La película es una de las mejores muestras del cine comercial de los noventa. Buena factura técnica y esmerada dirección artística, apuesta por el público femenino, una visión turística y glamourosa de la historia y el extranjero (los vampiros americanos se van de vacaciones a Paris, a disfrutar de una vida más bohemia, sus calles, el teatro, etc.), un gran sentido del entretenimiento, y ante todo una reivindicación del star system.

La reunión de actores es uno de esos casos que se dan casi una vez en la vida. Brad Pitt se catapultó de inmediato como el joven guapo de moda con esta película y 'Leyendas de pasión' del mismo año. Caso muy diferente era el de Tom Cruise, ya consolidado con papeles de guaperas y otros más serios y maduros (Nacido el 4 de Julio), si bien no era el momento cúspide de su carrera, consiguió cimentarla con el papel de Lestat, ganándose un notable reconocimiento y respeto. Antonio Banderas pondría la guinda al pastel como el tercero en discordia de entre los sex symbols, Christian Slater estaba casi en su mejor momento antes de que su carrera se hundiera entre arrestos, maltratos y alcoholismo detrás de las cámaras; y el tiempo de paso nos mostraría que Kirsten Dunst no sería la típica niña actriz que caería en el olvido haciéndose mayor.

Pero volviendo a la pareja protagonista, es verdaderamente único que una estrella consolidada, ex-guapo oficial de hollywood, y todavía razonablemente joven, aceptara un papel secundario y el de protagonista a su vez se lo dieran a un actor joven aspirante a estrella y al título de más guapo; y que además se pueda decir que el duelo interpretativo final acabe resultando equilibrado en la pantalla. Son dos personajes muy diferentes y eso permite que se complementen muy bien. Mientras que en su día las chicas más jóvenes se decantaban por la novedad también jovial de Pitt, ayudado por un personaje sensible y atormentado, Cruise se ganaba por detrás el reconocimiento y respeto de la crítica, e incluso de la autora de la novela, escéptica y reticente de que pudiera encarnar a Lestat. Uno de esos pocos casos que se podría decir "todos contentos".

Curiosamente Anne Rice en su segunda novela ya había "suavizado" bastante la imagen de Lestat, mostrándole, desde su propio punto de vista, mucho menos depravado y cruel, y acusando a Louis de manipulador. Con el juego de los puntos de vista, siempre queda esa ambigüedad sobre la amoralidad de Lestat, aunque lo más interesante sea hablar de distintas etapas del personaje.

La película de paso toca algunos temas sociales de su tiempo, como la creación e improvisación de nuevos modelos de familia o la exposición creciente de la niñez al mundo de las miserias y placeres adultos.

Como último detalle, mención especial a la magnífica banda sonora de Elliot Goldenthal, si bien a veces parece copiarse a sí mismo de una película a otra, es parte del mérito de uno de los últimos compositores que ha sabido crearse su estilo propio e inconfundible.

Los diálogos son muy buenos y se palpa que están escritos por Tarantino. Y digan lo que digan la dirección de Tony Scott le sienta como anillo al dedo a la película. Muchos hablan a toro pasado sabiendo lo que ha sido después Tarantino, pero para los que la hemos visto y disfrutado cuando a Tarantino no le conocían ni en su casa, no queremos que nos la cambien por nada del mundo. El que quiera disfrutar de Tarantino en estado puro para eso están sus películas (personalmente me quedo con las de los 90), y si además quieres una mezcla única e irrepetible, un Tarantino impuro y disfrazado, pero igual de disfrutable, pues aquí tienes "Amor a quemarropa".

Esta peli la vi de adolescente y recuerdo cómo dos escenas me sobrecogieron por su violencia y dramatismo emocional y visual: la paliza a Alabama y el tiroteo final, no en vano ambas comparten una melodía de fondo, tenue pero hermosa. Vistas hoy el tiroteo final pierde bastante, la situación parece demasiado prefabricada, y el tiroteo en sí está forzado (¿el policía dispara al productor porque le arroja café ardiendo al soplón?); en cambio la escena de la paliza sigue poniendo los pelos de punta, pese a que hacia el final también tiene sus detalles forzados para que Alabama acabe salvándose.

