“EL CALLEJÓN DE LAS ALMAS PERDIDAS” (“Nightmare Alley” USA/2021)
Dirección: Guillermo del Toro

A cinco años de ganar el Oscar con “La Forma del Agua”, Guillermo del Toro vuelve a deslumbrar con una adaptación de la famosa novela de William Lindsay Gresham (1909-1962), “Nightmare Alley”, publicada en 1946 y llevada al cine al año siguiente con la dirección de Edmund Goulding y el actor Tyrone Power en el rol protagónico. Con un gran presupuesto y un reparto estelar, el director mexicano ha construído un film noir absolutamente fascinante y distinto, donde por primera vez en su filmografía, no encontramos elementos sobrenaturales. El tono del film es enteramente humano, como los pecados capitales, y les aseguro que aquí están todos.

El film abre con una espléndida toma de un incendio, desde donde vemos a Stanton Carlisle (Bradley Cooper), salir para buscar trabajo en una feria ambulante, donde rápidamente entra en confianza, gracias a su pinta y dotes para el engaño, con todos los que trabajan allí, Zeena, la médium (Toni Collette), el enano y el forzudo, el mentalista y otros personajes frikis o geek de estos espectáculos populares en aquella época. Simplemente recordemos que, según el concepto de “darwinismo social”, durante el siglo XIX y buena parte del XX, ligado al imperialismo político, quienes no eran blancos y “perfectos”, eran considerados seres inferiores, con derecho a subordinarlos. Y ni hablar de las anomalías físicas, que del Toro se encarga de describir visualmente, en este show de variedades, regenteado por el siniestro Clem Hoately (Willem Dafoe). No hay más que recordar aquella gran película de David Lynch “El Hombre Elefante” (1980), basada en la historia real de Joseph Merrick.
Lo cierto es que Stanton enamora a la chica que se electrocuta frente al público, Molly (Rooney Mara), y juntos huyen de este laberinto de embaucadores.
Stanton y Molly han aprendido de Pete Krumbein (David Strathairn) las técnicas del ilusionismo y las aplican en los grandes hoteles, con lujosa concurrencia, entre los que se encuentra la psiquiatra, Lilith Ritter (Cate Blanchett), quien pone a prueba a Stanton, delante del público. Así el director nos lleva a la segunda parte del film, que contrasta con la primera en iluminación, lujo y sex appeal, pero que es tan negra como la anterior.

Como en “La Forma del Agua”, el danés Dan Laustsen ha colaborado con Guillermo del Toro en la dirección de fotografía, con matices muy diferentes en las dos partes de la película y poniendo su foco luminoso en la oscuridad de los personajes y efectos visuales inolvidables. El score de Cam McLauchlin subraya el clima de suspenso insostenible que esta ficción literaria requiere, donde no hay redención posible, cerrando el círculo, en un final magníficamente logrado.
Guillermo del Toro ha declarado en varios medios de prensa sus motivos al elegir esta novela.
“En el “noir” tienes que ver al personaje elegir las cosas equivocadas. Eso es lo que hace la tragedia inexorable. Es la naturaleza humana”. Esto lo llevó a comparar la década del 40, con nuestros días dominados por la incertidumbre y la pandemia, cuando las búsquedas en Internet de tarotistas se han multiplicado (artículo de “El Cultural”).
Guillermo del Toro ha creado una versión de “Nightmare Alley” con un diseño de arte impecable, convincentes actuaciones y ritmo subyugante.
Género: Drama. Duración: 139 minutos.
www.estudiocine.com

“LA TRAGEDIA DE MACBETH” (The Tragedy of Macbeth) USA/2021
Dirección: Joel Coen

Magnífica adaptación de esta obra de Shakespeare, dirigida solamente por Joel Coen, sin la colaboración de su hermano Ethan, como es habitual en sus films.
Bravo, como director y también como guionista y editor, hábil conocedor del timing del cine, pues el original consta de cinco actos, y la película tiene precisos 105 minutos de duración.

Rodada en los estudios Warner Bros., la película tiene las características del film noir, estilo usado en Hollywood en las décadas del ‘40 y ‘50, en escenarios creados por Stefan Dechant y fotografía en blanco y negro de Bruno Delbonnel, quien ya había colaborado con los Coen en “La Balada de Buster Scruggs”. Claro que en este caso, es un neo noir, por la arquitectura atemporal de los escenarios, en los que se conjugan planos de definición casi geométrica y altamente austeros, envueltos en una densa niebla.
El marco perfecto para el intenso drama de codicia, cinismo, crimen y locura, escrito hace más de cuatrocientos años, pero que sigue deslumbrando cada vez que se pone en escena.

