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Críticas de sonia93
1 de mayo de 2024
4 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Luca Guadagnino nos transporta al mundo del tenis profesional junto a Zendaya, Josh O'Connor y Mike Faist. Grandes nombres para lo que, en principio, sería una gran película pero ni de lejos se acerca.
El director, Luca Guadagnino, tiene una forma de dirigir que me gusta mucho. Cuenta a sus espaldas con películas como Call Me By Your Name, el remake de Suspiria y Hasta los huesos. Todas magníficas, pero esta, lo siento, no es de las mejores. Challengers está impregnada de su esencia. Sabe muy bien cómo transmitirnos el calor del verano, los primeros acercamientos en una relación amorosa juvenil correspondida o no... pero carece de la profundidad, de la sordidez que está patente en otras obras suyas.
El trio protagonista está muy acertado. Se nota que han tenido una gran preparación física y técnica ya que en los momentos de tenis parecen profesionales, cuerpos estilizados y en forma con movimientos muy fluidos durante los partidos. A Zendaya y Mike Faist les auguro un futuro prometedor.
Pero tras comentar todo esto, si desgranamos más la película nos quedamos vacíos. Lo que más consigue destacar es la música y, sin este apartado, no funcionaría a ningún nivel. Las canciones que suenan en los momentos más decisivos son electrizantes, consiguen ponerte de los nervios con solo sus beats.
Y ahora llegamos al mayor problema que tiene la película: es un film sobre tenis y no puede ser que en ningún momento se vea un punto entero. Lo que busca es la estética con planos curiosos como la cámara siendo la pelota, por ejemplo. Los partidos se resumen en planos cortos, con mil cortes en cada jugada por lo que toda la tensión que se podría generar viendo el partido, los momentos decisivos, quedan relegados a una música machacona que genera la tensión. Es como si en una película de acción durante un tiroteo cortan el plano mil veces y cada vez los personajes situados en distintos puntos sin una linealidad que permita seguir la acción. Esto es lo que ocurre aquí. Gran error.
En su parte dramática la historia es muy sencilla, no ocurre mucho más de lo que se ve en el trailer. La relación de estos tres no interesa más allá de lo que se muestra en un principio.
En resumen: grandes interpretaciones y momentos musicales techno durante los partidos que no son suficientes para hacer una gran película ya que el guion es simplón y las escenas de tenis son un despropósito más allá de la escena final (que admito aquí si que está bien rodada y sin duda original) y de lo visualmente estético de ellas.
El director, Luca Guadagnino, tiene una forma de dirigir que me gusta mucho. Cuenta a sus espaldas con películas como Call Me By Your Name, el remake de Suspiria y Hasta los huesos. Todas magníficas, pero esta, lo siento, no es de las mejores. Challengers está impregnada de su esencia. Sabe muy bien cómo transmitirnos el calor del verano, los primeros acercamientos en una relación amorosa juvenil correspondida o no... pero carece de la profundidad, de la sordidez que está patente en otras obras suyas.
El trio protagonista está muy acertado. Se nota que han tenido una gran preparación física y técnica ya que en los momentos de tenis parecen profesionales, cuerpos estilizados y en forma con movimientos muy fluidos durante los partidos. A Zendaya y Mike Faist les auguro un futuro prometedor.
Pero tras comentar todo esto, si desgranamos más la película nos quedamos vacíos. Lo que más consigue destacar es la música y, sin este apartado, no funcionaría a ningún nivel. Las canciones que suenan en los momentos más decisivos son electrizantes, consiguen ponerte de los nervios con solo sus beats.
Y ahora llegamos al mayor problema que tiene la película: es un film sobre tenis y no puede ser que en ningún momento se vea un punto entero. Lo que busca es la estética con planos curiosos como la cámara siendo la pelota, por ejemplo. Los partidos se resumen en planos cortos, con mil cortes en cada jugada por lo que toda la tensión que se podría generar viendo el partido, los momentos decisivos, quedan relegados a una música machacona que genera la tensión. Es como si en una película de acción durante un tiroteo cortan el plano mil veces y cada vez los personajes situados en distintos puntos sin una linealidad que permita seguir la acción. Esto es lo que ocurre aquí. Gran error.
