Otra película más para defender la salud del cine actual frente a los nostálgicos de los años 30 a 50. Y lo hace además con muchas de las virtudes del cine de esa época. No es necesario aquí defender el film en base a argumentos técnicos, de investigación de lenguaje formal ni ideas por el estilo. Se trata de una historia contada linealmente, sin saltos en el tiempo ni complicados giros argumentales. Un ritmo constante sin sobresaltos, elegancia en la narración, en los actores, en la dirección. Todo encaja perfectamente y, para colmo, no cae el la artificiosidad de los diálogos de Bogart y sus contemporáneos (con su dialéctica robótica que alguien un día definió como elegante, precisa, inteligente y que parece sacada de un robot de la serie Doctor Who).

Se le puede achacar únicamente eso, que no aporta nada en el desarrollo de nuevas ideas cinematográficas, que sigue esquemas ya conocidos, nada más. Es una película en la que tengo que admitir que hasta me ha gustado como acaba (siempre huyo de valorar el final de una película porque de alguna manera lo asocio a la típica opinión simplista “es que me decepcionó el final” o “me encantó, al final lloré como una magdalena”). Es este caso no puedo evitarlo, la dedicatoria me encantó, zanja la relación entre los dos protagonistas de forma limpia, sin alargar el metraje innecesariamente.

Sutil, inteligente, honesta, incluso factible, en el sentido de que la historia pudo ser, en esencia, perfectamente real.

Ante una película con tan abundantes y positivas criticas como Eva al desnudo, poco más se puede decir de sus virtudes, que evidentemente tiene, sino que me parece más útil resaltar los que creo son sus puntos débiles y que pocos o nadie comentan (lo siento, no he leído todas las críticas).

Para empezar, el guión. No digo que no sea bueno, pero a estas alturas, los diálogos resultan, como mínimo, ingenuos. Ya sé que los estoy descontextualizando, que hay que verlos en su momento y compararlos con lo que se hacía en esos años. Pero lo siento, yo no viví esa época y lo que esta película me cuenta, o mejor, el como lo cuenta, me queda un poco cursi.

El otro punto flojo, sin duda más grave pues no depende de épocas ni contextos, es la actuación de Anne Baxter, máxime por la importancia de su papel. Sólo la grandeza del conjunto puede haber camuflado sus flaquezas, hasta el punto de haberla hecho merecedora de múltiples halagos. Su actuación, plana y sin matices, es literalmente devorada por los magníficos Bette Davis, Georfe Sanders,... Incluso, en su breve aparición, Marilyn Monroe, probablemente representándose a sí misma y que demuestra aquí el por qué del mito erótico.

Otra vez el cine francés, espero que no me oigan, dándonos una lección. Sí, para todos los que pensaban que el cine ya sólo se podía justificar mediante alardes técnicos, investigación formal y cosas por el estilo, para todos a los que no se les ocurre otra cosa que revisar obras anteriores adaptando los peinados de los personajes para actualizarlos a la moda del momento. Van los jodidos franceses y nos plantan esto en la cara. Oigan señores, que todavía quedan historias por contar, que están ustedes ahí dándole la última vuelta de tuerca al dramón de medio pelo y se estaban dejando este guión en el trastero.

Comedia, drama, romance, dureza, sensibilidad, belleza... lo tiene todo.

La historia, los personajes, evolucionan de forma coherente y al unísono. La transformación de las relaciones, muy especialmente la de padre e hija, están llevadas con tanta inteligencia que en ningún momento nos sentimos ante la típica película para trapecistas dando volteretas y giros de guión a cada cual más inverosímil.

Un defecto, quizás el personaje de Ismael sea un poco excesivo, aunque las conversaciones de la parte final con el niño no tienen desperdicio y no estarían de más como complemento a esos cursos que proliferan para padres novatos.

En fin, felicitaciones a director, actores/actrices, guionistas, productores...


PD: ahora viene el típico sabelotodo, se saca una versión original de no sé donde y me jodió la crítica.

Pocos directores conozco con una dependencia tan evidente de sus guionistas. Si repasamos la filmografía de Ripstein podemos creerlo capaz de lo mejor (En el lugar sin límites, Principio y fin,...) y de lo peor (El coronel no tiene quien le escriba o la propia La virgen de la Lujuria). Pero analizando caso por caso, me inclino por pensar que los méritos de unas se centran en las virtudes de guiones excelentes mientras que los defectos de las segundas pasan por guiones mediocres sobre los que es imposible sostenerse.

La idea de La virgen de la lujuria es atractiva, pero iniciado el metraje no hay ni un solo minuto en el que uno pueda creerse a ese estúpido camarero, al típico jefe facha, unos artificiosísimos exiliados republicanos que están más fuera de lugar cuando cantan en el bar que Rajoy en el día del Orgullo. De Ariadna Gil mejor ni hablar.

El guión es malo, ¿qué pasa con el resto?. Pues que no vemos nada positivo en el trabajo del director. Ni los actores, ni los encuadres, ni los decorados (por momentos creí ver aparecer al Chavo y a la Chilindrina), ni el ritmo, absolutamente nada salvable.

Si volvemos la mirada atrás sobre la filmografía de Ripstein vemos grandes trabajos donde siempre, sobre todo lo demás, sobresale el guión, sea este del propio director, de José Emilio Pacheco o incluso, al igual que aquí, de Paz Alicia Garciadiego (Principio y Fin). Y es que realmente el mérito de Ripstein, incluso en El lugar sin Límites, está en el guión, sin que la película haga nada más que dejarse llevar.

Mención aparte merecen los títulos que escoge, creo que tiene una especial habilidad para ello.

El, para mí, director más polivalente del cine actual, se despacha aquí en una obra sin concesiones, con una querencia por la violencia digna del mejor Sam Peckinpah. Por lo demás, la historia no es ni pretende ser coherente o creíble. Va directa a su único objetivo: relatar una historia de violencia.

Reconozco que de entrada sentí cierto desagrado ante el alarde de edulcoramiento en la presentación. Pero pensándolo fríamente, no encuentro ningún argumento para ello, se trata simplemente de la simétrica compensación a las escenas de agresividad. Algo lógico en una película que no juzga ni alecciona.

Hasta tal punto se autoimpone la neutralidad el director, que descarga al protagonista de cualquier posible carga moral en el retorno a su almibarada familia. Idea para ello una concepción genética de la violecia, mostrando al hijo adolescente víctima de los mismo excesos que su padre en una artificiosa escena colateral, por cierto la única historia paralela a la de Tom que se permite la película.