Me sorprendió ésta película. Es una muy buena
historia, con buenos actores y buen hilo
argumental, más allá de que no deja de ser en cierto modo algo cliché y formada de manera simplista y sin demasiados ademanes complejos. Hay que contemplar sólo como Schwimmer dirige con solvencia a
sus actores, inyectandoles emotividad, credulidad
y realismo (la joven Liana Liberato arrasa en
pantalla con gran fuerza y presencia y Clive Owen muestra gran potencial
dramático ante el papel de un padre sediento de justicia/venganza). Un relato sobre los abusos en internet
y sobre el peligro latente de las conversaciones con
extraños. De las dobles intenciones. Del sexo como arma destructiva psicológica. De la falsa creencia de la confianza emotiva ilusioria. El guión, co-escrito por Rob Festinger, el mismo que regalo la narración excelente de In the Bedroom, es una historia contada de manera
sencilla pero de psicología compleja, repasando el
desmiembramiento de una familia clase, su crisis y su aparente carencia de una solución. También, es el retrato de la soledad
de los adolescentes que suplantan los sentimientos por los te quiero por mensajes de texto, y la realidad virtual convertida
en realidad emocional, algo peligroso si se tiene en cuenta que todo puede ser tan manipulable. Recomendable porque recoge varias aristas de un mismo punto, siendo además entretenida y solvente en sus casi dos horas, contando con buenas interpretaciones y una historia que contar con una lección que aprender. Es una lástima que en su año de estreno haya pasado demasiado desapercibida. Gran e
interesante trabajo de Schwimmer.

Por Dios! Es la mejor realización por lejos de los últimos tiempos (por no decir del cine).
Antes de ver la película uno se pregunta como hará Schnabel para hacer un filme en el cual el protagonista no es un actor (a pesar de la extraordinaria actuación de Mathieu Amalric), sino su ojo.
Quizá esa preegunta se transforme en sorpresa cuando en gran parte de la cinta la historia es vista en primera persona, como si nosotros vieramos lo que Bauby ve, y sintieramos lo tortuoso que es vivir así, aunque jamás sabremos el dolor que sintió en la vida real, y su tremenda impotencia ante diferentes situaciones.
A pesar de que la película es muy dramática y dura, tiene grandes cuotas de humor negro que sobrevuelan sobre todo al principio del filme, en el cual el protagonista se burla de si mismo y de su enfermedad.
Otro punto a favor son los constantes flashbacks que Bauby tiene, además de sus inspiradores sueños, que hacen a la película una biopic atípica a otras, demostrando que no necesariamente se tiene que mostrar al "homenajeado" como un heroe, sino como una pieza mas de la historia.
Por otro lado, la actuación de Amalric descolla y es secundado muy bien por sus co-protagonistas femeninos, la fotografía de Janusz Kaminski es bella e impactante, creando un contraste con la vida de Bauby y la labor del director Schnabel demuestra que no está para films chicos, haciendo esta obra maestra del cin contemporáneo y la mejor muestra de cine francés, con escenas y frases que quedarán en la mente de mas de uno.
Existe otro tipo de cine además del de Hollywood, ese que no precisa de efectos especiales y actores reconocidos. Tan solo buenas interpretaciones, apoyadas en un sobrio guión y grandes habilidades técnicas hacen que uno reflexione y se conmueva.

Muy lejos quedó el realizador coreano de aquel monstruo titulado Oldboy. ¡Que pedazo de película!. Hoy, nos tenemos que conformar con el desembarco de Chan-wook a suelo hollywoodense. No es que se haya vendido, sino que quiero creer que quiso expandir mercados con su estilo. Stoker es su ópera prima norteamericana. Y, además, es una película mala e indecente. Si es cierto que posee la carga visual, onírica y hasta si se quiere extravagante de la filmografía recurrente del director, pero atenta contra el gusto por una historia que se deje ver. No es compleja, es absurda. A partir de la segunda mitad, Stoker es una película sin rumbo, alarmante en cuanto a falta de conexión y sorpresa. Si, está bien, hay tensión erótica y todo lo que se quiera. Pero para explicar las cosas va por el mismo tipo que la mayoría de los thrillers contemporáneos. Parecía una película con una carga psicológica asfixiante, pero terminó siendo una decepción mental absoluta y pseudointelectual.
Lo mejor: Mia Wasikowska en una interpretación concentradísima.
Lo peor: Mia Wasikowska en una interpretación concentradísima en esta película.
Como citaba una frase de Oldboy: "Ríe y el mundo reírá contigo. Llora y llorarás solo"... Esta vez, creo que el mundo no se estaba riendo con Park Chan-wook.
Una decepción.

