza desde muy al principio, y además está filmada con todo detalle (cuando empiezan a hacer el agujero en la habitación vemos un plano de unos 4 minutos de duración en el que van cambiándose entre ellos para golpear y vigilar).

Por todos estos detalles, Becker consigue que el espectador se meta en la huida, se sienta parte de ella, y solo desee que los presos consigan escapar. Igualmente hace que nos sintamos furiosos cuando el quinto preso se chiva y de esa manera rompe la ilusión que los personajes y nosotros, los espectadores, nos habíamos creado.

El quinto preso, Gaspard, se hace odiar al final de la película, igual que anteriormente llega a dar lástima. Lástima porque claramente no llega a integrarse en el grupo de presos (ya que llega el último a la celda), y porque es el único que parece verse obligado a contar el porqué de su encarcelamiento. Puede que estas razones (aparte de que el director le diga que la denuncia contra él ha sido retirada y saldrá pronto), sean las causantes del chivatazo, pero de todas maneras su actitud no se ve justificada ni por sus compañeros (que aunque sin verle como a uno de ellos han confiado en él), ni tampoco por los espectadores, tan metidos en “La evasión”.

Jacques Becker consigue con esta obra maestra que los espectadores se sientan también a punto de escapar, sienten el esfuerzo de los presos, el cansancio de los presos, y por supuesto, la desilusión de los presos al sentirse traicionados.

Dardo tiene una batalla pendiente con el halcón, un alemán que tiene invadido Lombardía, no solo por tener oprimido a su pueblo si no también porque secuestra a su hijo y en su momento le robó a su mujer. Dardo para vengarse secuestra a la sobrina del magnate que acabará enamorándose de él. Con la ayuda de ésta, de su fiel amigo (Nick Cravat) y del resto de sus hombres acabará destruyendo al opresor y recuperando a su hijo.

Dardo mantiene hasta la mitad de la película que cada cual debe mirar por sí mismo sin la ayuda de nadie, y son estos también los valores que transmite a su hijo, hasta que lo secuestran y Dardo resulta herido. En ese momento no le queda más remedio de aceptar la ayuda de todos sus amigos y de esa manera se dará cuenta de lo importante que es tener a alguien apoyándote.

“El halcón y la flecha” aunque en algunos aspectos técnicos está un poco obsoleta (el tecnicolor le da unos colores exagerados, y está todo grabado en interior), es una película muy vital y llena de movimiento en la que tanto Burt Lancaster como Nick Cravat demuestran sus aptitudes acróbatas y hacen todas las peleas más divertidas y dinámicas (Esta es una de las dos películas que Burt Lancaster realizó acompañada de Nick Cravat, su antiguo compañero de circo, sin ser doblado).

El final de la película es emocionante y es la guinda que corona esta gran película en la que todos desde el director Jacques Tourneur hasta los actores hacen un trabajo excelente. Ya que es en el final donde el bien prevalece sobre el mal que tanto daño ha hecho al pueblo invadido y a nuestro protagonista.

Esta película de Jacques Tourneur tiene todo lo que una buena película de aventuras debería tener. Tiene un buen guión escrito por Waldo SALT (de ahí esas ideas izquierdistas), aventuras para intentar recuperar al hijo de Dardo, una pareja que se va enamorando a lo largo de la película y sobre todo una gran historia de amistad.

Y es que la amistad es la idea predominante en esta película en la que el aire izquierdista se respira en el ambiente. “El halcón y la flecha” no deja de disparar “dardos” en el que hay un mensaje muy claro: se lucha mejor en equipo (con amigos, camaradas) que solo.