En su parte dramática la historia es muy sencilla, no ocurre mucho más de lo que se ve en el trailer. La relación de estos tres no interesa más allá de lo que se muestra en un principio.
En resumen: grandes interpretaciones y momentos musicales techno durante los partidos que no son suficientes para hacer una gran película ya que el guion es simplón y las escenas de tenis son un despropósito más allá de la escena final (que admito aquí si que está bien rodada y sin duda original) y de lo visualmente estético de ellas.
7 de febrero de 2022
4 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
Desde que supe de este proyecto, las expectativas eran altas. Con Paco Plaza a la cabeza, director de una de las mejores películas de terror español (REC) y con Carlos Vermut en el guion (después de habernos volado la cabeza con Magical Girl), la cosa no podía salir mal.
El tema de la vejez ha sido tratado mil veces en el cine con mejor y peor resultado. Así de primeras me vienen a la cabeza la reciente Relic (que fue un poco desastrosa) o La visita (más acertada por mezclar terror y comedia). En este caso, la carga dramática es tan alta, que el fino hilo que separa el drama del terror se rompe y poco a poco nos va calando y creando una sensación incómoda. No es un drama 100% realista, según avanza van incorporándose toques sobrenaturales.
El principal problema que le veo es su comienzo que nos da muchas pistas sobre como acabará. Aunque es cierto que la película tiene muchas capas, muchos detalles que Plaza nos va soltando en cada fotograma (como explicaré en spoiler) haciendo a la película mucho más compleja de lo que a simple vista puede parecer
Está muy bien interpretada y técnicamente impecable con buena fotografía y música. Se agradece que no haya jumpscare y en términos generales me ha gustado. Un poco repetitiva pero entiendo que es necesario para contar esta historia. Me hubiera gustado saber mucho más de la abuela y ver escenas más impactantes.
Sin duda la recomiendo, aunque entiendo que al público general pueda no gustar.
El tema de la vejez ha sido tratado mil veces en el cine con mejor y peor resultado. Así de primeras me vienen a la cabeza la reciente Relic (que fue un poco desastrosa) o La visita (más acertada por mezclar terror y comedia). En este caso, la carga dramática es tan alta, que el fino hilo que separa el drama del terror se rompe y poco a poco nos va calando y creando una sensación incómoda. No es un drama 100% realista, según avanza van incorporándose toques sobrenaturales.
El principal problema que le veo es su comienzo que nos da muchas pistas sobre como acabará. Aunque es cierto que la película tiene muchas capas, muchos detalles que Plaza nos va soltando en cada fotograma (como explicaré en spoiler) haciendo a la película mucho más compleja de lo que a simple vista puede parecer
Está muy bien interpretada y técnicamente impecable con buena fotografía y música. Se agradece que no haya jumpscare y en términos generales me ha gustado. Un poco repetitiva pero entiendo que es necesario para contar esta historia. Me hubiera gustado saber mucho más de la abuela y ver escenas más impactantes.
Sin duda la recomiendo, aunque entiendo que al público general pueda no gustar.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
Ver todo
Argylle
19 de marzo de 2017
3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
¿Que decir de Carol? En una industria en la que el tema de la homosexualidad no es muy tratado o más bien no bien tratado, encontramos una gran joya. Teniendo de referentes en el cine gay masculino a Brokeback mountain y Philadelphia entre otros, nos encontramos un poco huérfanos en el lado femenino ya que sólo hay comedias simples o dramas como La vida de Adele donde lo que más llama la atención es la escena de sexo. En esta la cosa va más lejos.
La palabra que mejor la define es elegancia. Elegancia en cada plano. Y es que no sólo es una película sobre amor homosexual. Eso puede ser lo que la haga diferente pero en realidad no es más que una historia de amor, como podría haber sido otra cualquiera, que trata el primer amor, el miedo al rechazo y a lo desconocido. Retrata muy bien el lesbianismo en aquella época en la que no estaba bien visto (no pensemos que actualmente ha cambiado mucho ya que sigue siendo mal visto aunque en menor medida), y no sólo la orientación sexual sino el papel de la mujer. Lo podemos ver en Carol, una madre de una niña pequeña que lo único que hace es ser una mujer florero, pasar el día en casa o ir a fiestas con su marido del que está divorciándose.
