El reto es contar la noche que pasan juntas dos mujeres en una habitación de un hotel en la capital italiana, sin salir de ese espacio y sin traspasar el margen temporal de una horas. Elena Anaya es la española, lesbiana de nacimiento, que seduce a la rusa Natasha Yarovenko, heterosexual pero atraída por primera vez por una persona de su mismo sexo.

La cámara no sale de la habitación, encuadra a las protagonistas desde el balcón que da la calle, las recoge cuando están dentro y las vuelve a dejar desde ese mismo balcón. Las factura visual de las bellas imágenes mezcladas con las repetitivas canciones de Jocelyn Pook y Russian Red, muestran el sello que va a impregnar a todo el relato. Solamente saldremos de esa habitación por medio de la pantalla del portátil con conexión a Internet dónde ellas buscarán lugares, fotografías y datos que confirman o desmienten sus identidades; así como un vídeo que la española reproduce en una cámara de fotos.

Reconozco que el tratamiento que la película da al encuentro entre estas dos mujeres, a veces cae en situaciones ridículas, cursis, pedantes y pretenciosas; que en algunos momentos acabé fuera de la historia (la facilidad con que la española se duerme antes de tener sexo, los innecesarios subrayados sobre la imagen de Cupido, las tormentosas revelaciones de cada una de las chicas sobre su vida), pero también que me gustaron la belleza de las imágenes y no me arrepentí de estar contemplándola. Igual que le puse varios peros, disfruté con detalles como la luz del amanecer sobre los cuadros o cuando ponen la tercera bandera en el balcón. También las interpretaciones me parecieron de mucho nivel.

El sexo les lleva más al amor que a otro sitio, y este amor tan fuerte, tan profundo y efímero que sienten, me llegó con toda su pasión, dolor e irrealidad. No faltan los simbolismos propios del director ni su manera de contar las cosas. Eso ya me lo esperaba aunque no creo que sea una película que nos haya devuelto al mejor Medem pero sí que es un ejercicio de valentía que, por otra parte, a este director nunca le ha faltado.

Por último, recomiendo que se vea en versión original, no tiene sentido hacerlo de otra manera. Se mezcla el español, el ruso, el inglés, el italiano y hasta un poco de vasco. Tiene mucha importancia el que hablen distintos idiomas y no sé como harán para adecuar el doblaje a determinadas escenas en las que los combinan, cómo cuando cada una de las chicas le dice a la otra lo que siente en el suyo propio, como coartada para no decírselo en el que tienen en común (el inglés) y así decirlo sin decirlo, sin desnudarse sentimentalmente. Imagino el desaguisado que el doblaje puede hacer en esa y otras muchas escenas.

Cuenta Fernando Fernán Gómez en un genial libro de entrevistas, que en España se ha prodigado un cine en el que hay "una fidelidad a un esquema. que es la anulación del personaje protagonista, y con él la anulación del problema central, para recurrir a unos guiones en que los problemas son múltiples y los protagonistas son un grupo". Las muchachas de azul responde a éste esquema.

Aquí hay un grupo de protagonistas, formado por varias chicas que trabajan en la desaparecida Galerias Preciados en Madrid, y sus pretendientes. En este grupo se encuentran actores emblemáticos del cine español cómo Tony Leblanc, Antonio Ozores o José Luis López Vázquez; junto con otros que conozco menos cómo Licia Calderón, Viky Lagos y Lucia Prado.

Aparte de todos esos, la pareja en la que más se centra la acción es la formada por Fernán Gómez y Analía Gadé. Ésta era la primera película en la que el actor era dirigido por Pedro Lazaga y una más de las varias ocasiones en las que Analía Gadé fue su pareja en la pantalla. A modo de resumen, decir que fueron pareja en Viaje de novios (1956), Las muchachas de azul (1957), Ana dice sí (1958), La vida por delante (1958), La vida alrededor (1959), Luna de verano (1959), Sólo para hombres (1960), Mayores con reparos (1960) y La vil seducción (1968).

La película tiene como interés ver el Madrid de esos años cincuenta, el tranvía en las calles o la tienda Galerias Preciados de Callao. Tiene una trama costumbrista en que lo importante son las situaciones cómicas. De nuevo me valen para explicarlo las palabras de Fernán Gómez: "En cuanto al estilo, se trataba fundamentalmente de recurrir a personajes y situaciones que pudieran ser reales, pero en las que estuvieran limadas todas las asperezas, todas las aristas más o menos amargas, y presentar lo que podría ser más trivial y más efectivo cara al público, principalmente en su lado cómico".

