El mejor contenido de Star Wars en más de una década. Reivindicando la sensibilidad política de Star Wars con inteligencia y gusto, repleta de personajes e interpretaciones memorables y con un desarrollo increíblemente visceral, Andor pasó de ser el producto que menos me interesaba dentro de la oferta moderna de Star Wars a mi serie favorita de todo el año 2022.

Imperdible, tanto para fanáticos de la franquicia como cualquiera interesado en la buena televisión. Tony Gilroy hilvana con destreza sin igual una exploración de la naturaleza política tras la maquinaria imperial, el lado más insidioso de la rebelión, y en general, comenta y hace preguntas difíciles respecto a la naturaleza de la incipiente alianza rebelde; ¿qué tanto se justifica el terrorismo ante el absolutismo fascista? y muchas más interrogantes que promete explorar a lo largo de esta serie.

"X" se ha vuelto una de mis películas favoritas de lo que va de año: un slasher que emula a los clásicos desde el guion hasta la línea de montaje, rindiendo culto al espíritu cinematográfico de los 70s - esa diversión experimental tan ridícula como auténticamente provocativa -, mientras construye una muy interesante conversación en torno al deseo, los objetos del deseo y el entretenimiento adulto.

No es únicamente un tributo al slasher norteamericano de finales de los setentas y principios de los ochentas; es todo un compendio de amorosas referencias a los sectores más provocadores del entretenimiento que finalmente se manifestaron en la cultura pop a través de la distorsión del rock, el espíritu post-Vietnam y un recién descubierto nihilismo ambivalente hacia el Tío Sam, todo durante una época mucho menos estoica y muchísimo más juguetona que nuestro propio 2022.


El envoltorio: una joyita independiente distribuida por A24 - garantía de AL MENOS libertad creativa - que marca todas las casillas de lo que yo personalmente considero schlock perfecto - amor al detalle en todos los elementos de forma y estilo, un aspect ratio bellísimo y un look EXTREMADAMENTE FIEL a la época que busca representar, cortesía de la maravilla tecnológica que supone la Sony CineAlta Venice, una de las cámaras de más alto perfil del mercado, además de un excelente trabajo de post-producción donde (y a pesar de haber filmado digitalmente) se rescata el espíritu analógico y realmente guerrilla de la época.

No es una película perfecta, pero si que es una de las películas más divertidas que he visto en mi vida.

Bien podría ser una secuela canónica de Psycho.

Midnight Mass es increíble.

Su gran logro: dar pie a una bellísima (n̶e̶c̶e̶s̶a̶r̶i̶a̶) conversación donde se dan la mano reflexiones sobre la naturaleza de la fe, la contemplación del dolor y la redención, todo macerado dentro del formato de horror fantástico que Flanagan ya exploraba en Doctor Sleep y la coralidad de sus antologías televisivas.

Definitivamente, la serie que ver si o si este año. Coincidiendo con la crítica: se trata de un triunfo del terror que deja a sus espectadores temblando (pero más importante aun, pensando) mucho después de los créditos.

Flanagan nos regala su obra maestra, que pasa de recordar en sus primeros compáses a los set-ups clásicos del horror mas carpenteriano, para pasar a explorar y comentar de una manera increíblemente inteligente, sutil y considerada respecto a una multitud de tópicos que tienen más en común con el eje temático de filmografías como la de Paul Schrader que con todo lo que nos había traído Flanagan hasta la fecha.

Obra maestra, y la gran consagración de este autor como uno de los grandes nombres dentro del género fantástico.

- ¿Y si el Sabbat no existiese? ¿Si sólo fuese un sueño?
- Si sólo fuese un sueño, ¿cómo tantas mujeres podrían tener el mismo sueño?

Así empieza Akelarre. Lo que en un principio pueda parecer que irá en dirección del horror étnico vasco al que nos acostumbró De La Iglesia unos años atrás da un giro copernicano sobre su propuesta para convertirse en una cruentísima (pero fabulosa) crónica histórica.

Con inteligencia y tacto, Akelarre atraviesa la propuesta (simbólica) de Satán para la mujer. El sueño rebelde, condenatorio pero vivo; femenino; libre. El guion, reivindicativo pero cruento, logra una lectura interesantísima de la feminidad y su emancipación a través de los símbolos que, sea por casualidad, causalidad o simple y llana resistencia se oponen a los estatutos de poder. El poder como institución directamente antagónica a la mujer, que en sus rasgos humanos encuentra la mesura neutral capaz de ver más allá del fundamentalismo de los hombres; uno tan determinado con su propósito como ciego para los propósitos ajenos.