Los personajes operan con solvencia en estos fríos ambientes. El rey de Escocia, Duncan (Brendan Gleeson), sus hijos, Malcolm (Harry Melling) y Donalbain (Matt Helm), los generales del ejército del rey, Macbeth (Denzel Washington) y Banquo (Bertie Carvel), más los nobles de Escocia, Macduff (Corey Hawkins), Lennox (Miles Anderson) y otros señores leales. Macbeth y Banquo vuelven victoriosos de una batalla contra los rebeldes, cuando se encuentran con las tres brujas. Los artilugios de cámara y efectos visuales, logran que la única actriz (Kathryn Hunter) que las interpreta, se triplique como por arte de magia. La performance de Hunter, una actriz inglesa de 64 años, dedicada al “teatro físico”, impresiona con sus contorsiones y ofrece una de las escenas más escalofriantes del film.

Frances McDormand interpreta a Lady Macbeth y su entrada a escena, caminando a lo largo de un eterno corredor, leyendo una carta de su esposo, pronuncia con gravedad las palabras claves, refiriéndose a Macbeth, que desencadenará la tragedia “te agradaría ser grande, pues no careces de ambición; pero te falta el instinto del mal, que debe secundarla”. Ella es la instigadora más decidida del crimen, y a medida de que las cosas se le escapan de control, su semblante va descomponiéndose, en gestos y actitudes enfermizas. Chapeau, Frances!
Igualmente intenso en su arco dramático, Denzel Washington encarna a un Macbeth imponente, maduro y preso de sus propios fantasmas. También, como McDorman, recita sus líneas sin solemnidad, permitiendo al espectador compenetrarse en la trama, que puede resultar dificultosa, sobre todo para los más jóvenes, por tratarse de un texto renacentista. La perfidia de su rostro en la escena del crimen y sus arrebatos de ira, cortan el aliento.
El score pertenece al gran Carter Burwell, también colaborador de los Coen desde “Simplemente Sangre” (1985) y ganador del Oscar por la partitura de “Carol” (2015).
Nos gustó y la recomendamos.
Género: Drama. Duración: 105 minutos. Disponible en AppleTV
www.estudiocine.com

“Titane” es una original fusión de diferentes géneros cinematográficos. Drama, thriller, Sci-Fi y horror, se combinan en el segundo largometraje de la directora y guionista francesa Julia Ducournau (“Grave”/2017), que ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes.
En “Raw”, la directora ponía en pantalla la crisis de la adolescencia, explorada desde la perspectiva del canibalismo. En “Titane” alude, entre otros simbolismos, a la androginia, combinando las nociones de lo femenino y lo masculino, en su protagonista, Alexia, una asesina serial.

“Titane” abre cuando la pequeña Alexia (Adèle Guigue) viaja en el asiento trasero del coche que conduce su padre. Insoportablemente molesta, Alexia patea el asiento de su papá, quien en lugar de calmarla, sube el volumen de la música. De pronto el hombre voltea su cabeza hacia atrás y chocan. La consecuencia del accidente, después de la operación, será que la niña sostendrá parte de su cerebro con una placa de titanio, que según los médicos, no tendrá efectos colaterales. Cuando Alexia sale del hospital abraza y besa el auto que le ocasionó el accidente. Elipsis mediante, encontramos a Alexia (Agathe Rousselle), quien aún vive con sus padres, ganándose la vida como stripper de un número erótico sobre un Cadillac, en una feria de automóviles. Ella lleva tatuada en su pecho la inscripción “El amor es un perro del infierno”. Su primera víctima será un joven que la persigue por la calle y la acosa cuando ella aborda su auto, en un notable plano secuencia, al que le siguen otros crímenes en el tramo más slasher del film. Es entonces cuando la película cambia el rumbo, hacia un tono más poético, pero no menos violento, donde Alexia, escapando de sus crímenes, se hace pasar por Adrien, el hijo desaparecido de Vincent Legrand (Vincent Lindon) un bombero musculoso, que le gusta bailar, y es muy vulnerable. Alexia no para de agredirse a sí misma, al ocultar un embarazo incipiente, para parecerse al muchacho. Entre ellos cursa una extraña relación amorosa, hasta el impredecible final. Lo cierto es que Alexia sonríe por única vez, al bailar con Vincent.

La dirección de fotografía de Rubén Impens es magnífica. Luces con tonos intensos, en azul y rosa neón, en el baile erótico y el fuego al rojo vivo en las escenas de incendio, que se tornan cada vez más tenues en los últimos minutos. Al score de Jim Williams, se le agregan temas como “She’s Not There”, “Nessuno mi puó giudicare” o “Macarena” que resuenan como
una alegoría de redención.

El reparto cuenta con la modelo y bailarina Agathe Rousselle como Alexia, en su primer trabajo como actriz de largometraje. Sin embargo, su performance es extraordinariamente intensa, shockeante y audaz, logrando transmitir toda la complicación que el personaje le exige, hasta hacer creíbles escenas propias de la ciencia ficción. Vincent Lindon, un actor consagrado, se explaya sin concesiones, en el rol de ese padre desolado, que nunca ha aceptado la pérdida de su hijo. Garance Marillier, la protagonista de “Grave”, como Justine, otra de las víctimas de Alexia.
En la conferencia de prensa de Cannes, posterior a la premiación, Julia Ducournau, muy emocionada declaró que para ella, el film es una historia de amor. También, muy seria, expresó que esperaba que no le hubieran dado el premio por ser mujer. Coincido. “Titane” tiene méritos suficientes para la Palma de Oro que le fue otorgada, y si bien no es una película fácil de ver, pienso que nunca olvidarás esas imágenes en movimiento. De eso se trata el cine.
Hace algunas horas se confirmó que “Titane” representará a Francia en #Oscars2022.

