Tiburón.

La película que catapultó a Steven Spielberg a la fama como cineasta, tiene varios puntos que son muy elevados y que al día de hoy se logra apreciar debido a la calidad que estos exprimen y más aún con el ajustado presupuesto que conllevó, detallando que más allá de esos detalles, buscaremos darle análisis de si "Tiburón", como totalidad mantiene su postura de ser innovadora e inclaudicable con el paso del tiempo.

Sin dudas habrá resultado todo un boom para su época, siendo que para sus tiempos fue llevada a la perfección por otros recursos cinematográficos conducidos por Spielberg, ante la falta de la tecnología, los efectos especiales y sobre todo los presupuestos de hoy en día con los que cuenta el cine, y especialmente con los que contaría una película de dicho director en la actualidad, exponiendo todo un logro de lo que fue esto.

Los manejos de la cámara, la atmósfera de suspenso e intriga sumado al apartado audiovisual generan un clima perfecto para sugestionar y sensacionalizar sobre aquello que no se ve, y que no está presente en gran parte de su desarrollo, puesto que el tiburón como tal, lo veremos en muy contadas ocasiones, pero esa percepción de que cuando se lo necesita de que esté presente, se encuentra muy efectiva.

Si hablamos de uno de los componentes esenciales de este proyecto, tenemos que hablar de la banda sonora de John Williams, quien sin dudas le añade su cuota para que la sugestión funcione, creando un sonido memorable y que la transformarían en objeto de admiración con el paso de los años, Williams quien luego sería frecuentado en varios de los largometrajes del mismo Spielberg como lo son Jurassic Park y La lista de Schindler.

Personalmente me sucedió que a niveles generales titubea cada tanto en pos de buscar una bocanada de aire de lo atractivo que resulta la aparición de los sucesos marítimos en donde coquetea permanentemente con el género de terror y el de aventuras, aunque persistiendo un aura de relato demasiado estadounidense en sus expresiones y en su resultado como consecuencia de la estructura que posee para guiarse.

Si bien y sin dudas es una parte del cine que, ha marcado tendencia y rumbo para las generaciones siguientes, esto reluce mucho gracias a su estilo visual y sonoro, dejando una obra que seduce de ser sensorial y atemorizar con sus escasos medios, hubiese necesitado más compromiso en cuanto a su elenco y lo que estos originan con su trabajo, pero de todos modos puede estar orgullosa de haber sido y aún hoy en día, ser objeto de admiración.

Calificación: 6.7

Challengers.

Bajo una base deportiva Guadagnino va delineando meticulosamente y sobre todo estilísticamente una historia amorosa desde la vivencia de sus tres protagonistas, en los que irán desatándose a través de esa relación piezas como las obsesiones, las pasiones y toxicidad mutua, es cierto que aquí lo virtuoso y clave es su método para contarnos ese relato acompañado de una muy extravagante función desde lo audiovisual que convierten en de "Challengers" un objeto muy digerible y entretenido en sus más de 2 horas de duración.

La obra del cineasta italiano es una película que te pide estar bien despierto y atento para poder tomarle el sentido, debido a su particular procedimiento para penetrar de lleno en la construcción de sus personajes, la utilización de un elemento que suele servir para a veces salir de apuros y otras para tratar de resaltar cosas relevantes que quedan al misterio como lo es el flashback, aquí se convierte en una herramienta fundamental, por lo que es necesario destacar nuevamente, la atención que se le debe prestar para ingresar a los juegos temporales que se nos propone, es esencial.

No es muy difícil mantenerse alerta en ella, ya que cuenta con su virtud audiovisual que tiene mucha energía y que es en parte la que no deja que la trama decaiga, independientemente de su utilización adecuada o no, deja planos muy sobrios y un sonido que irrumpe en momentos muy peculiares y plantea sobre dichos componentes que es innegable que para Guadagnino el estilo es primordial e innegociable, y es indudable, que más allá de si gusta o no el director, bien logra sus objetivos con esa extravagancia que hacen de sus proyectos algo muy agradable visualmente.

Las escenas propias del deporte son muy inmersivas y dinámicas, que nos logran adentrar de pleno en la tensión que se genera allí, siendo que el tenis es clave en la composición de sus figuras en las que allí se pueden reflejar sensaciones de competitividad en parte obsesivas y con un cierto roce de negatividad sobre la compenetración pasional y la pérdida del raciocinio con las manifestaciones frecuentes de las frustraciones y las cargas de expectativas hacia terceros sabiendo que quizás acarrean con sueños ajenos más que los propios.

Honestamente me cuesta bastante asimilar como femme fatale a Zendaya, aunque si se percibe efectivamente el fuerte trabajo que le vuelca a dicho rol y en como su personaje es quien lleva la corriente sexo afectiva predominante sobre las figuras de Art (Mike Faist) y Patrick (Josh O'Connor), y que, entre los tres, consiguen buena consolidación erótica y dramática para entregarle al relato una buena creación sobre ellos.