Agüero comenta con gusto y truculencia la reinvindicación de los sueños de Sabbat, provocativos y liberadores. Su reparto, genial. Un melodrama de época vasco que explora los primeros fuegos de reinvindicación femenina; con ascuas que arden durísímo todavía. La potentísima musicalización y diseño de sonido logran crear una atmósfera de cercana extrañeza, entre el tono que logró Eggers con su excelentísima The Witch en el 2015, y el ecléctico sentido de lugar del que dotó Robin Hardy a The Wicker Man.

El reparto, maravilloso. Sin buscar armar un estudio de personaje, el estudio que ofrecen Agüero y Guillou es uno que rearma un mosaico antropológico de abuso sistemático en el que sólo la imaginación y los sueños articulan escape alguno.

En su minuto final, la tesis es clara:

"Vuelan", dijo el juez.

Claro que vuelan. Maravillosa.

The Devil All The Time tiene un problema de identidad. O de ideología, pero no según lo político. Más bien de ideología según Lacan, o Zizek.

Y es que, intentando ser una radiografía del mal, se convierte en una caricatura del mismo. Antonio Campos dirige con pulso una película saboteada por un terrible montaje que se arrodilla, no al servicio de la narrativa, pero al servicio de Netflix (y del hecho de que tienen desde el 2019 intentando distribuirla, vaya, que no pueden estar prolongando la taquilla durante tanto).

¿Quería ser una reflexión nihilista sobre la naturaleza de la fe?

¿Un estudio del mal visto desde los "íconos de barro", construído a partir de Nietzsche o de Sartre? Nietzstche y Sartre, ambos, ontológicamente manejaron una narrativa filosófica muy distinta a lo que la película manifiesta como lógica interna. Es una "crítica a la religión" construída a partir de objetos sublimes, que además son vistos a través del lente ideológico de la realidad del realismo capitalista era Trump y, ahí: su problema fundamental. El personaje de Tom Holland se convierte en un vehículo, o "sujeto de voluntad pura", pero eso no funciona a nivel de la ontología fílmica que ni la prosa de Campos ni la de Roy Pollock manejan, una que se sabotea a sí misma una vez establece al azar como determinante fundamental.


Antonio Mendes sabe manejar el mise-en-escene. Pero la provocación, tan nihilista, se queda en nada. No es el nihilismo como objeto de tríada dialéctica, como agente de tesis/antítesis o como antesala hegeliana a un hipotético momento de revelación fenomenológica.

Los ingredientes están presentes: un reparto de lujo, excelentemente dirigido, una banda sonora efectista pero funcional, puesta en escena que rezuma buen gusto, y aun cuando la fotografía pareciera que sigue un macro de color reificado que permea a todas las películas producidas por el circuito industrial norteamericano, logra tener sus momentos de esteticismo legítimo.

Pero ahí es cuando todo se derrumba.

La atropella un pervasivo sentido del sesgo como constructo psicológico. Como costumbrismo reciclado porque si; como repetir la misma frase de mierda porque tenemos cincuenta años escuchándola. Cómo antítesis del "todo tiempo pasado fue mejor", por nada más que la actitud reaccionaria que propicia el clima ideológico moderno. Uno que encuentra pertinente el antagonizar a una frase tan ridículamente trillada (y con razón) con otra inversamente proporcional, e igual de ridícula.

Como riesgo calculado, con voz en off por si alguien se pierde. Y en una docena de intentos distintos que hace la película de identificarse a sí misma, no logra evitar diluirse en un mar de vacuedad. El gusto, el comentario y el cerebro: ausentes.

El mal por el mal en una exposición insoportablemente plana, nihilista y sesgada. No hay lectura.

Un antídoto inútil que deshace cualquier exploración del mal (o la fe como articulante del mal) que haya podido hacer, por citar a un ejemplo contemporáneo, Von Trier con The House That Jack Built. Película que esencialmente atraviesa el mismo tema, con incluso muchísima más provocación (y por momentos, mal gusto). Pero que una vez concluída, no dejaba indiferente. Había tesis y catarsis.

No van a encontrar nada de eso aquí. De hecho, no van a encontrar nada.