"La duda" no es, a pesar de lo que sugiere el hilo argumental, una película sobre la pederastia clerical, ni sobre la hipocresía moral de ciertos sectores de la Iglesia Católica. Estos son simples pretextos para hablar de la naturaleza misma de la verdad, de las debilidades más profundas del ser humano, de la misericordia, del perdón y de lo complicado que resulta juzgar al prójimo. Por ello, contextualizar la trama dentro de una institución católica en la América de los años 60 (asesinato de JFK, conflictos raciales...) no es gratuito. Para los miembros de dicha institución la verdad y la mentira son elementos sacramentales, indiscutibles, por lo que resulta muy interesante la contraposición entre esos dogmas de fe y la poderosa sombra de la duda.
Shanley (autor y director de la aclamada obra teatral en la que se basa el film) firma un excelente guión que, con una premisa aparentemente sencilla, trata temas de gran complejidad y consigue mantener la tensión hasta el final. A esto hay que sumar un sobrio trabajo de dirección que deja todo el peso de la obra sobre los hombros de su monstruoso elenco de actores. El trabajo de Meryl Streep (14ª nominación al Oscar!), Philip Seymour Hoffman y Amy Adams es absolutamente memorable. Aunque el resto de elementos del film fallaran, solo por ellos, seria digno de alabanza. Y es que "Doubt" es ante todo una película de actores.
Nota curiosa: la obra teatral fue representada en España bajo el título de "La sospecha", con Pilar Bardem en el papel protagonista.

La primera buena noticia que nos ofrece "El luchador" es que Aronofsky se ha dejado el ego en casa. Puede que suponga una decepción para los adoradores de "Pi, fe en el caos" o "Réquiem por un sueño" (porque "La fuente de la vida" dudo que tenga alguno), pero el cambio de estilo es tan sorprendente y radical como acertado.
Durante los primeros instantes del film el director se niega a mostrarnos la cara de Randy "The ram" Robinson. La cámara le sigue sigilosamente ocultando los estragos que el tiempo y la derrota han causado en él, para finalmente mostrarnos algo así como un busto de cera mal cincelado. Un personaje que vive atrapado en sus gloriosos años 80, un ser de cuerpo, rostro y mente atormentados, que vaga solitario por lúgubres escenarios intentado vencer la sensación de soledad y vacío que la vida le ha dejado.
Está claro que (a pesar de que el primer candidato fue Nicolas Cage) este papel le venía como un guante a Mickey Rourke para volver al estrellato. Las similitudes entre su vida y la de su personaje son tan obvias que le dejaban parte del trabajo hecho, pero la verdad es que Rourke consigue dotar al protagonista de humanidad y honestidad infinitas. Y ello, unido a la sutil dirección del también renovado Aronofsky, se refleja como un espejo en todo el film. En el único lugar donde Randy aún se siente vivo y respetado: ese mundo de dolorosas coreografías y obreros del entretenimiento salvaje llamado "Wrestling". En esa stripper (maravillosa Marisa Tomei) que ha perdido su tren y que también se gana la vida de fingiendo. En esa hija que trata de recuperar. En los suburbios en los que habitan. En la deprimente carnicería...
En su último tramo "The Wrestler" te deja muy buen sabor de boca, con un final tan coherente como emotivo. Es uno de esos films que cada vez escasean más, que exhala nobleza y verdad, poseedor de una honestidad brutal.

Olvídense del cuento original porque esta "Blancanieves" es otra cosa. Y no me refiero a que sea una película muda y en blanco y negro. Es otra cosa porque su director y guionista, Pablo Berger, se arrima y se arriesga, como los buenos toreros.
Por sus múltiples capas, tanto en su fondo como en su forma, la película camina siempre por el filo de la navaja. El guión funciona como un reloj, sorprendiendo al espectador en cada secuencia y creando un extraño tono a medio camino entre el melodrama desatado, la comedia negra y el cuento gótico. En este apasionante collage se mezclan el esperpento ibérico, la españolada y el folletín con las formas del cine mudo, transmitiendo verdad y emoción, creando un mundo único a base de retales de otros ya conocidos.
Los más cinéfilos disfrutarán con las continuas alusiones al lenguaje del cine mudo europeo (primeros planos "a lo Eisenstein" o momentos de montaje “alocado” que recuerdan a Vertov o a Gance) y sentirán el aliento de los "Freaks" de Todd Browning, del "Amanecer" de Murnau, de la Juana de Arco de Dreyer o del "Sunset Boulevard" de Wilder.
Con todo ello, "Blancanieves" es una película que mira al pasado pero hecha ahora y para el público de hoy. Las interpretaciones son mucho más estilizadas de lo que podría esperarse, con una Maribel Verdú inmensa en su rol de madrastra y dos Blancanieves absolutamente inolvidables. El trabajo de montaje es tremendamente ágil y su la banda sonora, que es la voz de la película, se aleja de las formas clásicas fundiéndose con cada fotograma y dinamizando la acción.
Para redondear la faena Berger nos regala un transgresor e insólito giro final, un desenlace abierto que se aleja del género fantástico. Uno puede pensar, o no, que luego sucede un milagro, como el de una virgen que de vez en cuando suelta una lágrima.