Entiendo que no es una película para todo el mundo. El ritmo en ocasiones puede ser lento si realmente no conectas con las protagonistas o no entiendes la inmensidad de lo que quiere expresar.
Ya la he visto dos veces, y debo decir, que es de esas películas que gana cuantas más veces la ves porque te fijas más en los detalles, esas miradas de deseo de Carol, de curiosidad de Terese, esas caricias, la indecisión de Terese, el carácter de Carol. Una historia sencilla pero que llega al corazón. Serán dos horas de películas pero deseas que fuera todavía más larga porque es capaz de transmitir ese amor, como si realmente lo estuvieras viviendo, y eso, señores, sólo lo consiguen las grandes películas.
Las interpretaciones sublimes pero el apartado técnico no se queda atrás. La música de Carter Burwell perfecta, el tema principal tiene ese poder para conmover, y lo podemos escuchar desde el primer momento, con ese plano secuencia inicial por las calles siguiendo a un desconocido a un restaurante. Luego volveremos a escucharlo en otros momentos más especiales. Para mí, justo merecedor del Oscar (una pena que lo ganara Ennio Morricone). Una fotografía que nos sumerge realmente en los años 50 con planos a través de cristales, con tonos pastel, muy típico del cine de Todd Haynes, que se mantienen en nuestras retinas. No lo neguemos, este director tiene un don para las películas de época.
En spoiler además de hablar sobre detalles concretos de la película y lo comparo un poco con el libro.
La palabra que mejor la define es elegancia. Elegancia en cada plano. Y es que no sólo es una película sobre amor homosexual. Eso puede ser lo que la haga diferente pero en realidad no es más que una historia de amor, como podría haber sido otra cualquiera, que trata el primer amor, el miedo al rechazo y a lo desconocido. Retrata muy bien el lesbianismo en aquella época en la que no estaba bien visto (no pensemos que actualmente ha cambiado mucho ya que sigue siendo mal visto aunque en menor medida), y no sólo la orientación sexual sino el papel de la mujer. Lo podemos ver en Carol, una madre de una niña pequeña que lo único que hace es ser una mujer florero, pasar el día en casa o ir a fiestas con su marido del que está divorciándose.
Entiendo que no es una película para todo el mundo. El ritmo en ocasiones puede ser lento si realmente no conectas con las protagonistas o no entiendes la inmensidad de lo que quiere expresar.
Ya la he visto dos veces, y debo decir, que es de esas películas que gana cuantas más veces la ves porque te fijas más en los detalles, esas miradas de deseo de Carol, de curiosidad de Terese, esas caricias, la indecisión de Terese, el carácter de Carol. Una historia sencilla pero que llega al corazón. Serán dos horas de películas pero deseas que fuera todavía más larga porque es capaz de transmitir ese amor, como si realmente lo estuvieras viviendo, y eso, señores, sólo lo consiguen las grandes películas.
Las interpretaciones sublimes pero el apartado técnico no se queda atrás. La música de Carter Burwell perfecta, el tema principal tiene ese poder para conmover, y lo podemos escuchar desde el primer momento, con ese plano secuencia inicial por las calles siguiendo a un desconocido a un restaurante. Luego volveremos a escucharlo en otros momentos más especiales. Para mí, justo merecedor del Oscar (una pena que lo ganara Ennio Morricone). Una fotografía que nos sumerge realmente en los años 50 con planos a través de cristales, con tonos pastel, muy típico del cine de Todd Haynes, que se mantienen en nuestras retinas. No lo neguemos, este director tiene un don para las películas de época.
En spoiler además de hablar sobre detalles concretos de la película y lo comparo un poco con el libro.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
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31 de diciembre de 2014
3 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
¿Por dónde empezar? Donde aparezca el nombre de Alex de la Iglesia sabemos que estamos ante una buena película (y como siempre con la aparición de su mujer). Estéticamente muy cuidada pese a no salir "casi nunca" de la casa, buena música... Lo más destacable es la actuación de Macarena Gómez (como Montse) que va de cabeza al Goya. Siempre encasillada en papeles cómicos, demuestra que tiene un potencial como pocos en el cine español. Da auténtico miedo. El resto de actores también están perfectos (Luis Tosar, Nadia de Santiago) pero todo el interés de la película recae en Montse. Vemos como va evolucionando, pequeños destellos de locura poco a poco aumentando hasta que estalla la tormenta.