Pero no son las únicas escenas que se quedan grabadas, quizás sí las más visuales y dramáticas, pero los diálogos, los personajes y el guión en general darán lugar a multitud de escenas estupendas, divertidas, palpitantes o inteligentes, muy bien hilvanadas y estructuradas.

Y volviendo a lo de las melodías, Hans Zimmer hace uno de sus mejores trabajos, una música preciosa, quizás un poco omnipresente (se introduce música casi al final de cada diálogo con algún giro) pero se puede pasar por alto. Zimmer retrabajó el tema principal "Musica Poetica" de Carl Orff y Gunild Keetman que ya había sido utilizado en la película "Malas tierras".

¿Lo peor de la película? El famoso monólogo de Dennis Hopper, la idea es excelente, pero el contenido nefasto, y demuestra la incultura de Tarantino, los actores, el director y del espectador americano medio. Los moros NO eran negros. Tampoco los italianos peninsulares eran rubios y de ojos azules, aunque el Norte tenga influencias germanas. Un despropósito tras otro que hace venirse abajo una escena que muchos consideran mítica, y pudo haberlo sido. No vale con decir "leo mucho, me gusta la historia".

Y aún con todo, es una magnífica película.

Nota: 7,2.

Pero entremos en materia, cualquiera que haya visto "Depredador 2" seguro que tiene grabados en algún resquicio de su memoria más de media docena de momentos memorables. Puede creer que los ha olvidado, pero es cuestión de volver a echarla un vistazo, los recuerdos enseguida abruman.

La primera parte de la película tal vez ha envejecido mal, esas guerras callejeras con lanzagranadas contra la policía, reporteros sensacionalistas de por medio, Danny Glover en plan kamikaze con su coche (y presumimos que ganándose la admiración del depredador), televisión, ese cártel de jamaicanos locos del vudú, que tanto miedo daban a quien la viera de pequeño, etc. Todo bastante exagerado, paradigma del cine de acción del momento que tanto le gustaba el tema de las bandas callejeras e imbuirse de un futuro decadente, pesimista y en descomposición.

Pero todo esto no queda más que en una mera presentación y preludio de la segunda parte de la película, a partir del ataque al metro empieza una larga persecución entre el depredador y Danny Glover, que se alternan el papel de gato y ratón (genial el momento que Glover le dice "OK pussyface, its your move"). La película nos va regalando momento tras momento que cuando yo la vi de pequeño me marcaron profundamente, aquello era cine de acción del bueno, no era una peli cutre de videoclub sobre un monstruo matando a todo quisqui, había una artesanía, un mimo en los detalles, y un grado de sugerencia visual que era imposible apartar los ojos y dejar de pensar que nunca habías visto nada igual.

Me refiero a cómo le quita la columna vertebral a Bill Paxton y oimos el cuerpo desplomarse como un saco de patatas en las vias del metro, o perdona la vida a Maria Conchita Alonso por estar embarazada (qué gran detalle para explicar sin palabras cómo piensa y razona esa aparente bestia), cómo huye pisando el techo de los coches, el puñetazo de Danny Glover al reportero, cómo descubre la trampa en el matadero, parte por la mitad con un disco-boomerang a Gary Busey, como paran los aspersores, Glover le quita la máscara, "motherfucker", etc. etc. Incluso cuando nos dan un respiro, es oro molido, el depredador se cura el brazo amputado (con extravagancias rebuscadas de ciencia ficción de las que tanto gustaban antes) mientras la maruja está con la escoba preparada al otro lado de la puerta para arrear al intruso... Digan lo que digan, pelis así ya no se hacen.

En definitiva una película agradecida, que sabe dar más y más sin pedir nada a cambio, te trata como a un espectador privilegiado, se arrodilla ante ti con la única aspiración de entretenerte, de mimarte, exponente de una época dorada en que se sabía hacer buen cine de entretenimiento sin menospreciar al espectador.