Ahora la pregunta es, ¿Challengers se podrá posicionar como una de las mejores películas de deportes que nos ha entregado el cine? solo el tiempo lo dirá, lo cierto es que su excentricidad la dibuja única, y en lo que su modo narrativo es digno de salirse con la suya y de aferrar con eficiencia su fabricación, mención para la música de
Trent Reznor y Atticus Ross que le da mucha vitalidad a una más que agradable experiencia cinematográfica.

Calificación: 7.4

Anatomía de una caída

Una escritora Alemana vive en el medio de los Alpes franceses con su marido Samuel y su hijo Daniel, la misteriosa caída de Samuel desde lo alto de su casa desencadena este thriller judicial en el que todo pudo haber pasado.

Un muy buen guion con mejor dirección por parte de la directora Justine Triet, en el cual buscamos desentrañar las vivencias de esa familia previas al suceso en cuestión en pos de dirigirnos hacia una verdad sobre el acontecimiento, esto desarrollándolo de forma interesante ya que solo tenemos la visión de Sandra acerca de su versión de los hechos.

Por otro lado tenemos a Daniel, el hijo de la pareja con una discapacidad visual, este elemento no me atrapó en ningún momento considerando floja actuación del joven teniendo en cuenta la condición que carga su personaje, esta creación con la motivación de generarle aun más tensión a la trama.

Tensión que si lo consigue de otras formas, ya que en ningún momento del largo trayecto, al espectador se le presentan las cosas fáciles para ir configurando un posible escenario, convirtiendo esta película en un thriller judicial feroz y sin cuartel colocando a la protagonista en el ojo de la tormenta; elemento narrativo que también se considera mero vehículo ya que buscamos además ahondar en los limites emocionales en los cuales se expusieron mutuamente los actores de esa relación desgastándola completamente.

En este sentido vemos claramente que se divide entre la primera etapa en la que transcurren los hechos judiciales que le dan base a esta historia, una parte que podría haber sido más corta y que contiene muchísimo tecnicismo contado a niveles tremendamente precisos.

En una segunda etapa la directora nos introduce en la vida previa de esa pareja, momentos en los que el elenco saca a relucir sus dotes actorales, convirtiendo un ambiente totalmente caldeado en esa casa donde poco a poco esa relación se va a ir desmoronando, mostrándonos esa otra cara acerca de los hechos a la medida que se evidencia como hasta el más pequeño detalle va deteriorando el matrimonio.
Es interesante como se presenta el condimento de que por parte de la protagonista el diálogo esté manifestado en Francés y en Inglés en distintas ocasiones, debido a las diferentes nacionalidades que se entrelazan en este argumento.

Y una tercera etapa en la que se le va dando un cierre al film y en el cual se va formulando "una verdad" acerca de los acontecimientos que se sostienen en tela de discusión.

Visualmente preciosa, desde los colores hasta los manejos de cámara, logrando distintos y virtuosos planos como la cámara en mano, tomando tintes de documental por momentos, debido a los conceptos reconstructivos e investigativos, planos cortos buscando gestos emocionales en los personajes, planos muy amplios con unos zoom que utiliza de forma brusca para que coloquemos énfasis en lo que quiere que veamos, corridas de cámara, además notar lo interesante de como la filmación en ciertas ocasiones es dirigida por los propios personajes siguiendo personalmente sus movimientos dejando de lado el foco en sus entornos.

En grandes aspectos, un buen guion y buen dirección, grandes actuaciones por parte de Sandra Hüller con una gran fotografía y una banda sonora en la que se va apoyando para unir cabos, se me hizo un poco larga de duración como para lo que pretende abordar (2 horas y 32 minutos) quizás siendo más productiva con media hora menos, y un espacio en el que sentí que la trama se cayó en un pozo, aunque luego retomando el interés y el buen funcionamiento.

Calificación: 7.4

Mother!

Vamos a empezar mencionando que, si una obra cualquiera sea, con el tiempo debe ser explicada por su propio autor es que algo no anda muy bien, y eso es lo que ha sucedido con Mother!, siendo el propio Aronofsky el que le baja el precio teniendo que manifestar sobre lo que quería reflexionar al entregar esta película, objeto del cual de todos modos pareciera poseer múltiples lecturas independientemente de las intenciones del director, siendo quizás, muchas de ellas correctas al mismo tiempo que coexisten con las manifestaciones bíblicas en las que quería sumergirse estadounidense.

Mencionando especifica y estilísticamente a lo que nos tiene acostumbrados el cineasta a lo largo de su filmografía, dichas aristas se encuentran presentes en este film también, esos sucesos por los cuales las personas luchan para alcanzar sus sueños, son los que conviven allí para realizar una autodestrucción de si mismos y de todo el circulo que los rodea, analizando una visión sobre el amor, la toxicidad en las relaciones de pareja y la auto insuficiencia que se plantea uno mismo sobre las expectativas hacia el otro al no poder sentirse llenos ni complacidos en un ambiente dañino donde reina el egocentrismo.

