Paco Plaza ha inaugurado el Festival de Sitges 2023 con una cátedra de cine de terror clásico como pocos cineastas pueden impartir en España. Casualidad o hermandad, el director valenciano ha dado el pistoletazo de salida de la muestra de este año justo una edición después de que lo hiciera Jaume Balagueró con Venus, con quien también firmó la saga de culto "REC". Plaza, de la mano de Netflix, ha presentado "Hermana Muerte", precuela de la más que celebrada "Verónica" (2017), que llega dos años después de la exitosa "La abuela" (2021). El filme de estreno es un popurrí de elementos que confabulan una notable historia de venganza, crisis de fe, feminismo, maternidad y posguerra.

A partir de estos elementos, Plaza dibuja un relato en el que el espectador acompaña a la hermana Narcisa, encarnada por una Aria Bedmar que se estrena en un largometraje tras buenas apariciones en televisión y teatro. Muchos recordarán a esta actriz y bailarina por su papel en la miniserie de "El Cuerpo en Llamas" sobre el crimen de la Guardia Urbana. En este viaje, sin embargo, Bedmar interpreta a una joven novicia que llega a un convento en pleno apogeo del franquismo. El simbolismo de la religión ha sido siempre un tema central en el género del terror, pero Plaza -como también Balagueró en muchas de sus obras- consigue explorar los matices sin caer en clichés, aportando una perspectiva nueva a unos escenarios masticadísimos.

Primero, el metraje avanza a través de las dudas de Narcisa, que cuando era pequeña fue bendecida con la visión de la Virgen, y ahora sufre una crisis religiosa en los cimientos de su propia existencia. Luego, transcurre a través del convento en el que comienzan a pasar cosas realmente extrañas. Con esta dualidad, el director valenciano se adentra en un viaje terrorífico gracias al guion de Jorge Guerricaechevarría, lleno de momentos clásicos de tensión y terror, en los que el espectador sufrirá la claustrofobia de las paredes frías, blancas y faltos de vida que rodean todo el complejo. Aun así, Guerricaechevarria, uno de los clásicos guionistas para el reconocido cineasta Alex de la Iglesia, también regala perlas cómicas al espectador.

Poco a poco descubriremos que las monjas esconden secretos de un período funesto -el del asalto a los conventos por parte de los republicanos, algo significativo que se escenifica con la barbarie- que se vertebra en dos ejes: la defensa de la maternidad en la peor de las circunstancias (¿qué hay peor que acabar siendo madre en un convento de monjas radicales en pleno franquismo?) y la búsqueda de la fe que permita a la protagonista volver a creer.

De ritmo pausado, con pocos sustos y golpes baratos, el guión es solvente, pero sencillo. No es terror experimental -movimiento a la vanguardia del género actual- ni tampoco es una película de serie B. Es un clásico en estado puro. Plaza, juguetón, utiliza los simbolismos y elementos del convento para vertebrar esa sensación de ahogo, de persecución, de opresión y secretismo. Cuesta muchísimo no hacer comparativas con las diversas obras modernas de terror que se han construido en torno a las monjas, e incluso con los filmes anteriores de Plaza, pero la película entretiene hasta el final. Bedmar se consolida como una gran promesa cinematográfica, pero la aparición de Almudena Amor -una protagonista recorriente de las películas del valenciano- eleva la actuación general de Hermana Muerte. Mención de honor con letras de oro para el conjunto de niñas que aparecen en la película.


Plaza es un artesano del cine de terror clásico, enamorado de ciertos elementos que salen recurrentemente en sus obras -habría que estudiar con profundidad el uso de los eclipses en sus películas, algo que también repite Balagueró-, pero Hermana Muerte no tiene el efecto que provocó Verónica. Explorar la historia anterior de la monja abuela y ciega que aparece en el filme de 2017 es una buena idea, pero podría haber resultado en una historia mucho más interesante. Intentar llenar los vacíos de la historia original no era del todo necesario, pero tampoco es un hecho sobrante. Sin embargo, la película puede derivar en varias lecturas: la más superficial, de entretenimiento, que ni decepciona ni enamora; y la que provoca mayor repulsión o debate, en torno a la figura de las monjas, del secretismo, de la posguerra, de las violaciones a los conventos o de la maternidad. La venganza, entendida desde la rabia o desde la justicia divina, es otro factor interesante que se desprende de la historia.

Marvel tiene una ardua tarea con sus personajes. Los años pasan, las tramas avanzan y sus protagonistas se pierden por el camino: sus tramas dejan de tener interés, desaparecen o, lo que es peor, mueren. La Casa de las Ideas ejecutó un final histórico para uno de sus cabezas de cartel, Iron Man (en la segunda vida y éxito de Robert Downey Jr.) en la que es la mejor película de la historia del cine comercial. Endgame dejó el listón alto, altísimo, pero Marvel no contaba con la pérdida tan sensible de Chadwick Boseman. La muerte del actor de Black Panther, víctima de un cáncer, dejaba en el aire el futuro del personaje africano, quien se había convertido en un ídolo de masas y un símbolo para millones.

