Vidas suspendidas en el tiempo, incapaces de avanzar, llenas de nada, tan solo con temor, temor a la verdad cuando esa duele, temor a los recuerdos desgastados por el tiempo, que engañan, que no distinguen la verdad de la mentira.
Vidas que temen el castigo cuando es injusto pero también a la justicia cuando es justa, que temen al perdón cuando es pecado y a la pena cuando es sentencia.
Vidas que temen amar, porque hay amores que callan y mentiras que alivian, porque hay amores que no se olvidan, que ni el tiempo maquilla.
Vidas llenas de dolor, de aquel que nunca cicatriza.
Vidas incapaces de afrontar la verdad, de coger el último tren y emprender ese viaje hacia la nada que consiste en la certeza de hallar en los ojos del ser querido la verdad que esconden.

Esperaba mucho, pero que mucho y aun así me ha sorprendido, jamás imagine una película de semejante calibre, Campanella ha concebido un universo tan rico como complejo, que sobrepasa los límites de la ficción, que perturba y conmueve que duele y te implica.
Comprometida y desgarradora, que no olvida el costado político-social de un país, de una época turbulenta para todos, y que el protagonista quiere revisar para rescribir su propia historia, para de algún modo, quedar en paz con su pasado, o tal vez para rehuir de sus propios fantasmas.

Permanentemente la historia avanza y retrocede en el tiempo, como dos verdades paralelas que se retroalimentan para dar sentido a este drama romántico con tintes de cine negro, debido a una trama judicial algo funcional y estereotipada que aun así funciona, gracias a un guión perfectamente engrasado y estructurado, sin lagunas narrativas, con pulso, y con el único fallo de querer ir cerrando puertas, de querer redondear la historia, de mostrar más que de sugerir.
Mención aparte merece el increíble plano secuencia que se marca Campanella en el estadio de futbol, pura maestría.

En definitiva, por la emoción de su relato y de sus personajes, por su sensibilidad y compromiso con su país y su historia, por eso y por mucho más “El secreto de sus ojos” es una película memorable, llena de matices amargos y dulces. Podría alargarme y hablar de sus infinitas virtudes cinematográficas, de la química que desprende la pareja protagonista, o de la impagable aportación de un grandioso Guillermo Francella, pero de verdad que no vale la pena, su fuerza reside en el frágil arte de los detalles, un mundo infinito y parejo al del hijo de la novia.
Más que recomendable.

Esta es una de aquellas películas que más que verse se sufren, de ardua digestión, no me malinterpretéis lo digo en el buen sentido, es una historia profundamente humana, amarga y dolorosa.

Aranofsky no se anda con rodeos, su dirección es intensa y directa y encuentra en la mirada de Rourke el perfecto aliado para reflejar la desesperación absoluta de un hombre maltratado como a un perro abandonado, en busca de cobijo, manifestando que los golpes que propicia la vida pueden ser más dolorosos que los del ring.
Ante todo, si esta historia posee alma es por el trabajo desempeñado por un Rourke desgarrador, que demuestra una entrega absoluta a un personaje que da sentido en cada fotograma con una ferocidad que incomoda, pues en más de una ocasión aguantarle la mirada supone adentrarte en el mismo infierno por el que el mismo Rourke ha debido de pasar, no hay duda de que estamos ante el papel de su vida, pues su rostro no puede disimular que su vida guarda cierto paralelismo con la del personaje, un hecho que al pensarlo aun ahora me sobrecoge.

Igualmente destacable es la labor de Marisa Tomei que más allá de alegrarnos la vista con su belleza y sensualidad, demuestra poseer unas dotes interpretativas no menos interesantes, su labor es digna de estatuilla, y tras ella la corta pero intensa aportación de una Evan Rachel Wood impecable en el papel de hija.

En definitiva, una película que trasciende por sus magnificas interpretaciones y por la visión de un gran director que vuelve a lo que mejor se le da tras el experimento que supuso la incomprendida (irregular al fin y al cabo) Fuente de la Vida.

Toy Story empezó hace ya 15 años, Disney parecía perdida en el tiempo y mientras las nuevas tecnologías iban despuntando, Pixar irrumpió con fuerza en el celuloide con voluntad de romper con todos los esquemas. Gracias a su innovadora y visionaria propuesta de animación, arriesgada por aquel entonces, pero que a larga sentaría las bases de un género que pedía a gritos savia nueva, se afianzo del panorama animado, con la noble intención de hermanar el arte de hacer cine con las nuevas técnicas animadas, rebuscando en los anales una identidad propia que lo comprendiera todo, absolutamente todo.

Y en esta búsqueda se halla el milagro cinematográfico como respuesta. El propósito de Pixar se ciñe en el concilio entre el pasado del cine con las nuevas herramientas. Y no se trata de reinventar nada sino de darle otro empaque y dimensión.
No es solo una forma de entender el cine sino de amarlo, la memoria cinéfila se beneficia de un marco más sofisticado, que invita a toda clase de público, grandes y pequeños a disfrutar de él. Solo exige un peaje, que toda mirada que se precie debe comprender, estar libre de prejuicios, y no envejecer; parece utópico, no lo es.

Esta tercera y presumiblemente última entrega de Toy Story, cierra marcando uno de los capítulos más gloriosos e imborrables de la industria del cine más reciente, para muchos puede que el más significativo de todos. Son 15 años creciendo juntos, parte importante del público identificarse con estos muñecotes no les resultará difícil, y ya no tanto con los personajes en sí sino más en el sentido de la obra.

