En mi caso, personal y circunstancial, hace ya un tiempo que la frase de "No creo que vuelva a ver a Mel Gibson en la gran pantalla por motu propio" se me pasó por la cabeza, y hasta fue pronunciada por mi boca. Mal planteamiento, aquí vino Jodie Foster para hacerme cambiar de parecer.

Se habla del resurgir del actor, de su renacimiento. Por mi no avanzada edad (de aquí lo circunstancial) no he podido descubrir su cine anterior, de donde intuyo que si hay un resurgir, hubo una época donde estaba en lo alto (no es ironía, es una deducción). Ahora mismo estoy interesado por ver el cine de otros que me parecen más interesantes (de aquí lo personal), por lo que Mel Gibson tendrá que esperar a que mis años avancen y tenga tiempo para verlo todo. Por ahora, me quedo con la gran interpretación; sólida, entregada y extrema. Digna de elogios, sin más, sin mirar atrás en la historia del actor.

Pero no estamos ante un film que deja el peso a su protagonista, aquí su mayor virtud, repartir el peso en los aparentes secundarios. La que en principio parece la simple guapa de la película, Jennifer Lawerence (pasa casi inadvertida después de una estupenda "Winter's Bone") da una muestral de interpretación juvenil con clase. Y en este grupo, resaltar al niño (Riley Thomas), que da un recital de naturalidad, de no contaminación por el protagonismo (nada de ser "el niño repelente"). Junto a esto, un guión bastante extremo y su punto de vista, le dan a la película un cierto tono personal, pero que la dirección no logra consolidarse como tal por caer en muchos elementos convencionales.

Así,una siempre gigante Foster, está demasiado dramática por cuestiones de forma de guión (es la esposa sufrida) y cuestiones de su auto-dirección. Y el hijo mayor (Anton Yelchin) también hace una muy buena interpretación, a la altura de Gibson, pero le toca otro papel común (el hijo rebelde). Esto, junto con propuesta escénica que roza lo normal, alejan el film de una película que podría haber sido de autor.

Jodie Foster, ahora mismo, está jugando con dos tipos de dirección, el de hacer cine convencional o personal. Seguro que tendremos la ocasión con futuras películas de saber de que lado cae.

Es loable, casi admirable desde un punto cinematográfico, querer realizar (y hacer) un western en un ya entrado siglo XXI, es hasta lícito. Pero esto acarrea una consecuencia casi insalvable; el proyecto las tendrá casi todas en contra para trascender entre el público y a través del tiempo.

El film ha jugado casi todas las cartas posibles para evitar esto; una gran dirección, un sólido guión, buen ritmo de la narración, una fotografía que roza la perfección, se intuye una grandísima planificación de producción, buenos aspectos técnicos y visuales, coherente e imponente recreación y grandes interpretaciones, donde sobresalen los dos protagonistas, un Jeff Bridges que da una lección de interpretación y la revelación de Hailee Steinfeld, otro torrente ante la cámara. Solo un toque excesivo en la banda sonora le resta al conjunto final.

Los Coen han jugado sus cartas, teniendo a Bridges como as de picas. Pero han jugado la partida en tiempos en los que no se juega a este tipo de cartas, no porque haya pasado su época (el género sigue vivo), si no por haber jugado demasiado con ellas (la historia está demasiado trillada) y porque seguramente hubieran ganado la partida si hubieran hecho lo mismo pero con una historia diferente y más transcendente, sobretodo esto último.

En realidad la película no pierde la partida, más bien ha ganado una mano en la que no se apostaba nada.

La coherencia con el ritmo que se le da y adquiere un film a lo largo de su desarrollo es fundamental para tener un buen resultado final. "La mitad de Óscar" respeta perfectamente esta premisa cinematográfica.

Estamos ante un film para paladares serenos. Para mentes abiertas. Para los que quieren ver más allá de interpretaciones y paisajes. Para quienes buscan profundidad real en una complejidad palpable. Puede que se exceda en algún tramo central (los paseos por la zona acantilada) por la extrema calma (visual, que no sentimental) hasta para aquellos que suelen ser receptivos de ritmos pausados y con poco dialogo, pero estamos ante un guión igual de sólido que esa robusta costa almeriense (retratada con una gran fotografía). Firme en su pretensión (contar un historia de manera verdadera y de crear cine) y exitosa en su producto final.

A lo largo del metraje (unos muy acertados 80 minutos), los personajes se reencontrarán para buscarse y nos dejaremos llevar por ellos en dos actuaciones nada fáciles. Rodrigo Sáenz de Heredia logra una interpretación totalmente creíble con un personaje que tiene tan pocas palabras y que es tan difícil de comprender, y Verónica Echegi simplemente irradia naturalidad y verdadera pasión por su oficio.

Manuel Martín Cuenca, que también deja claro el buen hacer en su oficio, el de dirigir a un equipo técnico y artístico de una manera precisa, logra, la que creo que es, su mejor cinta hasta el momento (con ya una muy buena "La flaqueza del bolchevique" y una intensa "Malas temporadas" a sus espaldas).

Una escena para recordar; el plano secuencia (casi) final amaneciendo. Sublime.

Acercaos, encontraréis cine sin moralinas pero que muestra realidades, en un guión que más que contar una historia (principio-desarrollo-desenlace), cuenta comportamientos humanos (blancos y negros) sin juzgar, ofreciendo al film casi como contemplativo. Encontraréis, imágenes con una delicada fotografía, intima y pensada. Degustaréis, una historia contenida de un drama abrumador, que necesita de plomo para ser contada y para ser escuchada. Comprobaréis, Huppert no da descanso a su trabajo de calidad, es una gozada ver en la pantalla a esta gran mujer dominando la historia. Confirmaréis, el cine francés sigue ofreciendo (sin cansarse ni agotarse) buen cine.

Y, por cierto, una pregunta que espero que la mayoría se haya hecho más de una vez; ¿Por qué los Oscars jamás ni han nominado una sola vez a Isabelle Huppert?

En el arranque del film se nos plantea, de golpe, el gran e inevitable dilema de la película, su parecido con Amores Perros. A partir de aquí tenemos dos opciones, o verla con todos los prejuicios del mundo (pues la película tendrá más semejanzas en su evolución) o dejarse introducir en el mundo de cada personaje y ver que (aunque se siga pareciendo a la obra maestra de Iñarritu) es una película distinta gracias a la construcción sólida de los personajes y la voluntad de querer hacer un cine propio por parte de la directora Juana Macías.

Planteado esto, la película (en principio) nos lo pone fácil a aquellos que nos guste ver cine procedente de autores que pretenden tener ese nombre propio en el futuro (pretensión necesaria en este oficio). No es malo asemejarte a otros cineastas, nadie nace sabiendo, hasta hay que copiar para aprender y luego forjarse un estilo propio. Esta directora, si la industria le da la oportunidad, está en camino de ofrecerle al público su cine, aún por construir, que apunta maneras al ver su gran dirección de actores, la dirección en sí y por querer llevar a cabo un guión sólido y propio.

Si dilucidamos el gran dilema planteado al principio a favor del film, podremos disfrutar de interpretaciones que llegan (las cuatro protagonistas están fabulosas) y de una dirección novel más que respetable.

No apto para gente que no tenga ganas de ver realidad en la ficción.