Nota: 6,8.

Sin ser gran cosa, tampoco está mal para ser sinceros. El protagonista, Tetsu, queda convincente en el papel de hermano mayor, protector y responsable, que se ha encomendado la tarea de cuidar de su hermano pequeño, con vocación de artista, y sacrificarse por ofrecerle un futuro más prometedor que el de yakuza.

También queda convincente la chica caprichosa y mimada, de arrebatadora sonrisa, que se enamora de Tetsu. Y no puedo olvidarme de mencionar a ese grupo de obreros japoneses, que acogen a los hermanos protagonistas, y les vemos actuar repetidamente en coro, muy bien dirigidos y bastante graciosos.

Las 3 o 4 canciones japonesas con voz femenina que adornan varios momentos del metraje son también todo un regalo para el oído.

Pero poco más, el problema de la película está en que pese a durar tan sólo 85 minutos, se puede hacer larga y aburrida debido a toda la parte intermedia, que llega a ser en varios momentos reiterativa y redundante, no aportando gran cosa al desarrollo de personajes ni de la trama. Y es que, por mucho que me pese, empezando y terminando a gran altura, la historia no termina de atrapar en toda esa hora que separa el principio del final.

Tampoco es una película donde aprender algo reseñable sobre la cultura e idiosincrasia yakuza, pese a lo que uno podría pensar al ver los créditos iniciales con la cámara enfocando varios torsos tatuados. A eso y un precioso vestuario (la película está ambientada en los años 20 por cierto, inicios de la Era Showa en Japón) se reduce básicamente la descripción de los yakuza en esta película.

Para los fans de Suzuki, Tattooed Life viene a ser lo que sus otras películas más famosas y menos racionales hubieran sido de tener una narrativa más tradicional, y ello no les convence, pues no deja de ser una obra menor del director, interesante tan sólo por contribuir a cimentar el estilo visual Suzuki que daría nacimiento a sus otras obras más veneradas como Branded to Kill o Tokyo Rift.

Pero hay que reconocerle el mérito, es este tipo de películas en las que uno puede ver ese poso de influencias que daría forma al manga y anime posterior. El lenguaje visual y todo el apartado estético es magnífico. Tampoco sorprende que esta sea una más de la larga lista de películas que Tarantino copió/homenajeó para hacer Kill Bill.

Nota: 6,5.

No es cine quinqui exactamente, género en el que se especializaría Eloy de la Iglesia en los 80, los protagonistas son dos chavales de clase media que se mueven como pez en el agua por el mundo de la heroína, pero la película en pocos momentos da sensación de marginalidad, ni los clientes, ni los ambientes por los que se mueven, ni los amigos y conocidos que tienen son parte de la marginalidad, aunque en momentos la rocen, más bien se ve como la heroína goza de una notable salud social. Pero es cierto que la película apunta como poco a poco sí se dirigen a la marginalidad, confirmándose en la posterior secuela “El Pico 2” (película bastante diferente, más irregular y que sólo se queda grabada en la memoria por el personaje del Pirri).

Tampoco es una película sobre el conflicto vasco, aunque yo no he visto ninguna otra que lo trate y refleje tan bien, con tanta naturalidad e intidimidad, y sin sectarismos, pero no deja de ser casi una excusa contextual para acentuar la amistad entre los dos chavales y la solidaridad entre los dos padres, y viendo el resultado a mi juicio es un contexto bien elegido. Sorprende ver como Eloy de la Iglesia se atrevió a tocar este tema y no se quemó los dedos en el intento, sino que como ya dije al principio, es admirable el sentimiento y la inteligencia con que lo aborda.

Mención especial también al personaje de la madre de Paco, me parece una interpretación sencillamente magnífica y conmovedora.

Personalmente creo que es una película que algún día se revalorizará como se merece, y se convertirá en imprescindible del cine español, es una pena porque ese día podría ser hoy o ayer, teniendo en cuenta que tiene más de 25 años, pero desafortunadamente parece que todavía hay que esperar.

Nota: 7.