Juguetes de la edad de la inocencia nos invitan a madurar con una elocuencia animada reveladora, nos hablan del valor de la memoria, del apego a la vida, sin obviar las fracturas colaterales de la vida, las ilusiones desgastadas por el tiempo, todo un aprendizaje sobre el sentido de la vida, con la melancolía de un relato tan sencillo como significativo, evitar las lágrimas se me antoja como un imposible, explorar tus propios sentimientos y dejarte llevar por la emoción es lo más sensato que podrás hacer.

El broche de oro, la despedida perfecta. “¡¡¡Hasta el infinito y más allá!!!”.

El universo infinito, el comienzo y el fin de todas las cosas, la vida y la muerte… Malick y su aliento caótico de poeta enfermo, tratando de dar forma de prosa enamorada a un laberinto espiritual, que da tregua al desorden cósmico y también narrativo que inevitablemente sufre la obra.
Excesiva, pero lo logra. Sosteniéndose desde la poderosa idea de que la complejidad obedece a lo sencillo, la película hilvana un discurso que el autor teje a partir de los detalles, y de un lenguaje común que lo comprende todo. Malick no resuelve nada, pero si colma con las expectativas pretendidas desde un principio, que no es decir poco.

Cabe decir, que durante la primera media hora parece más un documental del National Geographic que otra cosa. El montaje, y la catarsis de imágenes de factura impecable, evocadoras y sugerentes, confluyen en un mismo sentido, tratan de contarnos, no sin cierto letargo a nivel narrativo, el nacimiento del mundo, el comienzo de todas las cosas, el “Big Bang” y cómo no, el principio de la vida tal y como la conocemos en la tierra. Una odisea poética por los recónditos parajes de nuestra genealogía existencial. Durante esa larga y parsimoniosa presentación, la película nos consume como espectadores, como oyentes y como cómplices de esta gesta espacial y terrenal.

Malick actúa siempre desde el asombro, su propio asombro, desde la incertidumbre, sin buscar respuestas a pesar de las infinitas contradicciones que representa enfrentarse a tal reto, ni resguardarse bajo los muros éticos y morales de las religiones, tampoco los cuestiona, o quizás si…
Hurgando entre capas y capas de incomprensión narrativa, el autor intenta encontrar un sentido global en el eje de una familia americana de clase media. A partir de ahí pulsa, si cabe con más fuerza, el resorte de las emociones, avanzando siempre con la ayuda de una voz en off tan bucólica como necesaria, y de una cámara que se mueve como un espectro, obviando lo obvio y centrándose en los pequeños detalles, la obra adquiere un tono mucho más tangible y próximo. Esta es sin duda la parte más disfrutable, la más detallista y la que avanza de un modo más orgánico y “convencional”.

El retrato recto y autoritario del padre, la representación dulce e indulgente de la madre, todos los personajes obedecen una idea, son estamentos de lo que la vida les da, de lo que la vida les permite ser. Bajo esa premisa tan básica tratar de juzgar a los actores es imposible, aunque siempre es agradable contar con la presencia de intérpretes de la talla de Brad Pitt y Sean Penn.

CONTINUA SIN SPOILER

Esto es cine hecho desde la sensatez del desvarío, tan estimulante como necesario para un realizador que pedía a gritos un respiro, una bocanada de aire fresco, que al fin se ha traducido en este provocador ejercicio, tan sano como falto de pretensiones, que se devora con devoción y nos sirve, al menos a mí, para redescubrir una faceta del director que ya casi había olvidado.

Con el paso de los años la carrera de Raimi ha dado un vuelco, durante su primera etapa su cine era atrevido y arriesgado, con un contenido artístico que por lo menos denotaba implicación, ahora en cambio, su cine es tan solo funcional, las películas pueden ser más o menos entretenidas, pero han perdido cualquier atisbo de su firma original, son de gran caché, con el solo propósito de reventar la taquilla de medio mundo, de grandes proporciones pero que no suponen un verdadero reto, al menos para un buen director.

Con esta propuesta, Raimi ha querido desquitarse de todo y volver a ser el de antes, volver a extender sus encantos detrás de la cámara como la primera vez, con el mismo descaro, con la misma poca vergüenza. Se ha dado el lujo de dirigir una película sin reglas, sin etiquetas, tan solo con la premisa de dar rienda suelta a sus paranoias mas cínicas, manejando la cámara con movimientos tan endemoniadamente vertiginosos como acertados y efectivos, fortaleciendo una narración sin apenas altibajos, que en su conjunto componen un ejercicio de dirección casi tan desbocado como cabría esperar.

Un juego travieso en el que la joven actriz estadounidense Alison Lohman parece entender a la perfección, ella sola carga con las riendas de una película que divaga entre lo macabro y lo cómico, que como poco resulta insólita, tanto por su atrevido propósito de combinar ambos géneros, a cada cual más contradictorio, como por su limado apartado técnico, con no pocas reminiscencias al cine de serie B de los años 80.

En fin, amigo Raimi después de esto puedes volver al mundo real y seguir dirigiendo Spider-Man 4 o lo que sea que te ofrezcan y te apetezca, pero por favor, cuando te sientas hastiado de tantas reglas preestablecidas, de géneros y subgéneros ya inventados, sin nada interesante que ofrecer, por favor, te pido que vuelvas a darte y darnos el gusto de hacer algo tan excitante y descocado como esto.