Kane al margen, la considero la obra más redonda de Welles.

La historia y los diálogos son los que son. Habría que ser muy cafre para destrozar los textos de Shakespeare. El tema de los celos es el motor de la narración, lo que permite bucear en todo un juego de engaños, instintos, inseguridades y reacciones imprevisibles de los personajes.

La interpretación del personaje de Yago es brillantísima. Welles, como casi siempre, está bastante sobreactuado, pero a mí personalmente me encanta porque se come la pantalla y contribuye a esa dosis de teatralidad que exige el film.

Pero sin duda lo que eleva está película a un lugar privilegiado en la historia del cine es la imagen. A medio camino entre el expresionismo y el cuento gótico, Welles nos regala un repertorio de planos y secuencias de una grandísima belleza plástica. El uso que hace de la sombra y la luz, de las columnas, las rejas, los espejos... es como si en todo momento hubiera una narración paralela de los sentimientos de los personajes.

Si me dieran a elegir una entre todas las películas bélicas, esa sería sin duda Apocalypse Now.
Muy por encima de sus coetáneas Platoon o La Chaqueta Metálica. Y en mi opinión también superior a clásicos de gran calidad como Senderos de Gloria, o a otras más recientes como el Soldado Ryan, etcétera.

Decir que Apocalypse Now es un film antibelicista me parece una total perogrullada. Casi por definición, todas las películas bélicas lo son.
Pero ésta va mucho más allá...

... Es prácticamente una tesis filosófica. Si el río siempre ha sido la metáfora de la vida que muere en el mar, éste es un viaje remontando el río, en busca del origen de la vida y de su explicación. En dicho origen está el creador, el Dios supremo (cómo no, Brando), el todopoderoso a quien todos siguen, sabio y tirano. Y quizá lo que se nos plantea es que hay que matar a Dios para nacer como hombre, para trazarte un destino propio. Es una reflexión personal de las muchas que pueden extraerse del film...

El tema de los Doors "The end" es uno de esos que se te queda grabado para siempre, y unido de forma inseparable a las imágenes de la película.

Además es uno de esos films en los que la atmósfera trasciende la pantalla y casi puedes oler el napalm.

La versión Redux viene a demostrar que por una vez se acertó al descartar escenas que poco o nada aportan a la historia. La parte de la campiña francesa es casi insoportable.

Ver Rudderless ha sido como tomar un café muy amargo al que se le han añadido demasiadas cucharaditas de azúcar. Me ha dejado un sabor raro. Así, lo que comienza siendo una historia trágica y dura se va transformando en una película amable, sanadora, moralizante y almibarada.

Al igual que la banda de rock protagonista, que está más pendiente del éxito y de las grupies que de la música, el film está deseando complacer al espectador más que narrar una historia y ahondar en ella. En este sentido, se escarba poco en la figura del hijo y en el infierno que escondían las letras de sus canciones.

A pesar de todo ello, se deja ver con interés y tiene momentos emocionantes y auténticos. En especial los que nos presentan al protagonista en la soledad de su barco, descubriendo el legado de su hijo. O también esas dos interpretaciones musicales suyas en solitario, en las que los fantasmas cobran vida y consiguen atravesar la pantalla.

Gran interpretación de Billy Crudup, algo anodina la del resto del reparto y prometedor debut en la dirección de William H. Macy, el inolvidable protagonista de Fargo.
Pensándolo, la película en realidad es un fiel retrato de la cara de Macy, extrañamente expresiva, con rasgos muy duros, pero presidida por una mirada dulce.

Viendo una obra de la talla de "Una Jornada Particular" me doy cuenta de la gran cantidad de pelis bobas y planas que me trago habitualmente.

No puedo negar que tengo predilección por el cine italiano en general, y por los duelos interpretativos en particular. Si a ello sumamos a unos protagonistas en estado de gracia, una demoledora historia, y un director con una voz tan personal y bien articulada como la de Ettore Scola, sólo me queda aplaudir hasta que me duelan las palmas de las manos.

