La primera vez que vi una película de David Lynch no entendí nada, y me costó mucho disfrutar del visionado de la cinta en cuestión, Carretera Perdida. La segunda vez que vi a Lynch tampoco entendí nada, pero algo muy curioso pasó: disfruté cada momento. Se trataba de Mulholland Drive, película coronada como la mejor película de lo que llevamos de siglo. Con un segundo visionado, he intentado buscar las claves que la convierten en una película tan bien tratada por la crítica.




Es muy difícil hacer una breve sinopsis de esta película, por lo que creo que es mejor que pasemos directamente a comentarla y que cada cual saque su argumento preferido (pues tiene donde elegir).
Como ya he comentado, la primera vez (y la segunda) que vi Mulholland Drive no entendí nada, hasta que leí las distintas pistas que David Lynch dejó para que se entendiera un poco mejor. Aún así, sigue costando un poco.
Lynch nos transporta a lo que parece ser un mundo onírico con apariencia de realidad... O no, no sé. En principio intentaré ceñirme a la teoría más extendida. Esta crítica puede contener más spoilers que nunca, ojo cuidao.
Esta forma de narrar tan propia del director, casa a la perfección con la trama de la película. Por una lado vemos, en esta especie de sueño, una vida más o menos idílica. Al menos, dentro de lo que puede esperar una mujer de su condición en el Hollywood de la época. Por otro, tenemos la dura y cruda realidad.
Lynch nos sabe llevar en todo momento por donde él quiere, mostrándonos solo lo que le interesa, aunque sin ocultar más de la cuenta. Todo está ante nuestros ojos, solo hay que mirar con detenimiento. Es fascinante la manera de dirigir de este hombre, te deja ojiplático (esta palabra mola, ¿eh?), aunque no estés entendiendo nada de lo que está pasando ante tus ojos. Creo que muy pocos son capaces de conseguir eso.
Me parece que hay que destacar que la nombrada mejor película del siglo XXI tenga como protagonistas a dos mujeres lesbianas. Creo que la representación lésbica en el cine americano, sobre todo en esa época y en películas tan exitosas, es bastante escasa. Un punto a favor de Lynch. Mañana nos centraremos más en este aspecto en el Análisis feminista de la película.
Y ambas protagonistas están excelentes en sus respectivos papeles (dos cada una), dejándonos muy claro la posición en estos distintos mundos de ambas. Naomi Watts, bajo mi parecer, realiza el papel de su vida, y será recordada para siempre gracias a esta película y su interpretación.
Me gustaría nombrar también al único personaje masculino con un poco más de presencia, el patético director interpretado por Justin Theroux, protagonista de la genial serie The Leftovers, que desde aquí recomiendo muy muy fuertemente.
En cuanto a los secundarios, hay muchos que destacar: el mafioso de la silla de ruedas, la actriz que debe ser la elegida ("this is the girl"), o el torpe asesino que tiene que ir improvisando para enmendar sus propios errores. Pero lo que más impacto me creó fue la escena en la que un hombre le está contando a otro el sueño que tuvo esa noche. El final de la escena es desgarrador y muy significativo. Aunque yo aún no le encuentro sentido, a ver si alguien me lo explica.
La música es siempre muy importante en Lynch. Siempre tendré en un pedestal la intro de Twin Peaks, para mí, lo mejor del director. En esta película, todas y cada una de las canciones que aparecen en ella son muy importantes para entender todo lo que salió de la mente de este genio loco. Sin ir más lejos, el enlace entre estos dos mundos que nos presenta no es otro sino la música.
Poco más puedo decir sobre este director, pues me queda muy grande , así que me limitaré a recomendar toda su obra, de la que aún me quedan cositas por ver, y que ya comentaré por aquí.
Silencio.
Mi valoración: 10/10


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Todos sabemos que, en un mundo de blockbusters, la ciencia ficción más indie, que se sale un poco de más comercial o de lo que estamos acostumbrados a ver, lo tiene muy difícil para destacar. Por suerte para Alex Garland, Ex Machina fue en su día todo un éxito de crítica. Este éxito no fue suerte, sino que la película cuenta con unas características que la hacen especial y original.




Caleb es contratado por Nathan, un genio de la robótica, para que le realice el Test de Turin a su nuevo y mejorado androide, Ava, que guarda en su laboratorio secreto, en lo que parece una isla recóndita y alejada.




