La acción de la retórica. Skyfall termina siendo casi o más que Casino Royale, por lo que logra olvidar la desazón que significó Quantum of Solace en 2008. Y Sam Mendes hace algo diferente al mando de la minisaga iniciada por Daniel Craig hace ya seis años: mostrarnos al Bond más aguerrido, más personal y más intimo que hayamos conocido, y mostrarnos que hay 007 para un rato más.
Skyfall lo que hace es obsesionarse con todos sus personajes, y por ende, con el intimo de la historia -tremendamente coherente, por cierto-.
Es riesgosa, adrenalinica y trepidante. Y a su vez más humana, menos artificial y más que disfrutable.
Skyfall es algo más que entretenimiento que sólo entretiene: maneja la acción con recurso lujoso, posee sinapsis en su argumento y expone grandilocuentemente al Bond más brutal de los últimos largos años, en conjunción con un villano, que como pocas veces en la saga, está a la altura del propio agente. Javier Bardem monologuea y expone la psiquis de su extravagante Silva de una manera imperiosa, pero arriesgada también. Silva es para Bond -y para M, mediante una Judi Dench casi co-protagonista de la historia- lo que Joker significaba para Batman en The Dark Knight: su némesis, puesto que en el fondo ni Bond ni Silva son tan diferentes. Hay una carga moral y ética sobre la correcta o incorrecta toma de decisiones que de a poco cobra vida útil en el filme, notandose un claro interés de lo guionistas por reforzar la acción, con el drama y la interiorización de sus protagonistas.
Se nota que hay un director de estilo por detrás: Sam Mendes inyecta vanguardia y técnica, y recrea el cine de acción de manera fastuosa en pantalla. Algo para regañarle: una chica Bond que sea fuerte y con certeza. Ni la belleza de Bérénice Marlohe ni la intensidad de Naomie Harris logran superar, por ejemplo, a la ultima buena chica Bond: la enorme Eva Green en Casino Royale.
Obviando esto, vean Skyfall, vean a su 007, disfruten de lo hipnótico de sus imágenes -tarea titánica de Roger Deakins- y de la redundancia de sus actores. Ésta es una cinta de acción hecha con audacia para ustedes.

La tormenta se avecina y el fuego asciende. ¡Es el apocalipsis!... No, simplemente Gotham está amenazada. Entonces si, es cierto:¡es el apocalipsis!
Profunda y oscura como sus anteriores entregas, TDKR cierra elcírculo, ata los cabos, y pone fin a la leyenda del héroe. O del humano que es héroe. O del héroeque es culpado de villano. Casi todo es irrespirable, y en parte imposible de soportar: su atmósfera es siempre tóxica, su mensaje peligroso y su carga moral, reflexiva. Y lo trágico sobrevtela en los 164 minutos de metraje. Sin que eso suceda en vano.
Gotham es un caos, su gente se vuelve insurgente, las masas resultan incontrolables y llega un nuevo líder, Bane, un mercenario anarquico.
Y lo peor de todo: todos saben que Batman murió con Harvey Dent hace ocho años. Aunque no físicamente.
La cinta recoge la suma de deseos:ira, venganza, redencion; y de miedos (pasados). Y ambos factores son válidos -y esto es lo esencial de la trilogía- tanto para el héroe como para el villano. Se llama diferenciacion de matices. Entonces, TDKR es como TDK, es cierto. Pero le faltan cualidades respecto de su antecesora: no es tan impredecible, no es tan pasional, no siempre desafía de manera atosigante la mente del espectador, carece de una cierta humanidad respecto a la concepción de sus personajes -Michael Caine es la figura del relato que conmueve internamente con su par de demoledores discursos-. Pero a suvez, es impactante el desarrollo dela historia, y la suma de personajesnuevos aportan un nuevo tipo de engranaje. Es mecánica, y su estructura narrativa- algo característico en el director- resulta endemoniada. Está dividida en varios actos de maestría. Y uno se supera al otro, mediante escenas peculiares que merecen elaplauso cerrado -la delestadio es:O-
¿Su ultimo problema? Terminar ocho minutos más de lo debido. El final es honroso, pero peca de soberbio.
¿Su gran virtud? Esa magia titiritera de Nolan de dejarnos másallá de pretensiones boquiabiertos una vez mas.

