Creo que "Drive my car" es una rara avis en el panorama cinematográfico actual. Con un guión muy sólido e interesante, es una indagación profunda y sincera sobre la complejidad de las relaciones humanas. Filmada con enorme elegancia y calidad, sus tres horas de duración no parecen desmesuradas.

La infidelidad, las culpas y remordimientos, los sueños y fracasos, la carga emocional que arrastramos por "lo no dicho" o "no hecho", el amor, el egoísmo y la empatía se entretejen en una mirada muy lúcida sobre nuestra condición y nuestros enormes límites como seres humanos.

El juego entre la historia de los protagonistas y esa maravilla de Chejov que es "Tío Vania" abarca la mayor parte del film generando un efecto de resonancia maravilloso. Emocionante pero sin sentimentalismos, profunda sin ser críptica e inteligente sin snobismos.

Hamaguchi ha filmado un clásico.

John Keats solo vivió 25 años. En vida, salvo por unos pocos, fue considerado como mucho un poeta de poca monta. Solo muchas décadas después de fallecido su obra fue revalorizada y es hoy considerado uno de los mayores poetas de habla inglesa, y quintaesencia del Romanticismo. La vida a principios del siglo XIX era extraordinariamente precaria, aún para aquellos un poco más acomodados. La breve vida de Keats transcurrió en las dos primeras décadas del siglo 19, mayormente. Inglaterra estaba camino a convertirse en la mayor potencia mundial pero arrastraba una sociedad de una desigualdad enorme, violenta, llena de miseria y dolor.

En el medio de esas calamidades sociales floreció, en casi toda Europa, el movimiento Romántico, con expresiones superlativas en poesía, teatro y música. Jane Campion toma los últimos pocos años de Keats y su relación con Fanny Brawnee, una jovencita de una familia burguesa medianamente acomodada. La relación entre ambos, bañada por un amor romántico y fatalista, quedó reflejada en las cartas de Keats a Fanny que se conocerían tras la muerte de ésta.

Basándose en hechos reales tejidos con imaginación, Campion compone una muy bella pelìcula en la que nos permite acercarnos a una época (hace ya 200 años) en que los códigos sociales eran bastante diferentes. La recreación de la época y los comportamientos de los personajes, incluyendo el uso de un inglés con toques arcaicos, son sorprendentes. El tono realista de la puesta en escena no obstruye un delicado y delicioso lirismo bañado por la propia poesía de Keats. Puede ser que en algunos momentos la película parezca avanzar con excesiva lentitud, pero la vida era mucho más lenta hace dos siglos.

Actuaciones excelentes de protagonistas y secundarios y una belleza fotográfica clásica ya en Campion completan este viaje en el tunel del tiempo para rendir homenaje a John Keats y a tantos jóvenes que lograron crear belleza en un mundo cruel y miserable.

El cine islandés de los últimos años ha sido una muy grata sorpresa. Con filmes sensibles que han sabido transmitirnos la desolación y fascinación del paisaje y la vida en Islandia, un grupos de jóvenes directores han puesto a esta perdida isla volcánica y glacial en el universo del mejor cine.

Lamb cuenta una historia completamente fantástica. Técnicamente vuelve a reafirmar la madurez del cine islandés, aún siendo el debut de Johannsson. Como muchos de sus coterráneos, el director utiliza el desolado e inhóspito paisaje de Islandia como una herramienta de sugestión muy efectiva y visualmente fascinante. La película cuenta con actuaciones muy adecuadas de los únicos tres intérpretes y un clima inicial muy bien creado de cierto halo de misterio. Pero hasta ahí llegan los méritos del film,

El guión es de muy poco vuelo, la fantasía es infantil y además previsible. Y el ritmo es de una morosidad enorme. Por momentos solo queda de interés esas montañas escarpadas de Islandia como fondo.

Esperemos que Johansson cuente con un mejor guión la próxima vez.