Oscar Isaac, integrante del elenco de la nueva trilogía de Star wars, interpreta a este "genio" que parece que improvisa un poco su día a día. Isaac consigue con su interpretación lo que parece que el director buscaba, que el personaje te caiga regular, tirando a mal. El que en un principio parece que va a ser un guía para el protagonista, deriva casi en antagonista de la cinta, algo que no está hecho de casualidad.




Como tampoco pienso que la elección del actor Domhall Gleeson para interpretar a Caleb sea casual. A este actor lo pudimos ver con anterioridad en uno de los capítulos más sonados y virales de la magnífica serie británica Black Mirror, interpretando al avatar del novio de la protagonista. Si al ver la película, te ha venido a la mente este episodio, estoy seguro que te habrán surgido teorías muy parecidas a las mías.




Y es que la película es muy dada a la creación de teorías. Desde el comienzo, la cinta te va dejando ver u ocultando ciertos detalles para que empieces a especular sobre qué está pasando en realidad. Podría decirse que la película se trata de un test de Turin para el espectador, que debe analizar al detalle a cada personaje.




El test de Turin consiste en que, al analizar un robot, su IA sea tan real que haga que te olvides que estás hablando o interactuando con una máquina.
Y la máquina de esta película es Alicia Vikander, que está espectacular en el papel de Ava, robando cada mirada cuando está en escena. Su interpretación es muy teatral y pausada, como su personaje requiere. Un trabajo excelente de la actriz que me ha dado ganas de volver a verla en acción.




La película, al tenerte en todo momento elucubrando, no se hace aburrida en ningún momento, cosa de agradecer a este tipo de películas tan personales que pueden caer en recrearse en escenas más introspectivas que resulten pesadas.
Otro punto a su favor es que, aunque estemos ante una película de ciencia ficción sesuda, no parece que se trate al espectador como tonto, y no es más explicativa de lo que necesita. El guion está tan bien llevado que todo se entiende a la perfección a medida que avanza la trama.




La fotografía es preciosa, dejando escenas para el recuerdo, la mayoría protagonizadas por Vikander.
Sus giros de guion no son engañosos, sino que todo está bastante al descubierto en todo momento, lo que te deja una gran sensación tanto como si tu teoría era la acertada como, es mi caso, te equivocabas.




La película es recomendable tanto por las reflexiones que establece como por Alicia Vikander, que realiza un papelón.

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Cuando uno se dispone a ver una película de terror, más concretamente del género slasher, espera ciertos tipos de comportamientos. Tal fue mi sorpresa cuando en Halloween de John Carpenter, o como se llamó en España, La noche de Halloween (nos gusta mucho especificar), este tipo de patrones no solo no se cumplen, sino que parece que aquí se fijan ciertas características que más tarde se copiarían y experimentarían hasta la saciedad. Estamos ante los inicios de este género, y como no podía ser de otra forma, en su versión más cruda y básica.




Durante la noche de Halloween, el pequeño Michael Myers asesina a su hermana y, a raíz de esto, es internado en un manicomio. Después de quince años encerrado, Michael escapa de allí para volver a su barrio donde, una vez más, su sed de violencia le hará cometer una serie de asesinatos.



Estamos ante el "sota, caballo y rey" del género. La trama no podría ser más sencilla, pero, estando en sus inicios, no podemos tacharlo de falta de originalidad, pues creo que si algo destaca en esta película es su originalidad. La secuencia inicial, en la que nos encontramos en los ojos del propio asesino, es una de las escenas más épicas que he visto en mucho tiempo, sobre todo en este género. El giro final de esta escena es magistral.




Quizás esta maestría se pierde un poco durante toda la parte central de la película, donde vemos escenas muy insulsas que solo se salvan por algún que otro juego de cámaras, en el que podemos intuir, a veces de manera muy muy sutil, a nuestro asesino acosando a la protagonista de la cinta, una debutante Jamie Lee Curtis que se pone en la piel de Laurie, una estudiante que trabaja como niñera durante la noche de halloween, y de la que parece que Myers se ha obsesionado, sin una razón aparente.




Curtis interpreta el papel por el que será recordada toda su vida y, según tengo entendido, seguirá haciéndolo en las secuelas de la saga. Poco se puede destacar de su interpretación, —o de ninguna interpretación de la película—, pues el personaje es bastante plano, y se limita a poner cara de sospecha cuando nota la presencia del asesino stalkeandola desde fuera de las distintas ventanas a las que mira durante toda la mayor parte de la película.




En la parte final, nuestra protagonista tendrá un poco más de espacio para actuar, cosa que aprovecha bastante bien, dejándonos notar a la perfección el miedo y angustia que una persona perseguida por un asesino debe sentir.



