Basada en hechos reales convenientemente procesados, “Philomena” se plantea como una especie de drama familiar con notas de denuncia social y recreación documental de la historia Philomena Lee fue, una madre soltera cuyo hijo terminó siendo dado en adopción en circunstancias poco claras y que trata, ya en la tercera edad, de saber qué fue del niño, sólo encuentra obstruccionismo por parte de la Iglesia Irlandesa.

Como drama funciona estupendamente: remueve las conciencias para empatizar con el dolor de la madre en cada nueva revelación sobre la vida que terminó llevando su hijo y calienta las entrañas a la hora de odiar a los responsables de tanto sufrimiento. También funciona como película, avanzando en las tramas bajo el paraguas de una interesante y verosímil investigación, que mantiene a salvo a la producción de traspasar la peligrosa línea del melodrama o de la lágrima fácil. Y, lo más importante, la película logra lo que se busca en estos casos: la credibilidad, la impronta de que te están contando unos hechos que son ciertos (aunque se trate de unos hechos de los que que probablemente oyes hablar por primera vez en tu vida y, a todas luces, no tienes elementos suficientes de juicio).

Quien no profundice se quedará con una historia que pone todo su empeño en extender y generalizar sobre toda la Iglesia Católica una hipotética trama de tráfico de niños en adopción en base a un caso puntual en un convento de Irlanda. Y lo hace con el mismo empeño con el que otras producciones de corte similar o los informativos nacionales, tratan de dejar claro que la violencia del extremismo islámico o la sobrerreprentación de ciertas minorías y etnias en los índices de delincuencia no son extrapolables a toda la comunidad. No seré yo, desde luego, quien ponga o deje de poner la mano en el fuego por nadie en este asunto, pero hay elementos claramente adornados y manipulados más allá de la simple licencia artística y, aunque el asunto trascendió tras la película, no hay conclusiones de ninguna investigación oficial, rigurosa e independiente que confirmen que se trataba de prácticas extendidas. Cosas del sesgo, supongo, al final hay entidades a las que compensa comercialmente criminalizar y comunidades a las que no sale tan barato.

En todo caso, si se aparca la ideología, una película aceptable y bien hecha.

Es curioso, pero escribir sobre truños cada vez se me hace más complicado. Digo que es curioso, porque resulta que empecé escribiendo críticas en FA para cachondearme de ciertas películas de medio pelo y me resultaba complicado hablar de películas buenas – teniendo en cuenta mis limitados conocimientos cinematográficos, más allá del ‘me gusta’ o ‘es perder el tiempo’-. Más de diez años después me sigue resultando complicado hablar de películas buenas, pero me da pereza criticar patochadas. Me he ablandado y suelo terminar por encontrar siempre algo bueno en el truño más oscuro: que si los actores hacen lo que pueden, que si es que no había medios, que si bastante hace con lo que tiene….

“Animal de compañía” es una excepción que nace con una vocación truñil perfectamente identificable por varios síntomas. Primero, la presencia de actores venidos a menos (Pippin) con semidesconocidos (Ksenia Solo) y amateurs (los otros tres o cuatro incautos que tienen frase). Segundo, el abuso del sonido ambiente, sin banda sonora y con ciertas melodías genéricas libres de derechos de autor en momentos clave. Tercero el abuso del plano corto y de ambientes cerrados para controlar el ambiente sin mucho esfuerzo. Cuarto, que los diálogos son de cartón, sin chispa, convencionales, de relleno, se puede cambiar el orden de las frases y el sentido de la escena no cambia. Y quinto, ese aire indy - que tanto daño ha hecho al mundo del cine - que piensa que cualquier historia – por intrascendente que parezca -, al final es interesante para alguien, así que merece la pena contarla.

