Sergei Eisenstein, uno de los más importantes directores del cine mudo, realizó esta película a órdenes del dictador soviético Stalin en 1927 con el fin de rememorar la Revolución Rusa sucedida diez años antes, en el mes de octubre de 1917, y que significó el triunfo del partido bolchevique capitaneado por Lenin. Stalin se encargó de examinar minuciosamente el film, cortando varias escenas y retrasando su estreno hasta 1928. “Octubre” la podemos calificar como película propagandística de la Unión Soviética, porque de eso trata ni más ni menos: Narra desde la Revolución de febrero de 1917 hasta la Revolución de octubre del mismo año con total fidelidad, por lo que el film como documento histórico no tiene precio. Ahora bien, si se desconocen los hechos sucedidos es difícil comprender bien “Octubre”, pues aparece una gran serie de nombres de personas, lugares, fechas, etc. que desconcertaría por completo al espectador si éste no sabe de quién o qué se habla.
Analizando la película con más profundidad, observamos que está rodada de una forma que parece casi un documental (incluso si mal no recuerdo hay algunas imágenes de archivo reales). No hay presentación de personajes, no existen protagonistas principales y tampoco hay un argumento concreto que haya que seguir. En su lugar muestra una serie de hechos históricos que el espectador debe hilvanar para entender su sentido, algo que también puede resultar algo dificultoso por su rápido y a la vez extraordinario montaje. Si por algo destacó su director Eisenstein fue por sus excelentes e innovadoras aportaciones al montaje cinematográfico.
Concretamente el montaje de “Octubre” está dotado de una gran complejidad. La utilización de planos de corta duración es abundante, habiéndolos de todos los tipos: generales (las escenas de las huelgas), medios (discursos políticos, conversaciones telefónicas), primeros planos (algunas conversaciones entre los personajes), incluso varios planos detalle (visibles en los pies de los soldados en las marchas militares, o en la introducción de las balas en los fusiles). Muchos de los planos están enlazados durante gran parte del metraje de forma breve, dando sensación de dinamismo y rapidez para incrementar el realismo de las situaciones y para lograr mayor impacto y poderío visual. Esto significó algo totalmente revolucionario ya que nunca antes se había logrado algo así en el cine (de ahí que el espectador pueda perderse y aburrirse soberanamente con la película si carece de información alguna sobre la Revolución Rusa).

[Sigo en spoiler por falta de espacio]

Tarkovsky vuelve a demostrar por qué es uno de los cineastas de autor más importantes que hubo en Europa el siglo pasado. Con "Nostalgia" nos muestra su película más personal (más aún que "El espejo"), ya que el protagonista experimenta unos sentimientos que también tenía el director en ese momento: añoranza, angustia y desesperación al tener que marcharse de su Rusia natal. Todo ello debido a la infravaloración, maltrato y exhaustivo control de su obra por parte de las autoridades soviéticas (vergonzoso lo que ocurrió, por ejemplo, con la proyección de "Andrei Rublev" en Cannes).
En cierto modo y salvando las distancias, Gorèakov (Oleg Tankovski), el poeta protagonista es un álter-ego de Tarkovsky. Éste recorre Italia junto a Eugenia (Domiziana Giordano), una intérprete (ya que sabe lo justo de italiano), para escribir la biografía de un músico ruso que también estuvo por ese país. Y no se nos enseña como el típico paisaje mediterráneo, esplendoroso, luminoso, que tenemos en mente: La Italia de Tarkovsky es fría, algo misteriosa, con niebla y colores apagados y débiles; algo que recuerda a la estética de su anterior película "Stalker". Por algo es un poeta del cine, porque siempre crea su propio mundo, su propia realidad, alejándose de todo lo típico y conocido.
Durante el viaje, Gorèakov conoce a Domenico (Erland Josephson), a quien la gente toma por loco por haber estado encerrado en casa con su familia durante 7 años. Pero así no lo ve, y en cierta forma llega a identificarse con él: los dos son personas profundas y diferentes que no conectan en la sociedad, que están consumidos por la nostalgia, el dolor, la desesperanza y concretamente en el caso de Domenico por la crisis religiosa. Éste último critica la falta de fe y religiosidad de la sociedad contemporánea, algo que está desmoronando el mundo, y por eso no quería salir de su casa, para no ser corrompido ni él ni su familia. Eugenia tampoco les comprende y ambos se encuentran totalmente solos, navegando a la deriva.
Como siempre, la técnica de Tarkovksky es perfecta, realizando una composición de planos magistral (pausados, largos y con una sutileza extrema) e intercalando los colores fríos para el presente y los tonos sepias para los recuerdos del pasado, los sueños y el subconsciente. La banda sonora está casi ausente durante todo el metraje, escuchando tan solo dos veces unas piezas de Beethoven en forma de música diegética, y engrandeciendo las escenas en que se oye.
"Nostalgia" tiene muchísimo contenido, hay que observarla con los cinco sentidos, con calma, y si puede ser más de una vez para entender cada detalle. Una película maravillosa, excelente, que roza la perfección y nos ofrece imágenes de una belleza poética abrumadora, en especial el último plano que hace que sea uno de los mejores finales de la historia del cine. Imprescindible.