Una vez más, nuestra analista feminista, Cristina, nos recalca que esta película vuelve a pasar el test de Bechdel. Parece que en el género de terror, la presencia femenina con papeles importantes es mucho mayor que en el resto. Al menos tenemos un refugio feminista, aunque sea para que las pobres acaben siendo acuchilladas por un demente que mata solo porque está loco...



No puedo dejar de comentar la banda sonora, que ejerce un papel fundamental en el tono de la película, pues es la melodía que se repite en varios momentos la que nos hace entrar de lleno en la tensión de la película. Sin esta banda sonora, la cinta puede no dar miedo en absoluto. Un gran trabajo del propio Carpenter.



Las técnicas usadas por el director son excepcionales, los juegos de cámara son tan geniales que no es de extrañar que a partir de aquí, todas las películas de terror hayan intentado emularlos. La esencia de esta película recae en los planos en los que primero vemos a Myers, y cuando la protagonista deja de mirar, ya no está allí, dejándote en la incertidumbre de dónde se ha metido. Esto crea una tensión que te hace creer que va a aparecer en cualquier momento.



Pero una vez más, la película me sorprende y los sustos no se basan en estos cambios de cámara, sino que cada vez que aparece nuestro asesino, el ritmo se apacigua mucho, dejando un poco de lado esa tensión de los momentos previos a cualquier matanza. Esto crea una sensación de que ya todo está perdido, no tienes escapatoria, vas a morir.


Si le concedemos que el ritmo de la parte central sea demasiado lento y pueda dar la sensación de que no está pasando nada, la película te deja con un gran sabor de boca, y sienta muy bien las bases de lo que vendrá a partir de ahí. Tengo muchas ganas de ver el resto de la saga, que comentaré aquí en breve.

¡Cuidado! ¡Mira detrás de ti!

Una curiosidad: El guion inicial de la película se titulaba "The Babysitter Murders" ("El asesinato de las niñeras"), y estaba pensado para que la trama sucediera durante varios días, no solo en la noche de Halloween.

Valoración: 7/10


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Halloween no es solo una época para disfrazarse y pasar miedo, también es una época para recordar. Y el recuerdo nos lleva a la nostalgia, que es la razón principal por la que esta película es a día de hoy una película que ver en estas fechas. Para mí no ha funcionado igual. Nunca había visto esta película hasta ahora. Mis impresiones creo que han sido totalmente distintas a las de alguien con esa nostalgia que comentaba.


Tres hermanas que practican la brujería secuestran a una niña para robarle su juventud. El hermano de ésta intentará rescatarla, en vano. Esto provoca la ira del pueblo, que las condenan a la hoguera. Antes de morir, las hermanas realizan un hechizo para poder regresar en el futuro. Trescientos años después, ese hechizo se lleva a cabo, en el día de Halloween.


El primer punto que me gustaría recalcar es que, a pesar de las bajas pretensiones que la película pueda tener a priori, los efectos especiales —que pueden parecen cutres a generaciones más jóvenes—, me han parecido muy dignos, y más si tenemos en cuenta la época y el target de público al que va dirigida la cinta. El gato que habla es de lo más real que he visto en una película con animales que hablan. Que tampoco he visto muchas,la verdad. Quizá, cuando las brujas usaban hechizos —como tirar rayos con las manos—, esos efectos especiales no eran tan reales, pero creo que puede ser decisión del director, pues al estar enfocado a un público infantil, no querrán hacer demasiado violentos ese tipo de ataques.


Y hablando de la dirección, no creo que el director, Kenny Ortega, haya tenido que tomar (o le hayan dejado), muchas decisiones. Es un trabajo bastante sencillito, que tiene un objetivo claro: gustar al público infantil. Esto deja al director sin lugar a crear o dejar su sello. Esto no solo pasa en este tipo de producciones, como ya sabemos, sino que en otras, como las del UCM, rara es la ocasión en la que el director puede meter mano y dejar su seña de identidad.


De nuevo, la falta de pretensiones nos lleva a destacar, para mal, otro de los puntos de la película: las actuaciones. Para empezar, la única actriz que sigue con relativa fama hoy y día, Sarah Jessica Parker, cada vez que abre la boca (momentos contados con una mano), es para soltar o bien onomatopeyas, o bien una frase insulsa sin ningún tipo de importancia para la trama.


