El español: su mayor enemigo
¿Cuál es el mayor enemigo de un español? ¿Los indios? ¿Sus dardos con veneno? ¿Las criaturas de la selva? Nada de nada. El mayor enemigo de un español es el propio español. Su codicia, su avaricia. Y si no, la del vecino. Ya sea puerta con puerta, hermano o paisano de provincia. Este país siempre con los regionalismos y sus enfrentamientos. Los andaluces son esto, los aragoneses lo otro y extremeños y castellanos todo eso y más. Se ve en Oro y en las noticias de hoy, también.

Toda esa sensación también es muy propia de los relatos y textos de Arturo Pérez-Reverte. Echando un vistazo a su obra -en la saga Alatriste más aún- se ven todos los males de este país. O lso que el autor trata de resolver. Sus gobernantes corruptos, una Iglesia tocapelotas -también de forma literal- y soldados, a cada cual más cabrón, pero que acaba sacando del atolladero a este país. España, condenada por la envidia, la arrogancia, la avaricia y la corrupción, por los siglos de los siglos.

Agustín Díaz Yanes y Arturo Pérez-Reverte vuelven a colaborar juntos tras Alatriste. Y como allí, la película va dando tumbos, nunca termina de arrancar y solo pequeños chispazos, la fotografía y los dos anteriores párrafos, la salvan del suspenso.

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La unión entre cine y videojuegos no es la mejor pareja para un día como hoy: San Valentín. La experiencia de este tipo de adaptaciones a la gran pantalla no es que augure nada positivo, a la vista de resultados como Doom, Super Mario Bros o Resident Evil. Y en el caso de Sonic, la película, el expediente no es que cambie demasiado. Porque al menos en mi caso no me ha convencido para nada.

Huelga decir que en mis tiempos mozos, allá por los noventa, no era un gran fan del erizo de SEGA. En asuntos de videojuegos, me entusiasmaba más Mario y más tarde Crash o Spyro. Con lo que afrontaba esta adaptación cinematrográfica dirigida por Jeff Fowler sin muchas expectativas. Casi mejor: esperando ser sorprendido. Pero lo único que me he encontrado es una película nada original, sin ambición y muy plana.

Algunos chistes y gracietas que no dan para mucho más; una pareja, James Marsden y Tika Sumpter, sin carisma alguna y cero en química, desdibujados y cuyo encuentro con Sonic es muy artificial. Nada natural. Y finalmente escasas y contadas escenas de acción que deberían predominar mucho más en esta teórica película de aventuras.

Eso sí, Sonic, la película recupera al Jim Carrey de siempre. El de Ace Ventura, La Máscara o Mentiroso compulsivo. Un festival de muecas y estridencia que, aunque lo has visto anteriormente, sigue siendo fresco como siempre.

No así el conjunto final de la obra. que seguramente será satisfactoria para los amantes del videojuego. Un retorno a la nostalgia de los noventa que si no disfrutaste en su día, tampoco lo harás ahora.

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Homenaje al trabajo periodístico de finales del XIX, principios del XX. Aquellas redacciones que hacían un trabajo más reflexivo y hecho para dejar poso en el lector, contribuyendo a sostener una opinión pública crítica con lo que le rodeaba. No en cambio, un producto de consumo rápido al que la televisión y las nuevas tecnologías han arrinconado a esta noble profesión, involucionando a una sociedad 'ovejil'.

Y todo eso, con el estilo habitual de un director que mima todos los detalles, cada plano, cada color, cada vestuario. Nada está dejado al azar, todo tiene un porqué. Como esa música deliciosa de Alexandre Desplat.

Así hasta configurar una suerte de cuadro surrealista en movimiento, compuesto de diálogos y movimientos de cámara vertiginosos, mezclando la diversión de un reparto excelente -no sobra nadie-, con un mensaje que invita a la meditación horas después de verla. Wes Anderson ha hecho Arte del Periodismo.

Los fans -donde me incluyo- de quedaréis complacidos. Nos da lo que queremos e incluso un poquito más. Cada vez va subiendo el listón de sus obras. Pero es que quien se aproxime por primera vez a él, también quedará encantado. Y cuenta de ello puede dar quien me acompañó y se entregó a la idea del Cine y el Periodismo que tiene este genio hecho director.

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El trabajo más personal de Kenneth Branagh es una experiencia sanadora, un retorno hacia la inocencia como vehículo para trascender ese dolor de una sociedad, aparentemente dividida. De la forma más sencilla posible, desnuda el sinsentido de la intolerancia, y aunque pueda parecer banal, es un forma de transmitir que la vida hay que tomarla como viene, alejarse del odio y a disfrutar.

Belfast no solo triunfa por todo lo que evoca. El contenido es apabullante gracias a un trabajo humano excelente. El inmaculado Jude Hill se funde con la sabiduría de unos arrebatadores abuelos, como Judi Dench y Ciaran Hinds, con quienes comparte escenas memorable. Una Dench que compartía la bonita anécdota de como Branagh, tras siete colaboraciones juntos, fue a su casa y le leyó el guion de principio a fin, pues a su edad reconocía que ya no está para esos menesteres. Por supuesto aceptó el rol encomendado. ¡Y qué interpretación se saca de la manga!

Y un Hinds, por otro lado, también salido de las entrañas de esa ciudad que vio nacer al Titanic. Como Dornan, en un nuevo paso hacia esa madurez interpretativa, que ya demostró en My dinner with Hervé. Sublime en su traje de padre de familia, que lo único que quiere es la prosperidad de los suyos, tomarse una pinta de vez en cuando, y envejecer junto a una esposa llena de matices. Las motivaciones de Caitriona Balfe están, quizá, más ocultas que las de sus compañeros de reparto. Pero como ellos, es un personaje igualmente fascinante.

Siempre que aparece el nombre de Belfast me viene a la mente Daniel Day Lewis. En el nombre del padre o The boxer fueron dos películas de adolescencia, que mostraban esa gris y turbia ciudad, donde sus aceras eran un campo minado de muerte. A pesar de ese halo destructivo, bosquejado del dolor del conflicto, Belfast es una metrópoli rica en tonalidades.

Resulta paradójico que esa gama cromática sea captada por el blanco y negro de un director, que recurre por segunda vez a rodar de forma digital y únicamente con la luz natural como aliada. Al estilo Kubrick en Barry Lyndon.

La fotografía, unida a un vestuario excepcional, como la música de otro de Belfast: Van Morrison, da como resultado una de las películas llamadas a ser de las mejores de 2022. O al menos a marcar una época en la filmografía de un director, capaz de pasar de Shakespeare a Thor, Agatha Christie, Mary Shelley o su tierna infancia, enarbolando la bandera de la libertad creativa. Y solo en hora y media de duración. Un lujo servido en bandeja.