Este Twitter de 2.024 si bien se cataloga como secuela, tan solo se queda en una versión de la primera dirigida por Jan de Bont , ya que se estructura con la misma narrativa, trama, y elementos que la original con las carreras de caza tornado, combinada con una historia sentimental y, envuelta en el dolor de la devastación del que lo pierde todo. Por lo que la cuestión nos plantea que aporta poco este millonario presupuesto largometraje, ante sorprendernos y atrapar al espectador, cuando ya vimos la primera. Por lo que en los 128 minutos de su historia, nos quedamos esperando cuestiones, que nos ofrecieras una perspectiva diferente, y no una simple repetición.

En 1.996, la efectiva película Twister planteaba una cuestión fundamental: la del papel cada vez más limitado que jugarían las estrellas de cine (y en consecuencia, las historias a escala humana) en el Hollywood contemporáneo frente a la hegemonía de los efectos digitales. En cierto modo, el tornado creado por CGI que asediaba, como un invencible malvado, Helen Hunt y Bill Paxton al final de la película, constituía la encarnación visual de un cambio de paradigma. Twisters podría ser el resultado desmayado, sin alma, de esa transformación; a pesar de la voluntad de Lee Isaac Chung (Minario) de convertir la película en un homenaje al filme original y al cine comercial de los años 90, esta es una obra impersonal que orbita sobre sí misma sin llegar a ninguna parte y en la que sus protagonistas los caza tornados interpretados en piloto automático por una Daisy Edgar-Jones y un siempre carismático Glen Powell presentan un comportamiento muy errático.

Un primer filme que no llegó a mucho, y que con este copión aspira a menos, más allá de los efectos especiales que aporta un par de tornados de tipo 5, y que la película tan poco se prodiga mucho. Podría haber utilizado su director el tiempo, en ofrecernos más tecnicismos sobre el mundo del tiempo. O el haber abordado más la especulación económica de los seguros, una vez abierto ese melón. En vez de eso nos ofrece un flirteo amoroso confuso que no lleva a ninguna parte, al igual que muchos secundarios de relleno, que sobran más que aportan.
Un filme en el que perfectamente podría hacer cualquier otra cuestión, lo cual me demostró que ni llegó a entretenerme, ante el interés que le quise conceder.

Típica historia sentimental que pese a su aceptable reparto, se queda en un intento de "un quiero pero no llego". Juega empecinadamente con la nostalgia del recuerdo de la niñez en el medio rural de una familia ante levantar una sencilla casa en una Marcelita, cuestión que es algo en la vida de mucha gente en una época en España. Pero más allá de evocar el relato de un recuerdo en su trama, el filme deja fuera de juego muchas cuestiones, como la fotografía que podía haber sido magnífica y se queda en unos meros vistazo esporádicos, o una música sencilla música que envuelve, ante un ritmo lento, y unos diálogos y discusiones muy simples. Si bien el fin de la narrativa es llevarnos a la reconciliación todo se cierra de una forma sencilla y práctica sin suscitar más cuestiones que unos días de añoranza interna, con una nula intensidad en los momentos de impacto en su línea.

Me causa la sensación de que estoy ante el trabajo de un realizador fuera de su elemento, incapaz de descifrar y, por tanto, poner en práctica algunas de las claves genéricas más básicas del misterio, el suspense, no digamos la frustración como descendientes. Cuando te sabes una historia al dedillo, lo menos que le puedes pedir a un director es que consiga secuestrar la atención del espectador desde la puesta en escena al manejo técnico que te aporte un largometraje que te lleve a la emoción, y no que se quede en una sencilla historia personalista. En este tercer trabajo de Montoya.

Una película revisionista del colonialismo del oeste estadounidense, tres largas horas que lejos de su discurso sociales y morales las panorámicas parecen ser lienzos impresionistas de Charles Marion Russell, es un western que pierde su registro de epica entre un ritmo accidentado y personajes artificiosos que transitan por terrenos comunes sin ningún rastro de pujanza, donde anticipo con facilidad algunas de las situaciones argumentales que se plantean con cierta dejadez. La trama se sitúa primero en el año 1859 y sintetiza un conflicto mayor a través de varias historias varios y personajes:
Una madre y la hija que sobreviven un ataque Indio y son rescatadas por los soldados unionistas de un fuerte.
Un vaquero solitario y comerciante de caballos, que escapa con una prostituta teas verse envueltos de una vieja venganza.
Los indios apache que defienden su territorio y los colonos que invaden.
Unos bandidos que matan indios por negociar por cabelleras.
Un llanero que dirige una caravana por el camino de Santa Fe mientras son acechados por exploradores pawnee;
Una pareja británica que anota la travesía en sus diarios.
Todos estos personajes, que son colocados como estereotipos, integradas en la narración con unas motivaciones personales que, en su capa de obviedad, funcionan para interrogar la moralidad del oeste en una época turbulenta marcada por la violencia contra las comunidades indígenas, los prejuicios raciales y los conflictos territoriales como antesala de la Guerra Civil, en una nación dividida que apunta a la ruta de la política expansionista impulsada por las raíces colonialistas. El problema fundamental radica, no obstante, en el hecho de que los personajes están constituidos con un desarrollo pobre que reduce sus acciones a conversaciones pueriles, caminatas por el pueblo, los tiroteos anticipados y paseos a caballo por las praderas que solo responden a descripciones anodinas que rellenan el metraje inútilmente, cuya poca sustancia queda manchada por la tinta de los estereotipos comúnmente asociados al viejo oeste de carácter, con escenas delineadas con cierta gratuidad, en una serie de subtramas que permanecen situadas en unos barullos irresolubles que no van a ninguna parte en específico por la falta de cohesión interna que habita el núcleo estructural del guion. Este revoltijo solo consigue que el argumento tropiece constantemente y se vuelva aburrido cuando traza su límite entre los héroes y los villanos., y que nos podamos sentir un tanto perdidos al menos su primera hora.