La acción se sitúa en el encuentro celebrado en Roma entre Hitler y Mussolini, en 1938. Pero la mera crítica política se va a ver trascendida muy de largo en el film.
Mientras que una masa simplona sale a la calle a celebrar su triste uniformidad vitoreando a sus megalomaníacos líderes, dos individuos de carne y hueso van a conocerse fortuitamente en su edificio casi desierto. Dos mundos culturalmente opuestos están a punto de eclosionar. La ferviente admiradora del régimen fascista, casta madre y esposa: Sophia Loren, y el malogrado locutor de radio, excéntrico y solitario: Marcelo Mastroianni.
Saltarán chispas, claro está.

Chispas surgidas del choque cultural. Y también del estilazo y elegancia de Mastroianni, y de la sensualidad desbordante de la Loren.
¿Cómo es posible que un ama de casa fascista, inculta, entrada en años, de bata raída, zapatillas rotas, carrera en la media, canas y patas de gallo pueda resultar el summum de la feminidad, la morbosidad y el deseo?
La respuesta la encontraréis en los 105 minutos de metraje de esta película.

También tengo que destacar el humor. El típico humor de Scola en una galería de personajes secundarios espeluznantes, grotescos como sólo los directores italianos saben trazarlos. Como los hijos, el marido y no digamos ya la portera y ese bigote casi hitleriano que luce.

Y luego está la banda sonora. La más extraña que he oído en mi vida, porque esa banda sonora no es otra que la radio que no para de sonar de fondo, narrando con marcialidad todos los detalles del encuentro entre el fuhrer y el duce.
Una interferencia, un ruido molesto del que no es posible escapar, pero que genera una atmósfera perfecta como el contrapunto de la historia.

Quiero felicitar a Pas, Benigna Torres, Valkiria, Luisito, Isis... por las maravillosas críticas que han dejado aquí escritas y con las que no puedo estar más de acuerdo.

Os dejo, voy a sacarle brillo al cuadro que tengo en mi salón con esa esplendorosa foto en blanco y negro de Sophia Loren.

Ah, y un añadido en el spoiler.

Hacía mucho, muchísimo que no veía una sala de los cines Princesa tan abarrotada. Había mucha gente mayor. Ancianos que sin duda salieron del cine con una arruga más en sus rostros. Una arruga titulada "El árbol de la vida". Una arruga muy profunda. Sin duda, una arruga de esas llamadas "de expresión".

Algunos de esos viejos no me dan tanta pena como los que irán a verla atraídos por su dupla de "protagonistas": Brad Pitt y Sean Penn. Muchos se dormirán en el cine. Otros lo abandonarán a los 20 minutos, y otros tendrán una vía por la que canalizar y desahogar su odio. Podrán insultar a los gafapastas y mandar al psicólogo a todo cristo. Los más moderados usarán el adjetivo "lenta" de un modo muy benévolo.

Muchos la tomarán con el director. Dirán que se le ha ido la olla, y aprovechando lo místico del argumento, acusaran a Terrence Malick de "endiosado". ¿Quién si no tendría la osadía de filmar el origen del universo?

Otros, los muy entendidos, mencionarán el "2001" de Kubrick, porque es que además esta vez se lo han puesto a huevo.

Y otros habrá que sucumbirán. Hablarán sobre todo de "poema visual". Pero habrá división, y donde unos verán "un hermoso canto a la vida", otros hablarán de "vacío existencial". No se destacarán demasiado a los actores, ni sus interpretaciones... esta vez, todas las flores deben recaer sobre su esforzado y genial director.

¿Y Yo? Pues la vi ayer y aún no sé qué pensar. A ratos me deslumbró, y a ratos me exasperó. Interesante, quizá...

(Me ha costado escribir esta reseña sin haber leído ni una sola crítica ni opinión acerca de la peli. Voy a ver lo que se dice, lo que se comenta, y voy a empezar por Filmaffinity, como siempre).