El resultado final es mediocre porque las situaciones cómicas y el protagonista-grupo deriva en un argumento con situaciones tópicas y una parte final con desenlace más que previsible.

Película que adapta la novela de Donn Pearce sobre un héroe de guerra que es condenado a dos años de trabajos forzados en una prisión. Dirigida con maestría por Stuart Rosenborg y con un gran reparto, encabezado por la estrella Paul Newman, y acompañado por George Kennedy, Dennis Hooper, Harry Dean Staton o Strother Martin entre otros muchos.

Fue uno de los mejores papeles de Paul Newman. El personaje es toda una maravilla, un tipo duro, con carisma y que nunca se da por vencido. Sus varios intentos de fuga son escarmentados por los carceleros que no asumen la personalidad de Luke.

La película contiene varios momentos inolvidables cómo cuando Luke se apuesta que es capaz de comerse 50 huevos duros o escena sexual de una joven que lava su automovil mientras es observada con deseo por los presos que trabajan en la carretera. Es un drama carcelario que sorprendió por los roles de los personajes, en la que los malos son los encargados de que se cumpla la ley, y los héroes son los presos.

Todo un ejemplo de película bien rodada, con un estilo visual muy atractivo. Vista ahora, me parece que lo más pasado de moda del argumento, es el tema religioso, ya que Luke no cree en Dios y este ateísmo es un rasgo de su carácter. Los actores hicieron piña durante el rodaje y George Kennedy fue premiado con el oscar a mejor actor secundario. Su relación es lo más interesante del film, pasando de la competición inicial por ser el gallito del corral, a amistad y finalmente adoración por el duro de Luke.

El mismo año de su estreno, 1967, también se estrenaron El graduado y Bonnie and Clyde, el inicio del llamado New Hollywood que revolucionó el cine USA por contar historias de otra manera y para un público más joven.

Tenía buen recuerdo de esta película que vi de chaval en el cine. Ahora la he podido recuperar gracias a su edición en DVD. Es una historia de tensión en la que los pasajeros de un tren que hace el recorrido desde Ginebra a Estocolmo, están expuestos a un virus. El tren es un personaje más de la trama ya que toda la acción ocurre durante el viaje.

La producción es italiana, de Carlo Ponti, y en cuanto a la interpretación aparecen grandes actores como Burt Lancaster, Richard Harris, Sophia Loren, Ava Gardner o Martin Sheen.

Pertenece al subgénero de catástrofes tan típico en los años setenta y ochenta, pero tiene ciertas dosis de originalidad, y una historia que se ve con interés y emoción. Sin efectos especiales apabullantes, pero con unos estupendos personajes y planos aéreos del tren que se habían quedado en mi recuerdo de espectador adolescente.

Después de leer el libro, me entero por Internet de que se hizo esta adaptación al cine, producida por Mel Brooks como regalo de cumpleaños para su esposa Anne Bancroft. ¡Que suerte disponer de Internet y de la gente la haya compartido, para en sólo un par de horas poder bajarme la película y verla al día siguiente de haber acabado la lectura del libro!
La película tiene una ambientación maravillosa. Es un placer ver a los personajes del libro y los lugares que les rodean. El relato avanza con las lecturas en off de las cartas o con los pasajes que aparecen en el libro. También otros que no salen directamente de las páginas pero que están muy bien metidos en la trama.

Me gusta menos la parte final en la que tanto Helen como Frank hablan directamente a la cámara, supongo que para expresar al espectador que mantienen una conversación aunque les separen miles de kilómetros y solamente se comuniquen por carta. Me parece que estas escenas están forzadas. Tampoco me convence que el relato comience con Helen visitando lo que fue la librería en su primer viaje a Londres y que al final se retome este punto. Creo que le quita emoción a que se hubiera seguido un orden cronológico, pero supongo que será cuestión de gustos.

Aunque tenga esas pegas antes mencionadas y eche en falta algunos pasajes de las cartas escritas, reconozco que la película me ha gustado, que es una buena adaptación, así como un gran film sobre el amor que algunas personas profesan a los libros.