En este sentido, las actuaciones del reparto son aceptables porque al menos cumplen con el factor de funcionalidad de describir lo que sucede, pero a veces me asalta la sensación de que todos tienen trasfondos inconclusos que esperan ser explorados adecuadamente para justificar sus acciones.

El punto de solidez se encuentra, por otro lado, en la forma en que Costner refleja la atmósfera de los horizontes lejanos a través de los decorados realistas, el vestuario de época, la reproducción auténtica del período y los paisajes absorbentes de diversas topografías espaciotemporales que se magnifican con el uso del gran plano general. Su fotografía es a veces impresionante y la recreación del periodo en el que se basa es intachable, contándose asimismo los usos y costumbres de los indígenas y de los nuevos pobladores de una manera cruda y creíble.
Además viene acompañada por una banda sonora de John Debney que acentúa los pocos momentos de intensidad con su música orquesta, pues refuerza nuestra idea del formato serie, ya que hay dos piezas, al principio y al final de la cinta, que destacan sobremanera respecto al resto, donde la banda sonora se coloca entre lo puramente ambiental y lo inexistente, pues la del final nos prepara para seguir en una nueva entrega, la cual esperamos sea más concreta y menos larga.

La película se basa en la "Mille Miglia de 1957" y su importancia crucial para la supervivencia de Ferrari, como fabricante de automóviles.
Hay que empezar comentando que para las dos horas y once minutos que dura la película, te tiene que atraer el mundo automovilismo para atraparte a la butaca, pues se centra en un momento crítico de Enzo Ferrari divo de las carreras, aunque en todo momento hay que ser consciente que no es la vida de Enzo y ni de Ferrari, por lo que queda el filme un tanto anecdotario. Existe una película documental del mismo nombre del 2017, que cuenta lo mismo pero más extensamente en las carreras Ferrari, y que sirve perfectamente como complemento, histórico.

El largometraje es un biopic que no quiere conformarse con ser una película biográfica al uso, lo cual lleva a una serie de decisiones que definen aquello en lo que acaba convirtiéndose: una mezcla con algunos ingredientes fascinantes, pero que no terminan de dar forma a un plato realmente apetecible. Dicho de forma más clara, acaba siendo menos que la suma de sus partes, dejando la sensación de que podía haber dado mucho más de sí, la dirección nunca parece tener muy claro cuál es su verdadero eje dramático.

Los actores todos están bien en general, especialmente Penélope Cruz (Laura Garello), ante el poso dramático de sus escenas. En el que si alguien en este metraje, hubiera merecido un óscar, efectivamente hubiera sido ella. En cambio, Adrián Driver (Enzo) topa con la dificultad de hacer que el espectador se emocione, con la vehemencia de Enzo Ferrari por los coches y la velocidad.
El problema es que el guion les mantiene detenidos en una furia que ni avanza ni alimenta. Su director sigue ante esto, mostrando su talón de Aquiles en su narrativa trabajo.

El final la historia termina de una forma un tanto cortante, ya que quienes han leído o visto sobre la vida de Enzo Ferrari, hubieran deseado entrar en el famoso. juicio cuestionado de la XXIV edición de la Mille Miglia.

Como también creo que desde España se hubiera agradecido, que nos hubieran mostrado quiera era el español XI Marqués de Portago, un aristocrata deportista de múltiples deportes y gran playboy de 28 años, realmente un personaje muy peculiar, que llegó a definirse “ en que cuando el dinero te aburre y las mujeres no terminan de saciarte, el riesgo se convierte como una droga”; un tipo en el que tan solo 17, ganó 5.000 dólares en una apuesta temeraria ante pasar con una avioneta, por debajo del por puente de Londres, un piloto que cobraba 40.000 dólares anuales por ser piloto de Ferrari en los cincuenta, y que escribió a su novia una nota, teniendo fallecer en la carrera. Un personaje muy cinematográfico al creo se le saca poco provecho.

El realizador madrileño nos lleva en un viaje emocional, mundos separados cultural y socialmente, la denuncia de desapariciones de personas, paisajes diferentes, el espíritu de supervivencia, esta son las constantes que pone en juego de este largometraje.
Tal vez lo destacable de su rodaje como película española es su paisajismo del valle de kullu al norte de la India a 6.000 metros de altitud y bajo cero, el Monasterio de Rey Gompa, aunque también se rodo una, porción en canarias. Viene a realizarnos un paseo de senderismo sin movernos de las butacas, y lo hace con tintes españoles. Y aunque evita caer en tópicos excesivos, no puede evitar pasar por varios lugares comunes que esperarías de una película así. Y se queda a medio camino en los múltiples temas que introduce.

Miguel Herrán vuelve a asumir sobre sus hombros buena parte del peso dramático. Su interpretación muestra toda una transformación interior que va evolucionando de un joven mochilero turista despreocupado con su pareja y su hijo en la India, hasta el hombre forjado por las adversidad y el dolor de su pena en la que otra cultura le hace tener otra perspectiva en su vida. En un filme que nos lleva desde un thriller, hasta el drama personal en el redescubrimiento interior.

Miguel Herrán y Alexandra Masangkay nos cuenta esta aventura en la cordillera del Himalaya, en la que talvez lo peor lo podamos encontrar, en que para dos horas de metraje, su historia no nos cuente mucho sobre sus personajes, y en no saber claramente en como deja la transformación de su protagonista