"Pienso que lo que ha hecho Keane es fabuloso. Tiene que ser bueno. Si fuese malo, no gustaría a tanta gente". Esta es la cita warholiana que prologa la última y nada gótica película de Tim Burton. Una referencia a la obra de Margaret Keane, muy positiva, sobre lo que es el arte si se le pone un fin en sí mismo. Es una pena que el film no se decante tanto por el enorme debate existente alrededor de las pinturas de la señora Keane. El cuestionadísimo estilo de la artista pasa a un segundo —o quinto— plano en el guión de Scott Alexander y Larry Karaszewski, autores de esa maravilla llamada 'Ed Wood', en la que sí acometieron el tema de la obra del peor director de cine de la historia (o eso dicen en no sé qué lista).

'Big Eyes' se ve bien. No te deja los ojos como los de los niños de los cuadros de la protagonista, pero sirve para pasar un buen rato. El problema es que no deja poso. Visualmente distinta a la mayoría de películas de la filmografía del exmarido de Helena Bonham Carter, hay algo en ella que no me acaba de cuadrar —y el chiste ha salido sin querer—. No es que me falte su exmujer o Johnny Deep en el reparto, sino que circula sin prácticamente sobresaltos y cierra mediante un final algo indolente. La historia del matrimonio formado por Margaret y Walter Keane está espoileada en incontables páginas de la red. Así que yo simplemente os cuento lo que dice la sinopsis: en los años 50 y 60 tuvieron un enorme éxito los cuadros de niñas y niños de ojos enormes que pintaba Margaret y que firmaba Walter. Ella cardaba la lana y él se llevaba la fama.

Ese matrimonio de intereses encontrados se nos exterioriza y se nos desentraña desde dentro. Una época de postguerra, machista y acomodada en sus creencias, que necesita novedades sin complejidades se nos presenta como marco en el que la pareja ve pasar el tiempo sin cambios. Lo kitsch, los lienzos que tanto gustan a Alaska y Mario y que tan poco agradan a Woody Allen y la contienda entre el arte personalizado y la producción en serie están siempre debajo de la asfixia de la actriz principal, encarnado por una efectiva y buena actriz de nombre Amy Adams. Christoph Waltz está algo desenfrenado y de la actriz que hace de la hija —personaje físicamente más del universo del tío Tim— mejor ni hablar. Aún así, vista como una película hollywoodiense que no busca entrar en ensayos artísticos ni dejar nada abierto al espectador, reitero que 'Big Eyes' es una película entretenida.

Con permiso de Ed Wood, y aunque ni el país de las maravillas ni los vampiros le sentaron excesivamente bien, estoy esperando ansioso que Burton vuelva a sus mundos de fantasía: a caballeros sin cabeza, a canes remendados, a extraterrestres de colección de cromos o a jóvenes con dedos afilados. Pero tranquilidad, que he leído que el director de los pelos enmarañados hay tres palabras que muy pronto va a repetir: Bitelchús, Bitelchús, Bitelchús.

La gente comenta que con actores noveles esta historia hubiera pasado bastante desapercibida. Y todo puede ser, pero si basas una película en unos certeros y ágiles diálogos, lo mejor es disparar sobre seguro. Cesc Gay no debía saber a qué actor escoger para su película y decidió pedírselo a todos. Ahí va la lista de tags: Ricardo Darín, Luis Tosar, Javier Cámara, Eduardo Noriega, Leonor Watling, Leonardo Sbaraglia, Candela Peña, Eduard Fernández, Alberto San Juan, Cayetana Guillén Cuervo, Jordi Molla y Clara Segura.

