Ostlund se reveló como un gran director con "Fuerza Mayor", extraordinaria película que indaga sobre la condición humana y las relaciones interpersonales, los roles pre-asignados y la dificultad de romperlos. Volvió ahora con "The Square". Con la misma maestría técnica y en dirección de actores, con diálogos excelentes y un suspenso que nunca termina de abandonar el film, nos ubica ahora en el ámbito de un Museo de Arte en Estocolmo y el desbarranque de su curador artístico, acostumbrado a intentar buscar los límites en el arte y la ruptura de criterios establecidos, pero que no podrá manejar adecuadamente una salida menor de su rol social al querer "hacer justicia" tras un hurto. Ostlund tiñe todo de una mirada irónica y amarga. Por momentos casi lascerante. Nos muestra una Suecia que ha dejado atrás en buena medida el estado de bienestar y está llena de mendigos. Veremos el comportamiento indiferente de la gente, la cobardía y su actitud como manada y el "cuadrado", ese lugar donde todos tienen los mismos derechos y obligaciones, nunca dejará de estar vacío. Película compleja, no lineal. Con multitud de escenas riquísimas, algunas antológicas (la de la representación en la cena es extraordinaria), donde indaga en lo políticamente correcto, la hipocresía social y personal, sin dejar de lado un humor de tintes bastante oscuros. Son muchas como para encerrarlas todas en pocas líneas. Y, por sobre todo, no nos dejará indiferentes. ¿Cuantos de nosotros no sentiremos la misma incomodidad que los protagonistas ante ciertas situaciones que salen de lo convencional?. En alguna que otra escena (la basura, por ejemplo) puede haberse pasado un poquito de rosca, pero la obra en sus múltiples líneas y enfoques conforma una mirada lúcida, incómoda y talentosa sobre nuestra sociedad y nuestro comportamiento. Notable.

Parásito o "Parasite" como se la ha dado en conocer, ha sido probablemente el acontecimiento cinematográfico de 2019. Arrasando con todo premio que se le cruzó en el camino, ha traído algo de aire fresco a la cartelera cinematográfica comercial inundada y ahogada con los tanques norteamericanos. En una obra con muy pocas flaquezas y notables virtudes, Ho nos muestra la historia de una familia pobre, en los paupérrimos suburbios de Seul, que se las ingenia para progresar a través de una suerte de parasitación de una familia muy acomodada pero que vive en su propio mundo, basicamente artificial, y alejado de la realidad de la mayoría. Un guión original y atrapante, con múltiples lecturas posibles, una dirección y sentido del ritmo que no deja caer la atención en ningún momento, actuaciones sobresalientes y técnicamente impecable, Parasite es una gran película. Tras el tono de comedia negra latirá una mirada ácida y tal vez desesperanzada de una sociedad donde la lucha de clases solo parece poder darse a nivel individual y en la que posiblemente nadie gane pero en la que la suerte ya esté echada desde el inicio. Al final de la película bien vale la pena preguntarse quienes son los parásitos. Recomendable para casi cualquier público, aún aquel que se resiste a salir del enlatado norteamericano.

Azor del suizo Andreas Fontana cuenta la historia de un banquero privado suizo que ante la desapariciòn misteriosa de su socio, que llevaba la "cartera argentina" en la época de la Dictadura Militar, debe reemplazarlo viajando al paìs junto a su esposa a contactar a sus clientes para evitar que el negocio se derrumbe.

Los clientes de este banquero, tímido y callado, son de la alta burguesía local. Su misión es hacer negocios oscuros, incliuyendo la fuga de divisas, a través de múltiples contactos que incluyen en primer lugar a la propia embajada suiza.

Un excelente Fabrizio Rongione, en la piel de este "casi burocrático" banquero, irá visitando a los clientes abandonados por su ex socio, cuyo paradero parece que nadie conoce. Militares retirados, terratenientes, empresarios oportunistas, altos dignatarios del clero son visitados a fin de asegurarse que el negocio continuará.

Fontana nos permite asomarnos a la "alta" sociedad de los ochenta en Argentina, sin estridencias, con más silencios que declamaciones, pero reflejando el clima de zozobra, temor y tragedia, latrocinio y violencia que ensangrentó a la Argentina en esos años. Prácticamente nada será explícito. Casi todos se entenderán mediante medias palabras o hasta silencios. Un bolso con contenido desconocido, una hija de una rica familia que ha desaparecido, algún retén militar en la vía pública serán suficientes para que Fontana recree el ambiente opresivo y atroz de esos años de plomo y cree un clima que no por las formalidades, besos y apretones de mano deja de ser inquietante y hasta por momentos claustrofóbico. El final posiblemente nos permita atar cabos sobre varios de los misterios iniciales.

La realización es excelente, sobria y bella. Actuaciones más que convincentes y muy buena reconstrucción de la Argentina de hace cuarenta años. Muy recomendable.

El hilo fantasma es una película realizada a la perfección. Su cuidada ambientación, sus tomas perfectas, interpretaciones muy destacables y hasta una innegable calidad y estilo en la filmación. A pesar de todas estas virtudes, me pareció una película hueca. Como un bellísimo vestido colgado en una vidriera sin nadie de carne y hueso que lo vistiera. El personaje central, interpretado con una solvencia fantástica por Daniel Day-Lewis se presenta como interesante al comienzo del film, como un ser obsesivo que solo vive para su trabajo (la confección de alta moda) y al que se le permiten todo tipo de comportamientos dictatoriales con quienes tienen la suerte o desgracia de compartir su vida. Pero la carencia de desarrollo del personaje en la película y la aparición de la coprotagonista (excelente Vicky Krieps) no genera el contrapunto necesario para involucrarnos en el aparente drama que se está desarrollando. Habría que entrar en más detalles, pero prefiero no entrar en la zona spoiler. Finalmente, nos quedamos ajenos a las vidas de estas personas y sus caracteres, presentados de modo estático y sin mayor profundidad. Mucho oropel y poca sustancia.

El film abre con una imagen fija de un lavadero de autos con los rodillos detenidos. Con el fondo de una música pausada y sugerente, éstos comienzan a desplegarse y rotar, primero uno, luego el siguiente y así sucesivamente. Vemos ingresar lentamente un vehículo. Toda la escena recuerda a un ballet. La cámara fija en un único plano y una belleza llamativa extraída de una acción que podríamos pasar por banal e intrascendente en nuestra vida diaria. El resto del film seguirá esa línea estética y conceptual. Breves escenas, siempre a cámara fija y con un maravilloso cuidado fílmico que nos permitirán asomarnos a la sociedad islandesa actual, con sus conflictos y sus logros, sus tradiciones y rutinas. Pero mucho más que eso, Rúnarsson parece querer abarcar la vida humana y de la única forma posible, a retazos. Las mini-historias no necesitarán presentador, parecerán arrancadas de la vida misma. Con actuaciones deslumbrantes en mínimos roles nos encontraremos con decenas de pequeños fragmentos de vidas humanas mostradas casi aleatoriamente pero con una unidad poética encomiable. Sin aparentes vínculos entre si, todas ellas (más de 50) nos llegarán de algún modo, pues en todas nos reconoceremos. Finalmente Islandia, perdida en un océano infinito, parecerá obrar de metáfora de toda la humanidad. Rúnarsson reivindica el cine como arte con mayúscula.