Por si quedaban dudas, la película se hace previsible en el momento que se embarca en una historia de secuestros, por lo que por definición sólo va a poder haber tres líneas argumentales: la de secuestro-rescate, fácilmente descartable por quedar fuera de las posibilidades económicas; la de secuestro-tortura, con poca salida comercial más allá de sádicos o perturbados; y la del secuestro-huida, que a estas alturas ya no resulta creíble (¿por qué nunca hay noticias de secuestros que acaben con la huida?) o, como mínimo, repetitiva. No voy a hacer spoiler, sólo diré que rellenar dos horas de película con estos mimbres requiere de pocos escrúpulos con la inteligencia.

La película no sólo no es agradable, sino que es un sinsentido cuesta abajo y sin frenos. Me aburre la introducción, no me creo el desarrollo y el desenlace es una traca de estiércol. Todo con unas interpretaciones que parecen decir «¿por qué me hacen decir esto ahora?» en cada mirada, «¿por qué hago esto?» en cada gesto.

Alguien tenía que escribir sobre ella para alertar a incautos.

En el imaginario popular Balagueró es un apellido inevitablemente asociado al terror, aunque una revisión más detallada de su carrera revela una tendencia más hacia la acción con sustos y monstruos de las sagas “Rec” y “Quarentine” y al misterio con final paranormal de “Frágiles” y “Los sin nombre”. De hecho, a pesar de su fama, sus películas nunca han conseguido convencerme ni provocarme miedo. Intriga a ratos y cierta curiosidad por ver o conocer al malo, pero poco más.

“Musa” sigue en esa línea. Argumentalmente está muy bien construida con un elemento sobrenatural - esas musas generalmente asociadas a cosas positivas - que es de los más consistentes e interesantes que me venga a la cabeza. Lo que pasa es que parecería funcionar mejor como libro que como película. Mientras en pantalla aparecen elementos descriptivos y explicativos de la trama – quienes son las musas, qué poder tienen, cómo han ejercido dicho poder en la historia…- , la película capta el interés del espectador, pero ese interés se pierde en cuanto nos metemos en una parte detectivesca bastante desangelada, interpretada con poco carisma y mal ejecutada. “Musa” no da miedo en ningún momento. Ni siquiera sustos, y no será porque no lo intente, pero ni la cara de berberecho del protagonista transmite espanto ni el repetitivo esquema de los sobresaltos – atenuación de luz, atenuación de sonido, flashazo de luz que revela algo macabro, subida de volumen al máximo- ayuda a convencer a nadie de que ahí está pasando algo malo. Su atractivo está en la intriga por conocer y desvelar la naturaleza de las musas, no en lo que hagan o dejen de hacer a los protagonistas ni en un enigma final en torno al cual parece estar armada gran parte de la narración y cuya revelación, en uno de los más anticlimáticos finales que recuerde, nos deja indiferentes.

Destacaría la factura, el argumento, la estética y la ambientación, pero el desarrollo de la trama, las interpretaciones y las sensaciones no están a la altura.

Cada año, por motivos fiscolegales, Antena 3 y Tele 5 tienen que invertir una cierta cantidad de dinero en cine nacional y, de hecho, gran parte de los pelotazos españoles –“El niño”, “Celda 211”, “El desconocido”…- proceden de esta política. Se puede decir muchas cosas de las calidades y cualidades de esas dos cadenas, pero hay una cosa innegable común a las dos: de tontas no tienen un pelo y no van a subvencionar cine sin esperar recuperar con creces lo invertido por muy español que sea dicho cine. Es muy raro que una película española financiada por cadenas de televisión pinche en taquilla.

Tanto éxito – al menos en taquilla- no es fruto de la casualidad sino del trabajo, aunque siempre no del trabajo cinematográfico, sino del estudiar el mercado para saber qué quiere la gente, por qué cosas está dispuesta la gente a pagar la entrada y ofrecérselo con el reparto que esté de moda en ese momento. Por eso todas estas películas made in Antena 3 o Tele 5 nos terminan resultando tan familiares y parecidas unas a otras, por el trabajo de laboratorio a través del cual han sido desarrolladas.