Con todo este elenco, Gay ha realizado un film ameno, inteligente, entretenido y tragicómico donde las mujeres transmiten una imponente seguridad y los hombres disparan con la pólvora mojada. El autor de las brillantes En la ciudad y Ficció consigue que no apartemos en ningún momento la mirada de la pantalla gracias a los duelos interpretativos de unos grandes actores que se nos van presentando para enseñarnos que nada es lo que parece y que todo nos suena. Los actores viven con sus parejas, con sus mascotas, con sus madres, con sus amantes, con sus miedos, con sus oscuros secretos, con sus antidepresivos y con sus frustraciones. Varias historias, protagonizadas por dos actores cada una, que muy bien funcionarían como piezas independientes pero que están perfectamente hiladas en su desarrollo y ensambladas en su epílogo. Y todo ello con la crisis de identidad masculina como fondo y la poca capacidad de los hombres para sincerarse y abrirse. La analogía del título con una película del oeste se podría traducir en un western crepuscular. Un lugar donde los héroes ya no son lo que eran y las chicas guapas no necesitan que nadie las salve. Una ciudad salvaje donde el silencio impera y donde el tiempo no pasa en balde.

Aunque todo el reparto está a un alto nivel, a positivar sobre todo a cuatro de los actores: al entregado Eduard Fernández, al arrepentido Javier Cámara, al abatido Ricardo Darín y a Candela Peña, la más rápida del oeste.

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Hollywood se autoflagela de la mano de un asimilado. Puede ser que hiciera falta que alguien venido de fuera, como Wilder con el El crepúsculo de los dioses, presentara una nueva Norma Desmond personalizada en Michael Keaton. El actor con el que últimamente nadie contaba para cosas serias, se desliza en un falso y espectacular plano secuencia acechando gigantes donde sólo hay molinos; y al revés. Un personaje que fue alguien, y ahora tiene que producirse su propia obra para intentar demostrar que es algo más que un hombre que se enfundó un traje de superhéroe muchos años atrás. Una magnífica caricatura con incontables lecturas que no deja títere con cabeza —otra expresión de origen quijotesco— y que habla de frente a la fama, la crítica, la interpretación, la verdad, la familia, las redes sociales y así hasta que uno quiera parar. Puede que Iñarritu se recree demasiado en su parte final, pero está claro que estamos ante una obra mayúscula.
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Peliculón al canto. Premio Especial del Jurado en Cannes y Premio del Público en Donostia. Un documental sobre la vida y obra de Sebastião Salgado. Una excepcional fotografía del hombre de las fotografías. A modo de duelo, cámara de fotos y cinematográfica se enfrentan para narrarnos de manera soberbia lo que Salgado plasma en imágenes fijas. En pantalla grande vemos la evolución temática (siempre de calidad) de las instantáneas del maestro brasileño, así como de su situación personal en el momento de dispararlas. Imágenes atroces de guerras y hambrunas, imágenes impactantes sobre la precariedad laboral e hermosas imágenes sobre la naturaleza se positivan constantemente. Y detrás de la cámara que apunta al fotógrafo está Wenders. Genio y figura el de un realizador que se enfrenta a los documentales adaptándose al estilo de aquello que documenta. La sal de la tierra, Pina, Buena Vista Social Club o Relámpago sobre el agua son un ejemplo tal de respeto a lo narrado que asusta.

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Esta vez Ozon no se iba a llevar la Concha al agua. El film era una especie de pastiche del que se podía intuir algo de Almodóvar, un poco de Dolan, un poquito más de Achero Mañas y reminiscencias de Veber. Aunque todo ello envuelto en un cierto toque François Ozon, eso sí. Entretenida en su visionado la película es fácilmente olvidable y pude darme cuenta de que, conforme se sucedían los días, nadie la tenía muy en cuenta. Su inicio, aunque no original, es preciso, bien narrado y divertido. El problema son sus dos últimos tercios excesivamente encorsetados y serios para tanto giro argumental. Sinopsis: una mujer, tras el fallecimiento de su mejor amiga, decide cuidar del hijo y del marido de ésta. Pero, oh sorpresa, de repente (muy al principio, nada de spoiler) el marido de su mejor amiga se ha convertido también en su mejor amiga (no es un gazapo: amiga, con “a” de Almodovar). A positivar una gran secuencia —hablamos de un muy buen realizador— en un club de ambiente, con significativa y penetrante actuación incluida.

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