Tras contemplar dos espectaculares realizaciones como lo fueron Being John Malkovich y Adaptation., Spike Jonze parece dar el primer paso en falso con Where the Wild Things Are, adaptación homónima del libro de Maurice Sendak. No es que Jonze carezca de la frescura de sus trabajos antecedentes. El realizador posee un estilo propio que hace que lo que se vea, mas allá de que guste o no, jamás pase desapercibido. Mientras que en Being John Malkovich y Adaptation. se preocupaba por las metanarraciones -en colaboración con Charlie Kaufman-, con la adaptación del libro de Sendak parece quedarse en un territorio demasiado amargo y que pedía a gritos mas. La película está bien hecha, pero nunca apasiona. Se vuelve lenta, curiosamente, cuando tendría que volverse interesante: el encuentro de Max con las criaturas imaginarias. Falla en el acomodo emocional entre historia y espectador. Carece del sentido vital de toda película: conectarse sentimentalmente. Vemos todo lo que le pasa a Max al igual que a los monstruos -cambios de carácter, apego, caprichos-, pero se falla al intentar transmitir algo aparentemente sin importancia: un trasfondo que tenía que ser tan vivo como el paisaje geográfico que se muestra. Me quedo con la excelente fotografía de Lance Acord y el casi artesanal diseño de las criaturas, que se nota que están hechas con "amor" y dedicación. Jonze, que es proclive a arriesgar en las narraciones, aquí pone un freno importante, aún teniendo a los personajes mas peculiares de su filmografía: monstruos, quizás mas que los que fueron interpretados por Nicolas Cage o John Cusack.
Where the Wild Things Are se queda a medio camino entre el drama sobre la exploración de nuevos horizontes imaginarios, la aventura que conlleva la ubicación de la mente infantil en un mundo a primera vista excéntrico y una historia medianamente entretenida.

Drive se establece como una fuerza de estilo magistral. Una película hecha desde el más importante concepto de vanguardia y estilización cinematográfica. La obra de Nicolas Winding Refn -cuyo antecedente Bronson, del año 2008, es de visionado crucial para entender la grafía de su impronta visual- es una película estupenda, no sólo porque homenajea al estilo noir con calidad, sino porque también seduce y atrae con su fuerza lacónica, el poderío imaginativo de sus escenas y la recreación del sentido de la venganza, la subversión y -desde una óptica absolutamente atípica- del amor. En Drive hay poco y nada de acción -sólo una escena de persecución resuelta con estruendo-. Pero hay mucho más tiempo -y eso es lo plausible del filme- para otro tipo de acción: la poética. Lo sublime resulta no la violencia, pero si la violencia enmarcada en el contexto emocional de su protagonista. Ryan Gosling es más que un personaje sin nombre con su Driver, un personaje sin palabras y sin calor humano, algo asombroso en la creación de su reservado caractér. Sufre con la violencia, pero no se nota. Siente con el amor, pero parece no interesar mucho a la idea principal del filme: marcar estilo. Marcar presencia con su aire desolador, con su paisaje ultra violento y modernista de la venganza, la muerte y la soledad infernal de sus protagonistas. Siempre la soledad presente, para desembocar en una mirada triste y sin piedad sobre el ser humano y su arte, manera y modo de volverse un monstruo activo escondido de un ser absolutamente pasivo e indiferente. Una transformación que en Gosling se nota con creces. Porque en el fondo todos nosotros sabemos que somos tan parcos y tan solitarios como nuestro conductor.
Sumado a ello, la labor técnica y visual es absolutamente desconcertante. Las imágenes recogidas por Newton Thomas Sigel son de una belleza increíble. Hace que la violencia nos seduzca, como dije antes, y que el poderío de sus escenas resulte hipnótico.
Drive, más allá de ser una de las mejores películas que recrea el noir en nuestra realidad cinematográfica contemporánea, es también una de las películas más arriesgadas y desconcertantes de los últimos años. Una desmesura visual y técnica admirable. Un logro del danés Refn cuyo objetivo se cumple de maravilla: establecer un enclave perturbador que abre polémico debate sobre como a veces la violencia y la indiferencia se pueden volver hermosos de apreciar. De sentir y de oír. Una gran e increíble película de colección en su estilo y su vanguardia.