Un muy admirable eurowestern, hecho a mayor gloria de un Lee Van Cleef que ya ese año era todo un habitual del subgénero, habiendo realizado "Spaghettis" con gente como Leone, Sollima, Parolini, Valerii o Petroni.

"Il grande duello" ofrece todo lo que un amante al subgénero pueda desear, una estética sucísima pero a la vez muy estilizada (aderezada aquí por un score de Bacalov precioso, algo alejado de Morricone y sus imitadores), personajes extremadamente carismáticos mostrando su dureza y falta de escrúpulos y un total desparpajo a la hora de mostrar las escenas de acción.

Quizá se le podría achacar la falta de ritmo en algunos compases de la cinta, quizá originado por la inexperiencia de Santi (esta fue su ópera prima tras ser ser el asistende de dirección de Leone) pero en contrapunto ofrece un Spaghetti algo diferente de lo que se estaba rodando entonces, con partes más propias del western americano pero respetando profundamente al subgénero.

Muy recomendable, pese a sus leves fallos, con un tercio final excelente.

10 razones por las que "From Dusk Till Dawn" no es sólo una de las mejores películas de los 90, sino también un hito del cine fantástico y probablemente uno de los diez films del género más grandiosos:

1-. "From Dusk Till Dawn" es la unión de las mentes de dos absolutos genios, Quentin Tarantino y Robert Rodríguez. Siendo el primero probablemente el autor más influyente de los últimos 15 años, no sólo rueda con una maestría absoluta sino que también escribe unos libretos en los que desprende una perfecta asociación de sus fuentes cinéfilo-literarias y amor infinito por el séptimo arte. Robert Rodríguez es un maestro del cine de género y acción (no solo lo demostró aquí sino también en esa obra cumbre del fantástico llamada "Planet Terror") con un estilo absolutamente personal, un heredero de la forma de hacer cine de un Carpenter primerizo y con una concepción del entretenimiento que hace a muchos de sus films deslumbrantes.

2-. Es un gran homenaje al cine de género. No sólo al cine de terror mexicano (con claras referencias a films como "Satanico Pandemonium") sino al cine fantástico clásico, a ese de los 70, hecho con poco presupuesto y mucho ingenio.

3-. Tiene dos partes bien diferenciadas. Una quizá, la que mas recuerda a los films de Tarantino, con personajes chulescos (grande Seth Gecko) que escupen por la boca absolutas joyas del diálogo. Otra, la que más nos recuerda a Robert Rodríguez, un cómic en movimiento excelentemente bien filmado.

4-. Fue la primera gran película de George Clooney.

5-. El abanico de cameos con el que nos deleita el film es fabuloso: desde Tom Savini, el genio de los efectos especiales en uno de los personajes más cachondos de la película, Fred Williamson, uno de los iconos de la blaxpoitation hasta Michael Parks, un actorazo anclado en la serie b o John Saxon (sobran las palabras).

6-. Fue el descubrimiento de Salma Hayek. Vale que salía en Desperado, pero en la escena central del film que nos ocupa supuso el mito onanista de muchos en edad pre púber.

7-. Marca las pautas que se deben seguir para hacer una gran película de género, como hace años las hacían John Carpenter o Sam Raimi. Podemos definir la película como brutal, divertida, sangrienta, brillante, salvaje... ¿Cuántas películas de género pueden presumir de tener semejantes adjetivos?

8-. Como todo lo que lleve el sello Tarantino, la banda sonora es magistral.

9-. La película no es sólo una mezcla entre thriller, cine de acción, terror, western... la dirección de Rodríguez plasma en la cinta un sello de cine setentero (aquella década que lo cambió todo), de cine grindhouse, de cine de autocine (valga la redundancia), de ese cine que no se anda con miramientos en mostrar lo que pretende mostrar y cómo lo quiere mostrar. De ese cine que tanto se hecha en falta hoy en día.

10-. Y por último y no menos importante, porque de esta película sale mi genial y fantástico nick.

Mucho más conocida por su título original que por el poco sutil epíteto con el que sería distribuida en España, en "Las Sádicas" Seymour Cassel interpreta a George Manning, quien es presentado como un padre familiar de referencia con una vida cómoda y anhelada por cualquier americano medio. Todo cambia cuando su mujer e hijas abandonan por unos días su idílico hogar en la San Francisco de los años 70, justo cuando celebra su 40 cumpleaños. En una noche de tormenta recibe la visita de dos jóvenes aparentemente entrañables, que necesitan un refugio momentáneo en tal desapacible nocturnidad. Comenzará entonces una cruenta pesadilla para nuestro protagonista, cuando se vea primeramente seducido y acaramelado por las dos bellas adolescentes que pronto se descubrirán como unas temibles y alocadas lolitas, bajo los hechizantes cuerpos de Sondra Locke y Colleen Camp. La película guarda hoy en día un sello de culto realmente merecido, apostando por una atmósfera mórbida y enfermiza que se irá enrareciendo progresivamente. Realmente es este el elemento que la categorizará, con un calado visual que juega permanentemente con las sombras y los efectos lumínicos en la penumbra, componiendo un delirio de encantadora sordidez.