Musarañas tiene dos problemas. El primero es la crítica a la Iglesia totalmente innecesaria. Entiendo que es una película de fanatismo religioso (muy bien tratado), opresión y miedo pero hay comentarios (el primero y el más directo nada más empezar la película) que se podrían haber evitado. Como siempre, el cine español politizado
¿El segundo problema? Pese a resultar entretenida, muy cuidada en todos los niveles con una historia muy buena y haber bastantes giros argumentales es olvidada con mucha facilidad. Le falta un algo, puede que los acontecimientos finales sean muy precipitados y vayan por la resolución fácil, puede que sea una historia un poco previsible o puede que nos recuerde Misery y Carrie.
Musarañas tiene dos problemas. El primero es la crítica a la Iglesia totalmente innecesaria. Entiendo que es una película de fanatismo religioso (muy bien tratado), opresión y miedo pero hay comentarios (el primero y el más directo nada más empezar la película) que se podrían haber evitado. Como siempre, el cine español politizado
¿El segundo problema? Pese a resultar entretenida, muy cuidada en todos los niveles con una historia muy buena y haber bastantes giros argumentales es olvidada con mucha facilidad. Le falta un algo, puede que los acontecimientos finales sean muy precipitados y vayan por la resolución fácil, puede que sea una historia un poco previsible o puede que nos recuerde Misery y Carrie.
28 de diciembre de 2014
4 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Una vida de gloria, bien vale un momento de dolor"
"El que lucha sin descanso triunfa"
Salir del cine emocionado, con ganas de luchar, de dar todo por tus sueños no ocurre siempre pero Angelina Jolie lo consigue. A lo largo de toda la película pasas por distintos estados... tristeza, rabia, ansiedad.... La historia de Louis Zamperini (basada en hechos reales) es un viaje lleno de calamidades y en muchos momentos desesperación, al borde de la muerte. Redención, esfuerzo, supervivencia, lucha, fe son palabras que vienen a la mente al recordar el film, una historia de superación que muestra la capacidad del ser humano por aguantar un número impensable de palos, de caer y saber levantarse. Puede que en sus casi dos horas y media resulte lenta en algún momento pero es tal la moraleja y sentimientos que desprende que no puedes más que decir que estamos ante un peliculón.
En su segunda película como directora, Angelina Jolie vuelve a hacer una gran película tras "En tierra de sangre y miel".La fotografía es de las mejores que he visto este año, al igual que la música. Espero que algún Óscar caiga porque se lo merece. No sólo el apartado técnico es de sobresaliente sino sus actuaciones sobre todo la de Jack O'Connell y "Miyagi" los cuáles protagonizan los momentos más tensos con sus miradas. Puede que sea una película más de guerra pero los valores que proclama no los encontramos en otras.
"El que lucha sin descanso triunfa"
Salir del cine emocionado, con ganas de luchar, de dar todo por tus sueños no ocurre siempre pero Angelina Jolie lo consigue. A lo largo de toda la película pasas por distintos estados... tristeza, rabia, ansiedad.... La historia de Louis Zamperini (basada en hechos reales) es un viaje lleno de calamidades y en muchos momentos desesperación, al borde de la muerte. Redención, esfuerzo, supervivencia, lucha, fe son palabras que vienen a la mente al recordar el film, una historia de superación que muestra la capacidad del ser humano por aguantar un número impensable de palos, de caer y saber levantarse. Puede que en sus casi dos horas y media resulte lenta en algún momento pero es tal la moraleja y sentimientos que desprende que no puedes más que decir que estamos ante un peliculón.
En su segunda película como directora, Angelina Jolie vuelve a hacer una gran película tras "En tierra de sangre y miel".La fotografía es de las mejores que he visto este año, al igual que la música. Espero que algún Óscar caiga porque se lo merece. No sólo el apartado técnico es de sobresaliente sino sus actuaciones sobre todo la de Jack O'Connell y "Miyagi" los cuáles protagonizan los momentos más tensos con sus miradas. Puede que sea una película más de guerra pero los valores que proclama no los encontramos en otras.
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