Primera parte de la superproducción china que adapta el famoso libro de Los Tres Reinos escrito por Guanzhong Luo.
La épica es un estilo que le debe mucho al cine asiático porque hay numerosos y valiosos ejemplos de épica en los filmes que vienen de ese país en los últimos años. La combinación de un gusto exquisito, grandes narradores fílmicos, buenos actores y la consabida magnitud de sus escenas, hacen que muchas de ellas nos sorprendan gratamente.
Acantilado Rojo también. Para empezar, cuenta con una novela que es un clásico para aquel país, perfectamente conocida y que ya ha pasado al imaginario colectivo.
John Woo ya tiene una carrera como director solvente que se mueve como pez en el agua con guiones de acción. El reparto que han conseguido juntar en este film es de lo mejor. Todavía no he visto una película, desde Ashes of Time (Wong Kar-Wai, 1.994) a Lust, Caution (Ang Lee, 2.007) pasando, por supuesto, por Hero (Zhan Yimou, 2.002) en la que no hubiera admirado el buen hacer de este actor. Pero también está Wei Zhao, la Mulan de Jingle Ma, 2.009 y Takeshi Kaneshiro, La Casa de las Dagas Voladoras (Zhan Yimou, 2.004) o Chunking Express, Wong Kar-Wai, 1.994.
Con semejantes mimbres la película promete y a fe que es una de las películas épicas más impresionantes que he visto. Es verdad que forma parte de un ciclo y hay que ver la segunda parte para poder opinar con exactitud, pero en esta primera entrega se puede admirar un buen ejemplo de películas de héroes, de los héroes de una saga fundacional de una nación que ha despertado el interés generación tras generación.
Por descontado que en las películas de héroes existen las exageraciones que todo este tipo de literatura siempre ha volcado en esos personajes, pero, por encima de eso, el gusto con el que están rodadas todas y cada una de las escenas es un deleite para la vista.
Las coreografías bélicas adquieren momentos de gran altura y, con el presupuesto con el que contaron, la magnitud de las mismas es desbordante.
Quizás tan desbordante que uno queda hipnotizado por la monumentalidad del conjunto y deba digerir un poco más el producto para darse cuenta de lo que ha visto. La versión de una leyenda que mezcla la historia y la ficción para conseguir una de las novelas históricas más populares en China. La película de John Woo hace justicia a la fama y la altura de la novela.

Poderosa película que parece seguir la estela de otras producciones del mismo director, My Sassy Girl del 2.001 puede estar detrás de la historia que nos cuenta Windstruck.
La primera hora y media de largo es inteligente, original y fresca. Posee los ingredientes necesarios para seguir afianzando mi idea de que, hoy en día, los nuevos caminos del cine se escriben en Asia. A todo esto se le suma una cuidadísima banda sonora y una pareja de actores, ya utilizados en My Sassy Girl, que realizan un gran trabajo.
La narración de este romance está a gran altura, es una lástima que en la última hora eche un tanto a perder lo visto en el primer tramo regodeándose en mantener la tensión sobre un desenlace que no acaba de llegar. No obstante, hay que tener en cuenta que la expresión de los sentimientos en el cine asiático tiene una gran diferencia con la misma en los países occidentales. La contención sentimental que caracteriza los largos de nuestras latitudes contrasta con unos guiones que expresan de forma más clara, a veces hiperbólica, lo que los actores sienten. Considero que este guión se aleja un tanto del gusto occidental debido a esto mismo. Son infinidad las cintas asiáticas en las que choca ese sentimentalismo dulzón que resulta un tanto aparatoso para nuestros paladares más occidentalizados.
De todas formas, ese choque cultural que sufrirá el que se acerque a esta buena cinta no desdice para nada la tremenda originalidad del lenguaje cinematográfico que la misma encierra. Sus mejores escenas son aquellas en las que el tono cómico resalta sobre el dramático.
Lo mejor: La primera hora de película
Lo peor: Exceso de metraje
Recomendable.

Ha sido más que aceptable en muchas cosas, Fernando Fernán Gómez. Aceptable como actor, más que aceptable como director y como escritor. Su personalidad ha llamado la atención a menudo y quizás parezca que no necesite explicación el porqué de un documental sobre su figura ahora que nos ha dejado.
El formato del documental tampoco parece malo, en principio. Cámara fija y el actor hablando al objetivo de su vida, su infancia, su trabajo y sus ideas, sobre todo.
Pero hasta ahí llegan las bondades de este documental. Parece hecho con mala saña que a un personaje, en teoría tan atractivo, no se le hagan preguntas que puedan demostrar la justificación del metraje.
Pero no sólo nos quejamos de que las preguntas y los temas que se tocan sean anodinos, es que, técnicamente, el documental pasa de no escucharse nada más que la figura principal, a oírse, más tarde, a un director haciendo preguntas por lo bajo, sobre todo en los extras. Esta solución da una impresión de improvisación y falta absoluta de coherencia en el guión reflejadas, a veces, por el propio entrevistado que parece sorprenderse de la memez de ciertas preguntas.
Pasamos de un "háblame sobre lo que quieras" a un material extra en el que se agrupan las respuestas según ciertos temas que tampoco responden a lo que podría ser más interesante en la vida de una figura como esa.
Una entrevista, creo yo, debe ser preparada y las preguntas deben sacarnos lo interesante que el personaje encierra en sí y en su historia. La entrevista debe ser inteligente para poder atisbar la inteligencia del entrevistado y eso no ocurre en La Silla de Fernando. Sólo queda la buena voluntad de un necesario homenaje. Sólo eso. Se echa verdaderamente en falta que la entrevista no sea realizada por una figura entrenada en estas lides.
La figura de Fernando Fernán Gómez por sí sola no es suficiente para mantenernos pegados a la pantalla más de hora y media contando el material extra.