En este escenario, Ryan Coogler, responsable y director de la primera entrega del superheroe de Wakanda, se dispuso a crear la segunda parte. Y su resultado es, ante todo, solvente. Black Panther: Wakanda Forever es capaz de mezclar un duelo maduro alrededor de la figura de Boseman y explorar una de las ramas más interesantes del Marvel Cinematic Universe, ampliándolo con licencias que le alejan de los cómics y que seguro que le supondran oleadas de críticas por parte de los inamovibles garantes de la integridad de los personajes imprimidos en tinta. La cuestión es simple: el cortijo es suyo y ellos hacen lo que quieren.

Wakanda Forever introduce un nuevo reino, con una nación nueva, adorada por legiones: el imperio submarino liderado por Namor, "el primer mutante". Y aquí llega la primera confrontación con los conservadores: Marvel decide modificar por completo el origen de este antihéroe -prácticamente el primero de toda la saga- y le aleja de la Atlantida para enviarlo a Sudamérica. Aquí surge la apuesta arriesgada de la Casa de las Ideas, que pone encima de la mesa el anticolonialismo como un sujeto de su universo: Wakanda, con los africanos, y Talkon, una mezcla entre mayas y aztecas. Incluso se modifica la raza de sus súbditos y su propia creación, con la mancha del imperio español en su despotismo colonial de por medio.

Su puesta en escena acaba basculando entre aquella madurez en saber darle matices a sentimientos tan complejos como el duelo familiar, las rencillas tribales, las sinergias de las colonias frente al invasor (en este caso, Estados Unidos, divertido reto para una megacompañia como Walt Disney) o la pura venganza, con una trama adolescente que acaba dando golpes de timón infantiloides para resolver una trama que solo se entiende como hilo conductor para próximas producciones. Su repertorio visual destaca por los grandes escenarios africanos y submarinos, pero de su acción se podría pedir más de aquellos que llevaron a la gran pantalla las grandes batallas de Infinity War o Endgame.

Sus 160 minutos de duración pasan rápido, con una banda sonora exquisita y unas incorporaciones interpretativas que no son sobrantes, pero tampoco pasan desapercibidas. Letitia Wright recoge el testimonio de Boseman en su liderazgo africano para introducirse en un futuro en el grupo de los Vengadores; Tenoch Huerta cumple con su función con Namor y Angela Basett siempre es un regalo interpretativo para la vista. La trama, sin muchas turbulencias, que surfea las cuestiones coloniales con una mirada pop, prácticamente adolescente, y sus complicaciones no presentan el mínimo dolor de cabeza para alguien que va a disfrutar. Que al final, para eso es Marvel: para disfrutar y dejar de lado los dolores de cabeza.

Jaume Balagueró es sinónimo de calidad en el género de terror. Tras flirtear de forma irregular con la acción y el thriller más superficial, el director catalán ha inaugurado el Festival de Sitges 2022 con Venus, una cátedra del horror más divertido que puede llegar conseguir el cineasta, pero sin las dosis de litros de sangre, prótesis, sustos y cuchilladas que tanto le caracterizan. Puede ser un disfrute permanente para los fans del género, aunque el guion requiera un compromiso tácito de no entrar mucho a rubricarse en él. Sitges necesitaba un bocadillo de oxígeno, dejar atrás el sufrimiento provocado por los años de pandemia y abrir las puertas del festival con el sello del cineasta catalán.

Grata sorpresa la de Ester Expósito, que se estrena en un papel protagonista principal huyendo de todos los registros que conocíamos de la popular miembro del reparto de Élite. Su evolución como actriz es palpa en esta película, donde se puede ver a la maestra de Balagueró a la hora de desarrollar el personaje de Lucía y sus capacidades para salir de una zona de confort que la había encasillado durante muchos años. En un lejano paralelismo, la actriz inicia un camino digno de un gigante de la industria como Mario Casas: romper los clics pegados a su figura y demostrar con hechos sus capacidades.

Expósito es capaz de construir un personaje veraz en una historia que se tambalea por los lados en el guion, pero que resuelve con florituras situaciones inverosímiles. La historia avanza como una bola de nieve bajando a toda prisa por la ladera de una montaña, acompañada de una protagonista que entra con fuerza en el juego de Balagueró. No hay ninguna crítica negativa en el papel de Expósito, todo lo contrario, y solo existe margen de mejora. Además, la mirada del cineasta catalán rompe con el relato sexualizado que rodea la figura de la joven madrileña y permite un mayor disfrute de su interpretación.

Balagueró no se rasga las vestiduras en Venus ni tiene ninguna intención de crear una historia pretenciosa. Se nota su disfrute a la hora de hacer el filme, y el cuidado -visceral, obviamente, es terror- al dibujar la trama. Aborda muchos temas diferentes en sus 100 minutos de metraje -que pasan como una bala- y no se reduce a contar una simple historia de terror: las relaciones familiares rotas, los cuidados entre las mujeres de un mismo linaje; toma elementos de muchos subgéneros del terror y esboza pinceladas de thriller vertiginoso o de un suspense agradable. Simbología, mitos del horror y fantasías terroríficas se mezclan en una historia que se toma como un tren a toda velocidad que coges por disfrutar del paisaje, no por estarte preguntando hacia dónde se dirige. Porque da igual. Es Balagueró y ha vuelto al cine de terror para hacer chalar al espectador.