Las Sádicas es ante todo una película que se ejecuta con honestidad hacia su época; se realiza bajo las maneras artesanales y feístas de ese horror espontáneo y práctico como el de algunos de los títulos clave del underground de los 70, como pudieron ser La Matanza de Texas de Hooper o La última casa a la izquierda de Craven; con esta se emparenta además en el uso de la música de corte hippie de inapropiada jovialidad, a su modo (y como ocurría en aquella) un chocante modo de dotar personalidad a una película raruna ya en su concepción. Señalemos pues un fuera de tono formal, que incluso llegará a ser desagradable, pero que alcanza unas cotas de increíble realismo en unas maneras de crear terror de manera directa, con nervio, y lejanas a todo tipo de efectismos artificiales. Así, el director se ve capaz de mostrar una escena de sexo entre el trío de interpretes de manera deleitosa, sin caer en la gratuidad y en una secuencia rica en matices, hasta proseguir la trama de la película donde elementos como la perversión, la sumisión o la más pura perfidia se transmiten con garra y una naturalidad temible. Gran parte de culpa del acierto de la película es el enorme trabajo de las femme fatales interpretadas por las ya mentadas Sondra Locke (futura musa de Eastwood) y Colleen Camp , capaces de comerse la película en base de conjugar con frialdad y temible credibilidad esa mezcla tan explotada en la película como es la inocencia plagada de una interior malignidad. Ambas, adorables y escalofriantes al mismo tiempo, ven aprovechado su físico sin caer en lo habitualmente fútil de las sexploitation complementándose además a la hora de crear una dupla icónica y pesadillesca. La película también será fruto de su época por el ataque moral que realiza en base al personaje de George Manning, a su modo retrato del americano medio al que pone en tela de juicio por haber caído a la dulce tentación de aprovecharse de la fragilidad de ambas féminas; también se podrían destacar algunas transposiciones sociales de la América de los 70, dañada aún por los estragos de la Guerra del Vietnam y por la explosión de las libertades del mundo hippie y derivados, en la figura de esas dos liberales y alocadas jovencitas que parecen extraídas del alocado harén de Charles Manson y su “Familia”.

"Las Sádicas" es una película degenerada en esencia, onírica en aspecto, pero que guarda para sí muchas de las encantadoras disonancias que hicieron del horror underground de los 70 tan característico e inmortal. Como aquel, el film de Peter S. Traynor es bullicioso y turbado en exceso, algo que hará olvidar algunas de sus pequeñas taras.

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Una de las últimas sensaciones del último Festival de Sitges, la película turca dirigida por el debutante Can Evrenol, nos relata la incursión de un grupo de policías en las mismísimas puertas del infierno, cuando se topen con una orgía satánica de funestas y escalofriantes situaciones. Cinta modesta en espíritu pero ampliamente superada por sus pretensiones, que busca de manera profusa generar un malestar e incomodidad que no llegarán hasta un último acto donde Evrenol, en un premeditado campo de acción, ofrece un recital satánico en una vena estremecedora y alucinantemente perversa. Su look inspirará una impronta del añejo horror, ensalzado por una atmósfera de claro empeño por conseguir un intoxicado impacto visual.

Aunque "Baskin" da claramente lo que promete y se empapa de un terror visceral, correctamente suministrado, el film se topará con un par de inconvenientes que le impedirán rezumar la grandeza que pretende: un primer acto, tedioso y aburrido, que parece querer ampliar por obligación su duración (sin ir más lejos, este proyecto vendrá de un cortometraje germen), además de unas incesantes aspiraciones por lo turbio, que acabarán por restarle naturalidad y espontaneidad a un proyecto que parece acabar sumergido por sus querencias creativas. Aún con sus contras podrá degustarse con agrado, especialmente por un retorcido sentido de la estética de horror no muy habitual de ver en la actualidad del género.

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En los siempre añorados años 70 surgieron muchos de los géneros cinematográficos predilectos por los auténticos consumidores de todo tipo de cine, en especial el cine sin ninguna otra intención que la de ser fiel a unos principios, llegar al espectador con puestas de escena simples pero directas y apoyándose en unos personajes que no sólo caen bien, sino que muestran las inquietudes que muchos de los espectadores de este tipo de cine puedan tener en la vida real. Uno de estos géneros fue el de las "road movies" pero en su vertiente más alocada. Una perfecta muestra es la película que nos ocupa "Dirty Mary Crazy Larry", prima hermana de títulos contemporáneos como "Vanishing Point" o "Gone in Sixty Seconds" y protagonizada por un verdadero experto de este tipo de films, el "Easy Rider" siempre adorable Peter Fonda.

Aquí Fonda comparte cartel con una bellísima Susan George, con la que deberá huir de la policía durante prácticamente toda la película. Esta premisa es la que utilizan algunos de los films citados antes, el de que toda una persecución ocupe todo el metraje de la cinta (en "Vanishing Point" esto es ya llevado al extremo), y con el que un director tan afamado como Steven Spielberg tuvo la osadía de utilizar en uno de sus primeros títulos (la genial "The Sugarland Express").

"Dirty Mary Crazy Larry", que cuenta también con la presencia de un secundario de lujo como fue Vic Morrow, está filmada añorando al género del que se convertiría en icono, dando especial protagonismo al mundo de los coches, al rugir de los motores y apoyándose en la buena química entre Fonda y George. Una perfecta muestra del "cine de persecuciones" que sin ser la mejor cinta del mismo, sí que es una buena manera de acercarse hacia ese cine de "drive in" con unas intenciones que sólo en la década de los 70 se pudieron originar.