John Cusack tiene una dilatada carrera plagada de buenos títulos pero también es verdad que no ha elegido bien los títulos en los últimos años. Esta película es un buen ejemplo. Tiene elementos, sobre todo en la primera media hora, para poder lidiar con ella, pero, a medida que avanza, va perdiendo fuelle a tal rapidez que acaba en fiasco casi total.
Uno de los alicientes que tiene la producción es el propio actor que siempre ha sido solvente y en esos títulos tan flojos que jalonan su carrera, él siempre ha sido lo mejor de las mismas. Y en este caso, también.
Pero la película tiene unas premisas tan delirantes que escapan a la posibilidad de aprobar la prueba del algodón. Ni de lejos.
Hay tantos thrillers de esta índole que ofrecer uno más debería estar justificado en que uno tiene algo nuevo que ofrecer, bien un análisis pormenorizado de la psique del asesino como en Chained de Jennifer Chambers Lynch o bien porque hay un algo nuevo a la hora de contar algo simple como en Shuffle de Kurt Kuenne, pero si faltan esos elementos novedosos, el resultado es triste y deshonroso.
Y en The factory el elemento nuevo es tan ridículo que se lleva lo bueno que tiene por delante, como un sunami.
Y tiene un par de actuaciones buenas, las de Cusack y Roberts, pero tiene otras lamentables como la de Mae Whitman, tiene un guion ridículo y unas cuantas escenas dignas de olvidar con las intenciones de terminar de visionar la película.

El psicoanálisis de Freud es una de las teorías de mayor éxito en la historia de occidente. Hasta tal punto, que se ha llegado a convertir en una filosofía.
Huston nos cuenta los orígenes de la teoría, lo cierto es que la película gira más en torno al psicoanálisis que a la figura de su creador. La arqueología psicoanalítica es la que domina todo el largo. En el prefacio de la película se explica el porqué, como ya es un lugar común, las obras de Copérnico, Darwin y Freud (cabría añadir a Marx y a Nietzsche en el mismo grupo) han supuesto la ruptura de la secular dependencia del saber humano de la religión y el oscurantismo. Por eso el psicoanálisis merece un lugar especial en el reino de la psicología al haber sido el primer sistema que plantea que la parte no consciente de nuestra mente no está dominada por ningun ser trascendente al hombre. La explicación de esa parte que no controlamos de forma consciente se agota en nosotros mismos.
Por tanto, la figura del largo no es el propio Freud, no es una película biográfica (aunque, evidentemente, la vida del escritor está presente) sino de una película que rinde homenaje a los orígenes de la teoría presentando el cómo y el cuándo de su gestación.
El viaje de Freud para estudiar con el profesor Charcot y la relación Breuer/Freud marcan el comienzo de la narración. La primera media hora de cinta es, de largo, la mejor parte porque narra con exactitud e interés los inicios de la teoría; entrados en materia, surge uno de los grandes inconvenientes de haber dirigido los focos para la teoría en vez de para Freud. Los distintos aspectos que van completando la construcción del edificio psicoanalítico, tales como el fenómeno de la transferencia, las etapas de maduración sexual de los niños, los lapsus del lenguaje o el complejo de Edipo, son contados de forma apresurada y sin rigor histórico. Este grave error de guión condiciona en exceso un filme cuyo arranque resultaba más que prometedor.
El título, por tanto, puede inducir a error porque se ajustaría más a la verdad si nos hiciese comprender que es el psicoanálisis el tema central de la obra. De hecho puede ser usada como una introducción para el iniciado en los estudios psicoanalíticos.
Montgomery Clift realiza un excelente trabajo, aunque, en ocasiones, aparezca un tanto perturbado para la personalidad y la fama que Freud se forjó.
Buena dirección de Huston que logró con ella la nominación al Oso de Oro de Berlín.
Lo mejor: Servir de introducción clara y comprensible a la teoría psicoanalítica, la interpretación de Montgomery Clift
Lo peor: El atasco de teorías en la segunda mitad del film
Recomendable.