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España España · Barcelona
Críticas de miguel
Ordenadas por:
174 críticas
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10
7 de octubre de 2019
10 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil
Un film sobre Arthur Fleck, un hombre solitario que padece una enfermedad mental por la que debe medicarse. Vive con su madre ya anciana a la que cuida y trabaja como payaso mientras sueña con ser cómico profesional y hacer reír a la gente.

No ha tenido una vida fácil ni conoce la felicidad, siempre ha estado marginado y frecuentemente le han maltratado y humillado, pero aún así se esfuerza por seguir adelante y hacer cosas, siendo una buena persona.

A su alrededor la ciudad se desmorona. Corren malos tiempos en los que se han acrecentado las grietas entre los más desfavorecidos y las clases pudientes y un abismo se ha abierto entre ambas.
La delincuencia aumenta mientras los servicios básicos se recortan, en el caso de Arthur, a su situación ya de por sí dramática, se añade el desdén de una sociedad que no se preocupa por él ni por su enfermedad.

Siempre se había sentido triste e invisible, anhelando ser visto por alguien, algo profundamente humano. Pero poco a poco, Arthur va perdiendo los lazos que le atan a la realidad y se adentra en la locura, desdibujando su visión del mundo y cambiándola por la del Joker.

Esta no es una cinta de superhéroes, sino el retrato de un personaje. Tanto de sus demonios interiores, como de la sociedad que lo transforma. Todd Phillips no hace una película de DC, sino que se inspira en un personaje de ese universo para hacer su propia obra, dándole un tono y unas implicaciones más realistas.

En cuanto a estructura puede ser previsible y similar a otras películas que abordan el descenso a los infiernos de sus protagonistas, algunas de las mejores de los años 70 por ejemplo, como el Travis Bickle que tras volver de Vietnam sufre y cuya mente se vuelve inestable o el Randle McMurphy que estando cuerdo, se enfrenta a la institución a la que va a parar. Sin embargo, Joker tiene su propia personalidad, y lo que mantiene de los 70s es su capacidad de provocación y del cine como un arte que provoca el pensamiento crítico y una reacción en el espectador, no para alentar la violencia, sino para empatizar con el sufrimiento de su protagonista y tratar de construir una sociedad mejor.

El film, que cuida cada detalle, y cuenta con una fantástica fotografía en la que se disfruta cada fotograma, se articula alrededor de la interpretación de Joaquin Phoenix, que es extraordinaria, lo que no sorprende, ya que cuenta con una larga lista de grandes interpretaciones a sus espaldas. Y aporta algo nuevo a un personaje al que ya había hecho Jack Nicholson muy divertido y Heath Ledger, un espectacular agente del caos dispuesto a ver el mundo arder. Phoenix muestra un lado más humano, patético y melancólico cuya risa patológica (o risus sardonicus que bien podría ser un hechizo) siempre le mete en problemas al no poder expresar aquello que siente en realidad, y que posee una gran variedad de registros, como el del sufrimiento, el dolor o el llanto más desconsolado.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama. Ver todo
miguel
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8
28 de mayo de 2019
10 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil
S. Craig Zahler es un director con un gran estilo propio y mucha personalidad. Bebe de distintas fuentes, mezcla todo tipo de géneros, particularmente los que en su origen fueron considerados de serie b, y siempre dedica una importancia fundamental al guión, tomándose su tiempo para presentar y desarrollar a sus personajes e historias.

Su inicio en la dirección fue con Bone Tomahawk (2015), en la que también escribe el guión y se encarga de la banda sonora, su paso de novelista a director mostraba a unos personajes y situaciones presentados a fuego lento y con grandes diálogos llenos de sentido del humor, mezclando el western con el terror y pinceladas de gore muy violento.
Prosiguió con Brawl in cell Block 99 (2017), un neo-noir carcelario ultraviolento, en el que también contaba con todas las características de la anterior, incluyendo un gran guión, banda sonora muy acertada, tanto en la música como en el uso del sonido y del silencio, además de una muy acertada selección de actores que encajaban a la perfección en sus roles, elementos que ya son característicos de su cine.

Dragged across concrete es una buddy movie dentro de una película de robos y atracos, cuyo estilo bebé directamente de revistas pulp y de las mejores fuentes de cine negro.
Cada elemento de la historia está muy bien desarrollado, con tiempo disfrutable en su transcurso y detalles que enriquecen su narrativa y su sello personal.
miguel
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8
5 de diciembre de 2019
8 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
El tiempo es un elemento fundamental en esta obra. Como erosiona a las personas y sus actos, como puede cambiar una perspectiva.

La película en si es una reunión de viejos amigos entre Martin Scorsese, Robert De Niro, Joe Pesci, Harvey Keitel y Al Pacino entre otros. Y como tal, se toma ciertas licencias que pueden ser vistas con ojos más críticos o más comprensivos.