Posiblemente ésta sea una de las películas más arriesgadas que jamás ha hecho el cine español, siendo una extraña mezcla entre documental y cine de ficción experimental, a ratos con un ritmo muy lento ya que trata de plasmar el estilo hiperrealista del pintor Antonio López. Para ver ¨El sol del membrillo¨ hay que conocer un poco el hiperrealismo y la obra de López, ya que quien la vea sin tener previa información lo más seguro es que no la soporte.
Puede ser que le sobre un poco de metraje ya que tiene algunos momentos excesivamente lentos y que no aportan demasiado. Eso sí, esto rara vez ocurre porque sí lo que te muestra Víctor Erice te parece desde el principio atractivo y ameno, hará que te mantenga siempre en interés. En especial las conversaciones entre Antonio López y Enrique Gran, o las aportaciones que los amigos de López dan a la obra que está realizando, todos con diferentes puntos de vista y opinión.
Técnicamente tenemos habitualmente planos estáticos, y otros con ligeros y cuidadosos movimientos de cámara. Y la banda sonora original de Pascal Gaigne apenas está presente (poco más que en las escenas y títulos finales) pero es extraordinaria, bonita y absorbente.
Arriesgada y valiente película que hay que saber apreciar para poder valorarla justamente.

Hacer una parodia de la memez de "Crepúsculo" y sus estúpidamente paranoicos fans no era tarea difícil, de hecho podría haber dado para una divertida película que mostraría lo ridícula y absurda que es esa saga. Claro que si pones a los cretinos de Friedberg y Seltzer en la dirección y a un circo de chimpancés como intérpretes pues lo que queda como resultado es un truño de proporciones sobrenaturales.
"Disaster Movie", una de las mayores bazofias de la década pasada, no era difícil de superar, y aunque ésta no consigue llegar a su mismo nivel de estupidez (que alcanzaba límites insospechados), "Vampires Suck" es la mayor gilipollez vista en 2010 y tiene todas las posibilidades de convertirse en uno de los grandes truños de esta nueva década. El humor no sólo es simplón, es indignante, macarrónico, cabreante y soez como pocos, aunque reconozco que hubo un par de momentos que me hicieron soltar una pequeña sonrisilla (ni una triste sonrisa siquiera). Y ver cómo un buen actor para la comedia como lo es Ken Jeong (Mr. Chow de "Resacón en Las Vegas") es desaprovechado de esta forma, es de espanto.
Lo peor es que este bodrio recaudará una buena pasta en taquilla para que luego estos dos zánganos engendren un nuevo esperpento para dentro de uno o dos años. Pura basura absolutamente deleznable.

El catalán Ventura Pons realiza con "A la deriva" su película número 21 y la tercera adaptación cinematográfica de una novela de Lluís-Anton Baulenas. A Pons se le ocurrió rodar este film cuando un crítico dijo que la novela original de Baulenas (titulada "Área de servei") parecía una película de Ventura Pons por la historia, los personajes y sus relaciones.
La idea original es francamente interesante y podría dar para un drama intenso y demoledor, por tanto que la dirigiera Pons parecía perfecto pero el resultado final es un tanto decepcionante. "A la deriva" resulta una película aceptable y digna de ver, pero creo que se queda algo lejos de otras de Pons que son más estremecedoras y eficaces ("Forasteros" o "Amigo amado", por ejemplo). Hay que reconocer que hay ciertas escenas que llegan a sobrecoger, pero el conjunto está algo lastrado por algún cabo suelto en el argumento y por el mediocre montaje que abusa excesivamente de encadenados de imagen y algún fundido en negro.
Por lo demás se deja ver bastante bien y cuenta con unas excelentes y creíbles interpretaciones, destacando María Molins y Albert Pérez. Eso sí, como ocurre en el cine de Pons en general, no es para todo tipo de público. A algunos les interesará y otros ni la soportarán.