Cuentan que la rana aceptó ayudar al escorpión a cruzar el río con la seguridad de que si el escorpión le atacaba, ambos se hundirían irremediablemente. La pobre rana no contaba con que el escorpión no puede luchar contra su propia naturaleza….
Al igual que en la fábula, el protagonista sin nombre de Drive no puede luchar contra su propia naturaleza violenta, carga con ella como si de una maldición se tratase, combinando una insospechada capacidad para la agresividad y un retraimiento propio de quién se sabe condenado por ella. Luce su chaqueta plateada como la armadura de un caballero andante, muerde su palillo a la manera en que Bogart fumaba sus cigarros y conduce su coche cual cowboy en busca de mejor fortuna. Y como todo héroe que se precie, el conductor tiene su particular punto débil: la vecinita de descansillo (una cautivadora Carey Mulligan) que irrumpe en su vida a modo de princesa desvalida de cuento de hadas. Poco más sabemos de él: pasado desconocido, futuro incierto, parco en palabras y con un rostro (el de un hipnótico Ryan Gosling) hierático, que muestra el aspecto trágico, nostálgico y fascinante del personaje.
Nicolas Winding Refn sitúa Drive en el extraño y movedizo terreno situado entre el cine de autor y el cine de entretenimiento. Y lo clava. Por un lado nos regala dos de las mejores escenas de persecuciones del cine reciente, pero a la vez deja claro que aquí pesan más la emociones que la acción. Siendo ésta la obra de un director danés, el film rebosa tradición americana de thriller y cine negro en cada uno de sus fotogramas: un ritmo narrativo perfecto, secundarios decadentes bien construidos, uso de tonos azules y granas, un paisaje de carreteras solitarias, de planos cenitales de un L.A. nocturno, de casas de empeño y luces de neón, una gran banda sonora plagada de pop electrónico ochenteno (“un verdadero ser humano y un verdadero héroe” cantan los Collage en la escena final)… Elementos que terminan por imprimir un tono oscuro y melancólico a un film sorprendente y atípico que se imprime a fuego en la memoria.

“La noche es nuestra” comienza por todo lo alto: la historia, la ambientación (con una banda sonora genial) y la presentación de los personajes prometen un gran espectáculo que remite, aunque sin aportar grandes novedades, a los thrillers policíacos de los gloriosos años 70. Sin embargo, según se suceden los acontecimientos el Gray director, al que le sobra talento, se ve lastrado por el Gray guionista. Al guión le falta credibilidad en ciertos momentos, ya que una cosa es tomarte ciertas licencias y otra muy diferente solucionar situaciones clave de forma poco consistente y con un dramatismo un tanto vacío. Así, y a pesar de que el trabajo de dirección es bueno, la historia va perdiendo fuerza y a la hora de abordar un final pretendidamente épico, éste se torna previsible y deja una sensación un tanto fría.
En cuanto a los actores-productores y hermanos en la ficción, Phoenix mantiene muy bien el tipo llevando todo el peso de la trama, algo que no se puede decir de Wahlberg, un actor absolutamente sobrevalorado por Hollywood que aquí se muestra una vez más excesivamente inexpresivo. En cuanto al resto de actores el veterano Robert Duvall cumple con nota, teniendo en cuenta que tiene un papel que no le permite demasiados lucimientos, y Eva Mendes hace su mejor actuación hasta la fecha (aunque tampoco es mucho decir).
A pesar de todo el film de James Gray (que debutó con tan solo 24 años con “Cuestión de sangre”) nos ofrece ráfagas de buen cine y es recomendable, a pesar de que nos haga añorar tiempos mejores, para cualquier amante del género.