Comienza L'avenir con una huelga de estudiantes en la que Huppert, profesora de filosofía, no participa. Tras el instituto, pasa por la editorial que quiere renovar las portadas de su colección de autor, luego come con sus hijos y su marido en su piso parisino y va a visitar a su madre, que sufre de problemas psicológicos. La protagonista lleva una vida burguesa ocupada en la ciudad y pasa las vacaciones con su marido en una casa en la costa bretona. Una vida monótona y estable cuyo empleo ha nublado los ideales del personaje a lo largo de los años.

He ahí la clave de la película. Durante un buen rato las escenas se suceden sin que realmente pase nada importante. O al menos eso pensamos hasta que comprendemos lo que la directora nos quiere mostrar. Pues la rutina siempre se verá moldeada por el paso del tiempo, por el avenir. Los hijos se independizan, los padres desaparecen, las parejas se rompen, el trabajo peligra. El futuro llega más rápido de lo que creemos e Isabelle se encuentra, por cuestiones ajenas a ella, sola en su piso, con la mitad de libros ausentes de las estanterías del salón y sin saber qué hacer. Pero al mismo tiempo se da cuenta que la falta de compromisos y estabilidades, implica la verdadera libertad.

En la recta final del relato, la protagonista se encuentra en una granja de los Alpes, invitada por una antiguo alumno que ha creado una revista literaria activista de intelectuales pretendidamente bohemios. Aquí se sucede alguna que otra conversación sonrojante, pero en absoluto molesta, pues en este momento confluyen los guiños de toda la película a la filosofía. Isabelle Huppert, mujer, se perfila como figura del conflicto existencialista interno, desde el momento en que escucha silenciosamente los diálogos entre los granjeros y empieza a cuestionar su vida. Pero también representa la lucha del hombre contra la naturaleza, como Rosellini había logrado magistralmente en Stromboli, rompiendo el arqueotipo masculino de la literatura encarnándolo en una Ingrid Bergman embarazada durmiendo en el cráter de un volcán, salvo que aquí es una naturaleza que calma, que mece, la que altera la posición de la profesora.

En el momento en el que el conflicto aparece, la libertad viene definida por nuestra capacidad de tomar decisiones. Huppert tiene la posbilidad de retomar sus ideales de juventud, de militante del Partido Comunista, o de volver a su piso parisino a ser una abuela dedicada enteramente a sus futuros nietos. La directora sutilmente alarga el relato durante varios años, anteriores a la crisis política actual, para intentar despertar a su público. Para ver que el olvido y la pereza debido a la comodidad, tienen sus consecuencias. Para que sepamos que de aquellos polvos vienen estos lodos. L'avenir es una película política camuflada que no juzga nuestras decisiones como individuos de una sociedad, sino que nos invita a la reflexión de las mismas para que podamos actuar en consecuencia.

Dos son las escenas que podrían resumir la aceptación del nuevo miembro. La primera, la hoguera en el jardín bajo la lluvia. Un lento movimiento circular de cámara cuyo centro es la niña en los brazos de la nueva madre. Mientras el fuego y el agua se mezclan con la textura de la imagen seremos testigos de la primera declaración de amor de la niña. La segunda, la escena en la playa con toda la familia feliz y relajada, donde las reacciones de los niños son espontáneas al jugar con las olas. Aquí Koreeda consigue que olvidemos que en algún momento la niña no formaba parte del grupo, tal es la naturalidad con la que la familia se comporta. Por si fuera poco, este apogeo de la felicidad llega justo antes de clausurar el segundo acto, antes de que una tormenta estalle con una fuerza insospechada. Unas naranjas que ruedan carretera abajo nos darán la clave.

El tercio final rompe con todo lo anterior y en él la crítica cobra gran fuerza. Tras ser testigos de la composición de una familia a lo largo de toda la cinta, vemos con impotencia la disección de la misma cuando la ley interviene. Koreeda pone en evidencia la falta de preocupación del Estado por el bienestar de las personas, pero además abre varios debates interesantes. El primero ¿Qué es peor? ¿El robo o dejar a los marginados sin otra escapatoria que robar? y el segundo, que ya trató en Tal padre, tal hijo ¿Qué forma exactamente una familia? ¿La sangre o el amor? Gran osadía la del cineasta teniendo en cuenta la importancia de la figura familiar en Japón.

Un asunto de familia muestra a un Koreeda en plena forma que sublima su fórmula. El director maneja la sujestión de forma espectacular, rehuyendo de la cursilería y del melodrama. Es gracias a esa naturalidad que la interrupción final es capaz de remover nuestras entrañas. Además, la ejecución de unas cuantas escenas nos regala grandes momentos de realización que auguran que el cineasta aún no ha tocado techo.

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Un grupo de peligrosos criminales son engañados, encerrados y sometidos al aislamiento del espacio y sus terribles radiaciones. El desgaste físico y psicológico únicamente se pueden saciar de dos formas: un huerto, símbolo de paz y tranquilidad, y la fuckbox, descendiente directa del Orgasmatron de Barbarella, una máquina sexual que nos regala la mejor escena de la película, el éxtasis de Binoche acompañado de la música de Tindersticks. Sin embargo, a medida que la nave se aleja de la Tierra la opresión del entorno hace mella en la tripulación: Claire Denis nos demuestra que el poder sabe de sobra que los impulsos violentos no son capaces de ser reprimidos mediante la cuarentena y el confinamiento; los experimentos de la doctora no dan sus frutos, la desesperación provoca que algún tripulante se lance a un agujero negro -dándonos una escena técnicamente impecable- y el paso del tiempo sólo sirve para que el inevitable y previsible desenlace fatal termine por hacer irrupción.