Que Paul Greengrass es hoy por hoy el realizador de cine de acción y thrillers mas importante del cine no hay duda. Su acción es perfecta. Su thriller es tenso, efectivo y te hace hasta sudar. United 93, The Bourne Ultimatum y Green Zone fueron películas redondas, y además, de las mejores películas de los últimos años. Con Captain Phillips, el director vuelve al ruedo. Y lo hace sin desilusionar expectativas. Es una película soberbia, es tan buena e inquietante que hasta parece un juego de estrategias filmado con una estética técnica brutal. Tom Hanks ofrece la mejor interpretación en lo que va el S. XXI desde Cast Away, llegando a conmover y a reflexionar sobre su interpretación. Sobre su excelente interpretación, perdón.
Barry Ackroyd y Christopher Rouse, fotógrafo y editor respectivamente, están detrás de cámaras en su labor única. Y se convertirán en grandes competidores de los próximos Oscar: la película tiene una técnica visual perfecta.
Una película de acción, de dramatismo, de thriller marítimo y de carga moral, y hasta a veces política, apabullante. Greengrass es profeta de su tierra.

La revelación indie de la década. Una historia esperanzadora, duramente crítica con los estereotipos impuestos por el estilo de vida típico norteamericano, pero tierna y sensible en la composición de los personajes y sus concepciones acerca de como encontrar la salida en la derrota en una sociedad adicta a la victoria. La simpleza en los trazos del guión permite ironicamente, crear a una de las familias mas complejas de la historia del cine, una especie de Los Simpson en carne y hueso, que aquí son los Hoover y que tiene en las actuaciones del silencioso Dano y del extravagante abuelo Arkin unas buenas cuotas de humor. Y creo que la frase que el abuelo que interpreta genialmente Alan Arkin le expresa a su pequeña nieta Breslin es la mas indicada para expresar lo que quiero decir del filme: mas alla de su excentricidad aparente, me enamoré de su belleza interna.

Enmarcada dentro de su estilo personal ya conocido, los hermanos Dardenne filman otra película de autoría única. Deux Jours, One Nuit vuelve a contextualizarse en una sociedad europea de carácter problemático, en donde las decisiones más difíciles se toman en un ambiente cargado de pesimismo y desasosiego. Es la Europa que los belgas ya nos tenían acostumbrado mostrar -bajo las influencias neorrealistas- en cintas como L'enfant.
Su nueva película ahonda en algo tan generalizado como la pérdida de un trabajo, la crisis económico-social. Pero a su vez, penetra en algo tan íntimo como el sufrimiento, la depresión y el desencanto de las personas como Sandra ante semejante situación en sus vidas. Ella -Marion Cotillard en una interpretación conmovedora y angustiante- representa ese héroe anónimo que son muchas personas, que con su andar cansado y su semblante triste buscan guardar lo poco que la vida puede ofrecerles quizás. Luchar por un trabajo, porque la familia no se resquebraje y por el bienestar personal luego de un pasado difícil, es lo que hace que el recorrido puerta por puerta de Sandra sea una invitación a no rendirse en las distintas trincheras de una gran guerra.
Más allá todo, decir que la película en ningún momento carga de moral o juicios las decisiones de los personajes -entre ellos, las de la propia Sandra-. Acá el dilema es entre el trabajo de una persona o el bono en beneficio de otra. Que si bien puede ser discutible su comparación, la cinta habla de otra cosa: no de tomar opiniones, pero si de hablar y expresar las más diversas realidades de las personas en una realidad absolutamente desesperanzadora, tan simple como eso.
Una de las historias que seguramente sean imposibles de perderse en este año.