Los jóvenes protagonistas parece que han leído sus frases momentos antes de rodar, en especial Max, el niño que lía todo el embrollo principal, porque así lo requiere el guion. Su hermana pequeña, Dani, es lo más salvable, pues al ser menor que los otros dos, es mucho más graciosa y "cuqui". Allison, la tercera en discordia, a pesar de ser mejor que el ya comentado Max, también se le ve la poca preparación.


El único personaje que salva todo este despropósito actoral es el de la bruja principal, Winifred, al que da vida Bete Milder, y que no me extraña para nada que sea lo más icónico de la película. Tanto su estética como su actuación son lo más destacable de la cinta.


Nuestra analista feminista, Cristina, me comenta que la película pasa el "Test de Bechel", que explica en el último análisis, que puedes leer pinchando aquí. Es genial que una película de los noventa pase este test, pero me da mucha pena que películas de hoy día ni se acerquen a conseguirlo. A ver si empezamos a educarnos un poco.


El retorno de las brujas es una película para ver con los más pequeños y disfrutar con ellos como uno más, o bien para, como comenté antes, dejarte llevar por la nostalgia y recrearte en tu propio niño interior.
Si no puedes cumplir ninguna de estas dos condiciones, la película te puede parecer un poco insulsa y olvidable. Aún así no quita que sea una película digna de ver durante las fiestas de halloween.



Mi valoración: 6/10

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Como siempre que me dispongo a ver una película de Woody Allen, voy con unas expectativas bastante altas y, hasta el momento, en muy pocas ocasiones me ha decepcionado. Con Desmontando a Harry no ha sido el caso. Su originalidad y ritmo me han tenido enganchado desde el minuto uno.

Desmontando a Harry nos cuenta la historia de Harry (Woody Allen), un escritor que es increpado de varias maneras por sus historias. A partir de estas, la película nos irá mostrando diferentes facetas del protagonista.

Decir que una película de Allen es original, a la altura en la que estamos, es decir mucho. En los últimos tiempos parece haberse enfrascado en una etapa donde saca a relucir lo que para muchos son perversiones de un viejo verde, pero en esta película, a pesar de empezar a notarse la diferencia de edad entre él y sus amantes, podemos ver que usa eso como un elemento importante de la narración, y queda muy verosímil. Aunque es cierto que hay escenas un poco pasadas de rosca.

Nos encontramos antes la película mas sexual y explícita de todas las que he visto del director, que no son pocas. Esto influye también en el lenguaje, más subido de tono que de costumbre. Todo esto se explica por su trama, ya que el protagonista es casi un obsesionado sexual, adultero y embaucador, sin perder ni un ápice de ese patetismo que Allen siempre da a su protagonista, sobre todo si es interpretado por él mismo.

Y aquí recae lo más original de la película, ya que Allen nos muestra fragmentos de historias que en un principio podemos no saber qué significan y que luego descubrimos que no son más que las historias de Harry, interpretadas todas por distintos actores y actrices. Todos los protagonistas de estas historias, como no podía ser menos, harán de un alter ego de Harry, o lo que es lo mismo, de Woody Allen.
Así, podemos ver desde Tobey Maguire a Stanley Tucci, pasando por Robin Williams, interpretando a ese personaje histérico y patoso tan característico de sus películas. Me sorprendió mucho Tobey Maguire, pues clava a este personaje como nadie en la película. La historia que involucra a Robin Williams es la más loca y original.

Todos los personajes secundarios también son de destacar, y también encontramos aquí caras muy conocidas de la época, como Demi Moore, Julia Louis-Dreyfus o Billy Cristal, que protagoniza, junto a Allen, una de las escenas más míticas de la película.

Todos estos personajes protagonizan distintas tramas, muy pequeñas, en las que vemos que Allen está—o estaba—, sobrado de ideas, pues con muchas de ellas podría haber hecho una película completa.

Creo que esta película es una de las que más se muestra el autor y más habla de sí mismo y de lo que muchos le criticaban en aquella época, y que trae cola hasta nuestro días. Parece que en esta película decide mostrar su lado más sexual e intentar decirnos que no tiene por qué ser algo malo, aunque no nos lo muestre con el protagonista, pero sí con varias frases cínicas de las que hace gala, de las que esta película está repleta.

Con todo esto hay que destacar que Woody Allen me sigue sorprendiendo, a pesar de haberme visto más películas suyas que de ningún otro director, y sobre todo que deja al que la ve con la sensación de querer ver más de él, como le pasó a quien la vio conmigo.

Si te gusta Woody Allen, no puedes perdértela.

Mi puntuación: 8/10

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