La última película del director y guionista David Lowery, creador de “A Ghost Story” (2017), es una fábula maravillosa.
Fantasía, aventuras y poesía son los ingredientes del periplo de este héroe medieval, que viaja durante un año para cumplir con su audaz desafío.
La historia, basada en un poema épico del siglo XIV, narra las aventuras de Gawain, uno de los caballeros de la Mesa Redonda del legendario rey Arturo.
En realidad, el film es una versión libre del anónimo original británico.
El largo plano inicial nos da la pista de lo que seguirá. Lowery construye un universo mágico, con ritmo lento y entorno bucólico.
El rey (Sean Harris), durante un banquete, le pide a sus caballeros un cuento “nada real”, o sea un juego de Navidad. Gawain (Dev Patel) su sobrino, se siente orgulloso de estar al lado del rey y la reina, consciente quizás de sus escasos méritos. Sin embargo, cuando el Caballero Verde (Ralph Ineson) entra al recinto, se anima a desafiarlo. Su madre, Morgan Le Fay (Sarita Choudhury), recurre a sus brujerías, mientras su enamorada, Essel (Alicia Vikander) lo lleva a misa, en escenas que demuestra el sincretismo entre paganismo y cristianismo, propio del folklore medieval. Así inicia Gawain el viaje hacia la Capilla Verde, luego de decapitar a su contrincante, quien le devolverá el mismo golpe de alabarda al año siguiente. Un viaje interior plagado de simbolismos y personajes misteriosos.
David Lowery ha trabajado con el mismo equipo que en “A Ghost Story”. Andrew Droz Palermo en la dirección de fotografía y el score de Daniel Hart crean vibraciones mágicas de luz y sonido, en las que la Madre Naturaleza está siempre presente, desde la apariencia del Caballero Verde, un jinete arbóreo que huye con su cabeza en la mano, hasta el diseño de la Capilla Verde, con asombrosos efectos visuales.
Un reparto de figuras muy conocidas, encabezado por el británico Dev Patel, que interpreta a Gawain alejándose de los últimos estereotipos heroicos, sobre todo los marvelianos. Sereno y sobrio, maneja las emociones con la mirada, más que con la destreza física. Alicia Vikander, en doble rol de campesina y Lady, muy segura y siempre encantadora y Joel Egerton en una breve aparición como el Lord.
“The Green Knight” es una película diferente e interesante para todas las edades.

SOUND OF METAL (2020)
Dirección: Darius Marder

De todas las películas vistas en el último año, “Sound of Metal” es quizás el ejemplo más próximo a un film de calidad superior, tanto por sus recursos técnicos, como por la empatía que logra con el espectador, a través de las emociones que transmite todo el reparto y principalmente su protagonista.
“Sound of Metal” narra la historia de Ruben (Riz Ahmed), baterista de una banda de heavy metal, junto a su novia y cantante Lou (Olivia Cooke). Ambos viven un intenso romance en su vehículo trailer, que han convertido en su hogar y los traslada a los distintos recitales donde actúan.
Repentinamente, Ruben pierde el sentido de la audición, condición que cambiará su vida para siempre. Luego de diagnósticos médicos muy pesimistas, Lou lo lleva a una institución para personas con sordera, dirigida por Joe (Paul Raci). Lou sabe que Ruben es un adicto recuperado y teme que la situación adversa que está atravesando, lo lleve a reincidir.
En este ambiente, Ruben comienza a prepararse para el silencio, alternando momentos de exasperación, con otros de aceptación, interactuando con otros residentes hipoacúsicos, aprendiendo lenguaje de señas, o jugando con niños de igual condición. Los diálogos entre Ruben y Joe son de una perspicacia extraordinaria, como parte clave del guión escrito por el director Darius Marder en colaboración con su hermano Abraham, autor de la banda sonora.
Las variaciones que brinda el diseño de sonido del film, permite al espectador empatizar con las diferentes emociones del protagonista, con sus silencios, murmullos de conversaciones lejanas o agudos timbres metálicos. Todo lo que está en la cabeza de Ruben entra en la nuestra, mágicamente.
La performance de Riz Ahmed es soberbia. El arco dramático que describe, sutilmente y sin altisonancias, nos enfrenta a su metamorfosis personal e invita a la introspección hasta el final, grandísimo, por cierto. Paul Raci, notable y convincente como actor de reparto, así como Olivia Cooke, y una perlita de los últimos minutos, el actor francés Mathieu Amalric, cantando y tocando el piano, como el padre de Lou.
“Sound of Metal” ha sido merecidamente nominada en seis categorías para los premios Oscar. Como ópera prima de su director y por la actuación de su protagonista Riz Ahmed, se lleva nuestros aplausos.
Género: Drama. Duración: 120 minutos. Disponible en Prime Video.