Las referencias a Solaris se suceden a lo largo de toda la película: Si en el clásico soviético era la influencia de un exoplaneta quien conducía a los tripulantes a la locura, en High life es la aflicción de un grupo de personas abandonadas quien desata la tragedia. Pero eso sí, en los confines del universo el nacimiento de una niña a bordo supondrá el último rayo de esperanza visible. A medida que la nave se aleja más y más de la Tierra, las normas morales y legales desaparecen en las relaciones paterno-filiales dejándonos situaciones un tanto ambiguas para el espectador. Es por ello que ambos personajes han de hacer frente a una nueva forma de vida más allá de lo conocido sobre la Tierra, teniendo que decidirse a hacer un gran salto final.

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Un propósito cuya ironía explota al final cuando la pareja va al encuentro de otro genio de los códigos del cine, el cascarrabias excéntrico por excelencia con quien Varda siempre ha tenido buena relación. El sujeto en cuestión deja plantado al dúo, con una Varda destrozada ante tal actitud. Queda así patente, sin embargo, quién de las dos figuras supervivientes de la Nouvelle Vague emplea su arte para divulgar sus principios en la sociedad y quién para alimentar su ego. Gracias, Agnès.

Es por ello que el principal impacto en la película es la desaparición de Jun a mitad de metraje, sin que volvamos a verla. En sus viajes a las termas, Jun se queda un día más que el resto de sus amigas ante de volver a Kobe, pero en un autobús urbano se encuentra con una joven de otra región que le describe la vida cotidiana en su pueblo. La escena se cierra con un primer plano de la protagonista sonriente, con la mirada perdida y la escena siguiente tiene lugar semanas después en el que es el mayor corte temporal de Happy hour: en un café de Kobe, sus tres amigas y su ex-marido se reúnen: la mujer no ha vuelto a la ciudad, nadie sabe dónde está. El hijo de Sakurako se cruza con ella en la estación del ferry, sabemos que se dedica a viajar descubriendo el país y ahí se cierra su trama.

Es el punto de inflexión de la película. El hecho que rompe el equilibrio del grupo y cuyas consecuencias influirán en la toma de decisiones de cada una de las amigas respecto a los hombres de sus vidas, demasiado egoístas como para que las amigas tengan esperanza en el futuro de una pareja. Eso sí, tras la desaparición de Jun, cuando creemos que la película se adaptará a una narración más habitual, de pronto nos topamos con una conferencia de media hora en la que una escritora y el ex-marido de la fugitiva debaten acerca de la creación de personajes en ficción. En este momento es como si Hamaguchi mismo hablase a través de la joven y justificase la propia obra en un inciso de la historia de las cuatro mujeres. Sin embargo en esta misma escena hay una tensión subyacente gracias al rencor que Fumi guarda a su propio marido, evidente en su actitud y en su ceño fruncido todo a lo largo de esta escena inesperada.

Hay muchos momentos dignos de mención a lo largo de estas cinco horas: el reencuentro de Jun con su exmarido, en una escena a contraluz, con la protagonista de espaldas a la cámara y con el hombre fuera de plano, momento en el que los reproches afloran y la toma termina de manera violenta. Otro momento tenso es la revelación del hijo de Sokurako ante la familia, mientras los padres deciden encontrar una solución al problema del joven, la abuela, abatida por el suceso aparece sentada en una silla, de espaldas al corro. Ante la cobardía de su propio hijo, la anciana levanta de golpe y corre a abofetear al padre de familia.

Pero no sólo encontramos tristeza, rencor o violencia. Al contrario, la cinta está llena de momentos luminosos y enternecedores. Un travelling precioso, entre la brisa que acaricia las ramas de los árboles en un bulevar muestra a Sakurako y a su suegra, vestidas de ceremonia, caminando lentamente, escena en la que la mujer mayor le habla acerca de la figura del hombre y aconseja a su nuera respecto a su futuro. Un encuentro de dos generaciones de mujeres de un país moderno en cuanto a tecnología pero tradicional y conservador en cuanto a la familia.

En otra escena, Sokurako y Fumi vuelven a casa en metro cuando en el andén se cruzan con un compañero del taller de telepatía. Es un momento cómico y la vez lleno de júbilo. Hablamos de un hombre tímido que en la escena de la sesión apenas se atrevía a intercambiar una palabra con Sokurako. Su torpeza e indecisión dejaban claro la atracción que sentía por la mujer. En este encuentro casual, cerca del final, una sola frase "¿Tienes un minuto?" desencadena un momento crucial en las vidas de Sokurako y Fumi. Al cruzar la mirada con el hombre, Sokurako, casi de manera refleja, salta con él dentro del vagón antes de que las puertas se cierren. Desde el andén, Sokurako y Fumi se miran, sin necesidad de hacer ningún gesto, se comprenden la una a la otra y es más, la valentía de Sokurako hará que Fumi también rompa con su marido. Todo ello sin cruzar palabra, por lo que el taller de telepatía en la primera hora de película cobra un sentido mucho más amplio aquí, cerca del final.

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