El ritmo y la estética como siempre busca ahogar, asfixiar a sus personajes a medida que se adentran cada vez más en el desarrollo, con esos planos desordenados y movedizos aludiendo al caos en el que se hunden cada vez más, sumada esa visual tan oscura y para nada alentadora con esas luces con tonos amarillos, sabiendo que en el cine los colores tienen sus estados positivos y sus estados negativos, en este caso el amarillo realiza referencia a la locura, las obsesiones y la inseguridad, sumando que "Mother!" se encuentra desnuda en banda sonora para así detallar aun más crudeza y visceralidad a los hechos, en lo que quizás, estemos presenciando la cinta más violenta de Aronofsky para con sus personajes y la destrucción sin compasión a la que estos se exponen.

Es sabido de los acertados casting del director para sus películas, siendo los actores que participan bastante complacientes para con sus colores actorales en los que deben enfrentar una realización demencial e histriónica en ellas, así como Natalie Portman en "El Cisne Negro" o Jared Leto y Jennifer Connelly en "Requiem por un sueño", aquí tenemos a Jennifer Lawrence que es en la que se carga toda la desesperación y frustración de una pareja toxica y que resulta victima del ego de "Dios".

Indefectiblemente puedo entender a los espectadores que agarraron en el aire la intención de este proyecto, así mismo puedo entender también a los que se les hizo demasiado caprichosa en cierto sentido, quedándome al fin, con la reflexión realizada al comienzo de este análisis, y es que, si hay algo que sobre explicar, algo realmente no funciona muy bien, aunque rescatando las sublimes actuaciones de Bardem y Lawrence, toda la atmósfera contemplativa se encuentra en su pesimismo y se valora que eso pueda permanecer sobre sus múltiples opciones de leerla.

Calificación: 6.7

En busca del destino.

En esta película podemos percibir una solidez en su estructura y que se va consolidando exitosamente en cada tramo que avanza que resulta digna de admirarse, bajo la dirección de Gus Van Sant y un guion escrito por Ben Affleck y Matt Damon, quienes a su vez, son ellos mismos los encargados de interpretar sus personajes en una trama que invita a reflexionar acerca de la soledad, el amor y las frustraciones y oportunidades de la vida, teniendo como fortaleza su resistencia en sus dos horas de duración.

Sin dudas su potencia radica en lo potente y concreto que resulta su guion, gran trabajo de Affleck, aventurándome en la percepción de que la mayor parte de su escritura corre por su cuenta, claro que no debe de ser fácil ponerse de acuerdo entre dos, pero aquí claramente de logra, con una escritura que deja fluir la historia y que sobre todo tiene la enorme virtud de persistir ante sus bajos, debido al colchón que va formando en cada etapa que va transitando, en un elemento que va paseando por distintos estados sin caer en ninguno de ellos y en los que sabe moverse para no generarle un estancamiento ni cierto aburrimiento, haciendo convivir a la perfección sus partes de comedia y sus periodos de dramatismo bien duro.

La composición de sus personajes la podríamos establecer como un triple espejo, en una triangulación que se frecuenta entre Matt Damon, Robin Williams y Stellan Skarsgård, en donde allí se ahondarán en los fantasmas de esos tres personajes que tienen tantas cosas opuestas así como mucho en común, dejando al desnudo los conflictos propios de cada uno logrando que la historia se torne introspectiva y que dejará ver su lado de sensibilidad con diálogos que llegan en profundidad y que la humanizan de una manera increíble, en estas etapas se dejan ver las brillantes actuaciones de Damon y Williams especialmente, a la vez que la cámara juega muy precisamente a los planos y contraplanos en esas conversaciones que emanan exaltaciones y colisiones constantes que se efectivizan al 100%.

Como puntos ciertamente flojos, podríamos detallar que la banda sonora no logra ir de la mano con el poderío que posee el resto de sus elementos y que sus demás secundarios pocos de ellos pueden aportar a la trama, cerrando la concepción interpretativa en el triangulo actoral antes mencionado, incluso el propio Affleck deja apartado su papel en un personaje que si bien podríamos decir que es la cuarta pata de la mesa, esta se deja visualizar como prescindible para con la película y su desarrollo, además de si mencionamos que Damon probablemente esté ante uno de los mejores trabajos de su carrera y un Williams que resultó ganador al premio Oscar como actor de reparto.

"En busca del destino" es inteligente, sabe moverse y sabe ofrecer lo que propone, comprende cuando aflojar y cuando tensar la cuerda, llega, emociona y deja pensando, guion escrito con mano quirúrgica casualmente por sus dos actores más jóvenes que demuestran y pueden hacerlo con orgullo, sus credenciales como potenciales guionistas y directores.

Calificación: 9.0