“Cien años de perdón” va un paso más allá y directamente ha sido elaborada por un algoritmo inicializado por una semilla cuyas palabras clave son ‘denuncia social’, ‘crisis’, ‘lluvia’, ‘atracadores buen corazón’, ‘bancos malos’, ‘rehenes’ y ‘políticos corruptos’. Y el resultado fueron cien folios de un guión mecánico y encorsetado que propone una serie de escenas de mucha intensidad para manipular mentes sugestionables generando empatía con los delincuentes y, muy al gusto de 2016, que odiemos a los bancos especuladores y a los políticos corruptos. Ni el meollo de la trama ni mucho menos el desarrollo de la acción resisten un mínimo análisis crítico, pero para eso tenemos un enloquecido elenco argentino que nos distrae con sus acentos, su humor peculiar y sus expresiones pintorescas. La elección de Tosar y Coronado obedece a la búsqueda en Google de ‘top actores serios españoles que no pueden faltar en tu película de moda’ y resto están un poco por estar, son intercambiables y sus diálogos generados por ordenador los podría recitar hasta yo.

Para mí, todo lo bueno que podamos decir sobre “Cien años de perdón” -su atmósfera, la puesta en escena, es entretenida- queda anulado por el hecho de ser una cosa falsa, un producto de bollería industrial sabroso pero insano. Lo siento, es que no me gusta que me manipulen y que encima cobren por ello.

Hace tiempo, escribiendo la crítica de la tercera parte de “La Momia” (la momia del emperador dragón o algo así, se llamaba) hice tres críticas en una y escribí, acerca de la segunda parte:

“[Después de ver la primera parte]… me enfrenté a su secuela con escepticismo... e hice bien. Por Dios, menudo truño. Menos efectos especiales (aunque seguramente mejores y más caros), peores chistes, argumento más forzado, Rachel Weisz irreconocible (de fea, de mal maquillada, de mal peinada, de mal vestida, sus estilistas unos hijos de puta), un crío repelente y una trama de risa. Un 1 (nivel de truño: momio oportunista).”

Lo que me valió un agrio enfrentamiento con un compañero de trabajo, miembro también de filmaffinity, que la consideraba (y la sigue considerando) una obra maestra. No deseo alimentar la polémica ni discutir sobre ritmo, originalidad, efectos especiales, ni nada… pero como hace poco salió otra vez el tema, contaré mejor una anécdota que describirá mi opinión sobre este momio mejor que mil palabras:

Plató de “Sálvame de Luxe” un viernes a las once de la noche. Kiko Matamoros se hace el dormido mientras un cantamañanas con presuntas dotes hipnóticas le interroga. Kiko se esfuerza por poner cara de sonámbulo estreñido para dar credibilidad a las sandeces que está contando en medio de esa farsa. Le preguntan por Lidia Lozano. Cuenta que una vez le invitó a casa de sus padres, que fue allí y se encontró con ella y una amiga morena. Se hace el silencio absoluto en platón, se palpa que se está llegando a un punto importante, que la cosa tiene enjundia.-“¿Y qué hicisteis allí?”, pregunta el Freud de rebajas…Kiko calla inicialmente. Como contra su voluntad, rebuscando en su subconsciente confiesa -”¡¡Me hicieron una paja!!”.

Ha valido la pena aguantar el tostón para llegar a ese momentazo histórico. El público sabe valorar el esfuerzo con respetuosos aplausos y carcajadas. El resto cae de cajón: Lidia se hace la ofendida mientras sus compañeros le manifiestan su apoyo con cariñosos apelativos como ‘zambombera’, alaban sus ‘artes manuales’ y le preguntan si interpretaron un solo de flauta o un dueto. Ante los inexplicables reparos de Lidia, Kiko, quien sabe si más turbado que ella (jajaja… “más turbado”, ¿lo pillais?... jajaja) por haber quizá haber hablado de más previamente sale en su apoyo para aclarar que “las dos tocaron el instrumento”.

Pues bien, el pasado viernes tenía un DVD con la segunda parte de “La Momia” y “Sálvame de Luxe”… y preferí seguir las evoluciones manuales de los petardos de Tele Cinco. Y volvería a hacerlo antes de ver otra vez a Brendan Fraser y compañía.