Nunca he sido un fan de Almodovar. Puede que esto tiña mi comentario. Reconozco, sin embargo, que ha sido dueño de un lenguaje y una estética muy personales. Y que ha tenido algunas películas muy logradas como "Mujeres al borde ...". Puestas de una estética muy atrayente, sumamente cuidadas y personales, cierto desparpajo, e historias oscilando entre el melodrama y el grotesco me han parecido sus mayores atractivos. Tanto que sus films tienen una indudable rúbrica de estilo propio. Se que no descubro nada con lo que opino.

Pero lo hago para plantear lo que creo es una pérdida paulatina de buena parte de esas características. Creo que en ninguna película como Madres Paralelas eso es tan evidente. Casi tanto que en muchos momentos cuesta reconocer que estamos ante un film de Almodovar. La depurada técnica de encuadre, escenografía y edición están, y hasta con un toque de cierta distinción, se podría pensar; pero ahora parece que estamos en presencia de un director mucho más sobrio, y bastante menos personal.

Madres Paralelas es un film pasable. Pasable por el dominio técnico de Almodovar para filmar y contar una historia. También pasable por una buena (no extraordinaria) actuación de Penélope Cruz y de varios secundarios. Pasable porque, en particular en la primera mitad, y más allá de cierta previsibilidad, la historia es interesante. La situación planteada entre ambas madres está razonablemente bien llevada aunque mal resuelta y la carga dramática de la historia con sus posibles múltiples resonancias se queda trunca, como si don Pedro no quisiera tomárselo a la tremenda, aunque el humor esté completamente ausente. Sin embargo, es en la trama paralela de la reparación histórica de hechos trágicos de la Guerra Civil donde la película falla decididamente. Suena impostada, sin emoción ni convicción.

En definitiva, un film discreto.

Ken Loach es una figura destacadísima del cine británico con alcance mundial. Su filmografía se ha centrado siempre sobre las injusticias sociales, tomando partido, intelectual y emocionalmente, por los débiles, los excluídos, los oprimidos. Extraordinariamente honesto, nunca ha jugado a tener una mirada "objetiva" o "equilibrada", no importa lo que ello finalmente signifique. Nunca ha escondido su ideología, cercana al socialismo, y sus films, en su mayoría, han obrado como actos de denuncia del sistema capitalista.

La gran ventaja con Ken Loach es que sus historias no son panfletos. Se trata de un verdadero artista que puede transmitirnos con gran dominio del lenguaje cinematográfico la vida de seres humanos de carne y hueso. Pues, con más de ochenta años ha logrado plasmar otra maravillosa película.

Lazos de familia cuenta la historia de una familia de clase media baja en el norte de Inglaterra. Un matrimonio de mediana edad con dos hijos de unos quince y once años aproximadamente que fueron estafados en 2008 y perdieron todo lo que tenían, incluyendo el empleo, y que diez años después están intentando llegar a la casa propia.

En una Gran Bretaña que hace rato abandonó el estado de bienestar, los sindicatos han prácticamente desaparecido y cada trabajador se encuentra solo en la selva de la acumulación desmedida de ganancias de los poderosos. Más aún, el mensaje neoliberal del progreso individual a costa de los sacrificios propios ha percolado en franjas enormes del otrora proletariado. El padre de la familia parece creer en esa opción que se le vende como la posibilidad de ser un "miniempresario" cuando en realidad no será otra cosa que un trabajador precarizado al máximo.

La mirada profundamente humana y humanista de Ken Loach nos introduce en la crisis múltiple de una familia arrastrada por un sistema que no da respuestas a casi nadie. Como Vittorio De Sica hace más de setenta años con su Ladrones de Bicicleta, Ken Loach nos muestra sin melodrama, en carne viva, una historia pequeña pero representativa del enorme drama social que parecería no tener soluciones dentro del sistema económico global impuesto por el neoliberalismo.

Salud Ken Loach!!!!