La madurez en la que se mueve la saga cinematográfica de Marvel es ya incuestionable. "Doctor Strange in the Multiverse of Madness" es la película que constata que la Casa de las Ideas es capaz de alcanzar cotas de excelencia en el mercado de los blockbusters y de los superhéroes -su monopolio- en un gran despliegue de todos los elementos que puede regalar el género. Divertida, alocada y oscura (sí, en el sentido más terrorífico que permite el adjetivo cinematográfico-, la nueva entrega del personaje que interpreta a Benedict Cumberbatch se adentra en la complejidad que solo permiten los cómics.

Marvel no alcanzaba esa profundidad en el argumento -requiere seguir el hilo y compromiso con todas las historias anteriores- desde Infinity War y Endgame. No es un producto para recién llegados ni para personas ajenas a las dinámicas de los cómics: la profundidad y el recorrido de los personajes rompe el metraje, viene de lejos e irá para largo. Además, su trabajo no es ese, el de venir a explicarte su origen y su pasado en la película número veintitantas. Su trabajo es recorrer aventuras. Y en esto, Sam Raimi, es de los mejores.

La nueva entrega del Marvel Cinematic Universe (MCU) conecta directamente con las historias de la línea principal de los Avengers y de la última película de Spider-Man. Raimi -que dirigió las tres obras originales del superhéroe arácnido, con Tobey Maguire como protagonista- se suelta en esta aventura que aproxima, por primera vez, la saga a un tono mucho más terrorífico y oscuro.

El director requiere reflejos e implicación por parte del espectador en uno de los guiones más alocados y que van más rápido de todo el MCU. Las sorpresas están aseguradas (muchas de ellas inesperadas, que es de agradecer) y la frescura que requería y necesitaba el conjunto de filmes de superhéroes de Marvel después de las infames historias contemporáneas anteriores a Spider-Man y posteriores a Endgame.

Es un disfrute permanente para todos aquellos que tienen mínimas nociones del universo de Marvel y una delicia absoluta para quienes logran entender, contextualizar y notar las referencias que provienen de historias de los cómics, pinceladas de Raimi y arrebatos humorísticos, siempre presentes. El coprotagonismo de Elizabeth Olsen con Cumberbatch nos regala una de las mejores parejas -tanto por historia, por profundidad de los personajes como por capacidades interpretativas- de toda la dinastía marveliana.

La Bruja Escarlata por fin disfruta de la potencia que pedía el personaje, tomando el relevo de la miniserie de Disney+ donde logró madurez en su recorrido. La Casa de las Ideas nos presenta una novedad, Xochitl Gomez, que es parte imprescindible de la trama, pero a ratos parece un personaje que pasaba por ahí. Que nadie se asuste: cameos, sorpresas y giros de guion los hay (y muchos).

Es el camino que debe seguir Marvel. Nutrirse de las historias más potentes de los cómics permite a la trama avanzar en un despliegue de recursos visuales y de efectos especiales como ninguna otra saga taquillera puede conseguir hoy en día. "Doctor Strange en la Multiverse of Madness" es pura diversión y una nueva fórmula a tener en cuenta por parte de la multinacional. Porque funciona a la perfección.

El averno, uno de los peores lugares de la historia de la mitología clásica, aunque fuera un infierno en el que nadie quería terminar, cumplía una función: encerrar a los demonios, a los monstruos, a los infames, en un pozo sin fondo y oscuro. Pasaron siglos para que la humanidad se diera cuenta de que del averno o del infierno, los demonios se escaparon hace mucho tiempo y campan entre nosotros. Jimmy Savile es una prueba absoluta de ello. A plena luz del día, codeándose entre la flor y nata de la sociedad británica, en iglesias o en la cadena de televisión más respetada del planeta, este personaje inmundo acosó, abusó, violó y desgarró centenares de vidas. Este documental, de tan solo dos partes, intenta reconocer los errores de todos aquellos que formaron parte del entramado mediático que lo encubrió. Busca desgranar cuáles fueron los orígenes de su red de abusos, en gran parte a menores de edad, que fue encubierta por prácticamente todo el mundo. Mi mayor sorpresa fue llegar a ver por primera vez como un conjunto de hospitales permitieron, acogieron y dejaron hacer al mayor depredador sexual y pedófilo de la historia moderna del Reino Unido. Un documental perturbador, no por mostrar escenas tétricas -que no lo hace- sino por ir deshojando una margarita hasta llegar a la desnudez del asunto: se permitió, se aceptó, se aplaudió y se magnificó a un monstruo que, a plena luz del día, hizo lo que le dio la gana. Y se murió sin poder juzgarle. Desgarrador.