¿Pero alguién se rió con la visión de esta mascarada de propaganda política sin gracia, sin orden ni concierto y sin dirección digna de tal nombre? Este telefilme, por llamarlo con una palabra decente, es una colección (más bien ristra) de chistes de segunda mano, lanzados sin ritmo ni criterio dramático alguno delante de una cámara colocada de cualquier manera. Eso, por no hablar de la puesta en escena, pobre, de las actuaciones, mediocres, de la fotografía, plana, del guión, un mal chiste, de la producción, tercermundista, de la intensidad dramática, nula, del ingenio comediante, cero... En fin, es aún peor que "Vicky, Cristina, Barcelona", y ya es decir. Pero eso sí, está firmada por Woody Allen, ¡oh!, entonces debe de ser buena. Si hoy es martes, esto es Bélgica. Si es de Woody, es estupenda.

Efectuar una mera puntuación, así como una crítica, de una de las primeras cintas de Méliès es, salvando las distancias, como valorar las pinturas de las cuevas de Altamira o las de Lascaux, o puntuar del uno al diez la Venus de Lespugue o los dólmenes prehistóricos. Es en obras como estas, obras que ponían las bases de una expresión estética humana novedosa, donde se rompen, se ha de romper todo prejuicio valorativo, cualquier esquema comparativo. ¿Cómo podemos juzgar a un artista como Méliès con los criterios de "calidad" actuales (suponiendo que esos criterios sean válidos) si fue él, junto con los hermanos Lumiére y su equipo (así como la gente de Edison y otros) quienes daban los primeros pasos en un mundo que no existía, que fue creado por ellos? ¿Tiene pertinencia preguntarse (si es que alguna vez la tiene) si fueron "malos" o "buenos"; si sus películas "nos gustan o no"? Fue Méliès y gente como él los que trazaron los primeros caminos sobre territorios ignotos y desiertos, y fueran como fueran esas sendas, permitieron a los que vinieron después caminar por ellas. Los caminos estaban hechos y probablemente se construyeron de la única manera que ellos sabían, manera que fueron descubriendo con la propia práctica, puesto que nadie los había hecho antes. Por tanto ¿no fueron hasta cierto punto perfectos?, ¿cómo calibrar sus defectos si no se puede comparar con nada, salvo con otras expresiones artísticas parecidas pero distintas que ya llevaban décadas o siglos de recorrido (pintura, fotografía, teatro, etc.)?. En fin, que poner un 7 a una peli de Méliès no tiene mucho sentido, al igual que tampoco lo tiene ponerle un 8 o un 6. ¿Habría que calificarla con un 10?, ¿decir que en su inevitable tosquedad son películas que se hicieron lo mejor que se podían hacer? Es algo difícil, por no decir, imposible de valorar. La importancia histórica de esta película, como la de todas las de esta primera época de Méliès es absolutamente enorme e impagable y no se puede calificar en una escala, por que sin ellos la escala no existiría.

En el primer capítulo de “Malditos bastardos” se condensan las virtudes y los defectos de este filme. Las primeras se resumen en una expresividad visual imponente, una visita a ciertos géneros del cine con un desparpajo que derriba convenciones y fronteras, y el dibujo de un personaje extraordinario: Hans Landa. Los defectos son pocos pero graves, yo diría que muy graves. Me centraré sólo en el que considero esencial.

En esta primera escena en la que la tensión es máxima, en la que se plantean magistralmente los parámetros de un juego peligroso que pone varias vidas en riesgo, en la que el filme se aventura por un camino intrigante de la mano del carácter del oficial nazi que socava minuciosamente el de su anfitrión interrogado, Tarantino se equivoca al obligar a este malvado antológico (uno de esos que aparecen en el cine cada muchos años) a extraer de su bolsillo un objeto estrafalario y exhibirlo de manera igualmente ridícula, un objeto que destruye la atmósfera, la tensión, el tono, la sutileza y la eficacia de la escena y que pone en cuestión la verosimilitud de la misma. No revelaré cuál es ese objeto, pero su aparición estrambótica parece obedecer no más que a la mecánica del guiño al incondicional, al “fan” de Tarantino y de su humor particular. Pero para quienes no lo somos ciertas bromas nos pueden parecer pesadas y podemos interpretarlas como una banalidad que contamina la escena y que nos pone en guardia ante el filme. Nada en realidad es importante (parece advertir el director yanqui): la ocupación francesa, el asesinato de una familia judía, la venganza que mueve a uno de los personajes, los planes para asesinar a los líderes nazis… todo es una excusa para disfrutar de los excesos de Tarantino, para gozar de una violencia al servicio de una estética sanguínea, para demostrar las dotes de dialoguista exacerbado y los hallazgos en la realización y en el guión. En resumen: me da la sensación de que Tarantino no se cree su historia, o al menos la frivoliza de tal modo que la carcome con sus extravagancias. Y es una lástima porque, en definitiva, creo que está bien dirigida, bien interpretada y que encierra momentos realmente interesantes, y un personaje (interpretado por Christoph Waltz), reitero, admirable.

Aquí tenemos una especie de Thelma y Louise a la española: una película de fuga femenina, una especie de subgénero dentro de las pelis itinerarias que se basan en la metáfora del viaje como camino de liberación, en este caso como liberación de la mujer. Se dice por ahí, no sé si con mucho fundamento, que este tipo de argumentos forman la base de una tipo de cine "feminista". Puede ser, aunque eso sería objeto de debate. Lo que sí parece, y "Vámonos Bárbara" no escapa a ello, es que esta clase de películas demuestran la opresión en la que sienten vivir algunas mujeres que ven en la huida un camino para su liberación. Lo que también suelen mostrar es lo infructuoso de esa solución y la falta de recursos que tiene la mujer para luchar contra su insatisfacción y su opresión. En ello tanto "Vámonos..." como "Thelma y Louise" son paradigmáticas, sobre todo la última. En lo que se refiere a las particularidades de la película de Bartolomé sobresale la estupenda descripción del contexto social de una España que estaba cambiando aceleradamente, que destruía modelos anteriores, pero que no sabía construir modelos sólidos que seguir. Como dice el personaje de José Lifante: "Hoy ya nadie se escandaliza de nada". Ni siquiera de las tendencias pederastas que este mismo personaje apunta en una de las escenas. Entre esa España que muere y otra que la mata, no para de dar bandazos una burguesita (estupendamente encarnada por Soler-Leal) que no tiene ni idea de qué hacer para ser feliz y sentirse libre. Casi un símbolo de la España de aquellos años setenta.
Aun así, creo que esa desorientación se inserta en el propio filme, que no se decide a tener una mirada propia sobre lo que está ocurriendo en España ni sobre la borrachera de libertad de Ana, ni de las causas de su opresión.

Una película en la que sólo aparecen mujeres pero que gira toda ella en torno a los hombres, o al menos giran las protagonistas. Supongo que en su momento se consideró como un hallazgo artístico y de paso comercial el hecho de que no apareciera ningún varón, pero paradójicamente, el varón (o los varones) están casi tan presentes (y casi sin el casi, si se puede decir) como las mujeres.
Por otro lado, el filme no resulta demasiado interesante. La anécdota es insulsa y previsible por no decir estúpida, y de no haber estado tras la cámara George Cukor delante de ella Norma Shearer o Paulette Godard el filme se haría insoportable.
A destacar que la considero una de las películas más sexistas que he visto últimamente.