Narra un periodo importante de la historia americana del s.XX. Frank Sheeran “el irlandés” (Robert De Niro) es un camionero del sindicato que cruza su camino con Russell Bufalino (Joe Pesci), un reservado miembro de la cosa nostra con el que entabla buena relación y que aprovecha sus habilidades adquiridas durante la guerra. Tiempo después, le pone en contacto con Jimmy Hoffa (Al Pacino), líder del sindicato de camioneros, el más grande del país, alguien que no ocultaba que era capaz de utilizar métodos de lo más expeditivos para lograr cosas.

Hoy en día algunos de esos actos permanecen en el misterio. Scorsese ofrece su interpretación de unos tiempos en los que la mafia estaba involucrada en el auge y la caída de presidentes, mostrando vidas durante décadas y un gran friso de actos violentos, como ya hizo en su día en “Goodfellas” o “Casino”.

En esta ocasión le falta un poco de dinamismo, de profundidad en personajes secundarios, la banda sonora no permanece en la memoria, y tiene un metraje excesivo para la historia.
Lo sustenta todo sobre sus tres personajes, que pese a hacer un buen esfuerzo, no son las elecciones de casting más adecuadas, algo que unas caracterizaciones no muy logradas no pueden salvar, a excepción de Joe Pesci, que logra un trabajo extraordinario y está magnífico como Russell Bufalino, amable, reflexivo, maquiavélico y pausado.

Como película de mafia que habla de una época, no está a la altura de obras maestras como “Érase una vez en América” o “El Padrino”, y dentro de la filmografía de Martin Scorsese hay obras más destacables como “Taxi Driver” o “Toro Salvaje”, sin embargo, vista sin demasiadas expectativas cuenta con detalles muy destacables y siempre es interesante y agradable ver el trabajo de ese viejo grupo de amigos cuando se reúne.

Frank Sheeran es otra muestra de un retrato de una trayectoria vital plagada de conflictos internos que jamas obtendrán redención ni resolución. Unos códigos olvidados por el tiempo que se imponían a la conciencia, la cual debía esperar, mirando desde fuera a una puerta entre abierta.
miguel
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5
28 de febrero de 2019
8 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
Esta obra de Paul Schrader contiene varios elementos fácilmente identificables, por un lado el sufrimiento y la agonía existencial de su protagonista, que después de un suceso traumatico cómo la muerte de su hijo, ya no tiene un lugar en el mundo, y como pasaba con Travis Bickle (Taxi Driver, también escrita por Paul Schrader) al regresar de la guerra, entra en una espiral de autodestrucción que parece no tener remedio.

Por otro lado, su gran fuente de inspiración es Los Comulgantes de Ingmar Bergman, situando a su protagonista cómo miembro de la iglesia y utilizando personajes, situaciones y diálogos de ésta, aunque trasladandola a la época actual.

Ambas obras, tanto Taxi Driver cómo Los Comulgantes, son magníficas y logran mostrar un profundo vacío existencial y un gran sufrimiento con brillantez.

El reverendo en ningún momento alcanza esas metas, su realización austera, carente de banda sonora y con planos largos y distantes, en lugar de reforzar las sensaciones que pretendía, cae en el tedio y la falta de convicción. En conjunto parece estar hecha de forma apresurada sin cuidar los detalles y sin invitarnos más que en la superficie a seguir el camino y la transición de su protagonista, y sin llegar a tener la profundidad suficiente para llegar a cada persona de un modo que no resulte vacío o artificial.
miguel
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8
8 de enero de 2018
8 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
Zoë Tamerlis Lund da vida a Thana, una chica muda y algo retraída que trabaja para un modisto en la ciudad de Nueva York. La actriz, que destacó en varios campos, solo participó en tres proyectos en el cine, dos de ellos junto a Abel Ferrara, este y Teniente Corrupto, en el que también firma el guión.

En el rol de Thana, ofrece una imagen muy magnética, haciendo que muchas de las imágenes de esta pequeña cinta de bajo presupuesto de justicieros queden en la retina.
La historia es sencilla, primero Thana sufre la violencia por parte de dos agresores distintos que la violan en un mismo día (sin conexión aparente entre ellos) y a partir de ese punto, Thana va utilizando la violencia por su cuenta para vengarse. Violencia que se intensifica poco a poco, y que hace que cada vez necesite menos motivos para explotar, al tiempo que va cayendo por una espiral destructiva cada vez más profunda de la que es imposible salir.

Colaboración de Abel Ferrara con su guionista habitual Nicholas St. John, que no destaca por su calidad como El Funeral o El Rey De Nueva York, pero que resulta curiosa, y que muestra la predilección de los autores por los personajes al borde de la destrucción, un impulso sexual retorcido, un Nueva York sórdido y oscuro, una violencia extrema, una estética y unos personajes secundarios muy bizarros, y varias connotaciones religiosas en este caso del catolicismo. Una cinta con un tema muchas veces contado, pero que funciona y que posee un estilo muy atrayente.
miguel
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